Yu.Yu. Dorofeeva, A.A. IMAGE PASTEL Moiseev

Yu.Yu. Dorofeeva, A.A. Moiseev PASTEL RESİM

Soyut

Yayın, pastel resmin ayrıntılı bir tanımını sağlar. Rus gerçekçi okulunun özellikleri dikkate alınarak pastellerin sanatsal ve estetik önemi, çeşitli tekniklerde uygulamanın teknik ve teknolojik özellikleri ortaya çıkar.

Okulların, kolejlerin, sanat okullarının öğrencileri tarafından çizim, boyama, kompozisyon, açık havada uygulama, bağımsız ve yaratıcı çalışmalarda sınıftaki eğitim sürecinde kullanılabilir.

Kılavuz uzmanlık alanlarında okuyan öğrencilere yöneliktir: 050100.62 - Pedagojik Eğitim (Güzel Sanatlar ve Dünya Sanat Kültürü), 050600.62 - Sanat Eğitimi, 050100.68 - Güzel Sanatlar, 070901.65 - Resim, 070601.65 - Tasarım, 072600.62 - Dekoratif el sanatları ve halk sanatları, 050602.65 - Art.

Kılavuz, bağımsız olarak güzel sanatlarla uğraşanlar için de faydalı olacaktır.

• Julia Dorofeeva, Alexey Moiseev

HAKKINDA

o Yazarlardan

Giriş _

o Bölüm 1. Pastel resmin tarihi

• Avrupa'da pastel boya

• Rusya'da pastel boya

• Soruları inceleyin

o Bölüm 2. Malzemeler ve teknikler

• Pastel üretim teknolojisi

• pastel türleri

• pastel malzemeler

• Pastellerin korunması, sabitlenmesi, saklanması ve restorasyonu

• Yağlı pastel tekniği

• Kuru pastel tekniği

• Soruları inceleyin

o Bölüm 3. Pastel resimde sanatsal imge

■

• Kompozisyon ve perspektif

• Pastel ile natürmort kompozisyonu

• Renk ve ton

• Natürmortta renk ve ton

• Kuru pastel ile natürmort

o Bölüm 4 Kuru Pastel Teknikleri

■

• İşe hazırlık

• İlk aşama

• İkinci aşama

• Üçüncü sahne

• dördüncü aşama

• Beşinci aşama (son)

• Soruları inceleyin

o Bölüm  5

■

• Görev 1. Pastel tekniğine hakim olmak

• Görev 2. Alçı gövdeyi doğal ışıkta çizmek (top, yumurta)

• Görev 3. Yönlü kontrast aydınlatma ile birkaç basit nesnenin (meyveler, sebzeler,  ev eşyaları) natürmort

• Görev 4. Kumaş ve nesnelerin kısa süreli eskizlerini yapmak

• Görev 5. Çeşitli malzemelerden nesnelerle natürmort

• Görev 6. Üst noktadan yakın renk kombinasyonları ile natürmort

• Görev 7. Farklı malzemelerden ev eşyaları ile sıcak renklerde natürmort

• Görev 8. Açık renklerde karışık ortamda natürmort

• Görev 9. Doğal ışıkta karmaşık tematik bir natürmort

• Görev 10. Yönlü aydınlatma ile karmaşık tematik natürmort

• Görev 11. Karışık ortamda karmaşık tematik natürmort

• Görev 12. Alçı başlı karışık teknikte tematik natürmort  (omuz kuşaklı bir kafa, bir maske veya ünlü bir ustanın gerçekçi bir portresinin reprodüksiyonu)

• Görev 13. Pastel portre

• Görev 14. Alçı gövde ile sahneleme (iç kısımda natürmort unsurlarla  )

• Görev 15. İç mekanda tematik portre

• Görev 16. Bir insan figürü çizmek

• Görev 17. İç mekanda tematik figüratif kompozisyon

• Görev 18. Pastel ile manzara

Edebiyat _

o Renkli resimler

• Pastel ile natürmort kompozisyonu

• Natürmort pastelde renk ve ton

• Kuru Pastel Tekniği (Adım 1-3)

• Kuru pastel tekniği (adım 4-5)

• Görev 1. Pastel tekniğine hakim olmak

• Görev 2. Alçı gövdenin doğal ışıkta çizilmesi

• Görev 3. Yönlü kontrast aydınlatmalı birkaç basit nesnenin hareketsiz yaşamı  (başlarken)

• Görev 3. Yönlü kontrast aydınlatmalı birkaç basit nesnenin hareketsiz yaşamı  (tamamlama)

• Görev 4. Kumaş ve nesnelerin kısa süreli eskizlerini yapmak

• Görev 5. Çeşitli malzemelerden nesnelerle natürmort

• Görev 6. Üst noktadan yakın renk kombinasyonları ile natürmort

• Görev 7. Çeşitli malzemelerden ev eşyaları ile sıcak renklerde natürmort

• Görev 8. Açık renklerde karışık ortamda natürmort

• Görev 9. Doğal ışıkta karmaşık tematik bir natürmort

• Görev 9 (devamı). Doğal olarak karmaşık tematik natürmort

aydınlatma

• Görev 9 (devamı). Doğal ışıkta karmaşık tematik natürmort

• Görev 9 (son).  Doğal ışıkta karmaşık tematik natürmort

• Görev 10. Yönlü aydınlatma ile karmaşık tematik natürmort

• Görev 10 (son). Yönlü aydınlatma ile karmaşık tematik natürmort

• Görev 11. Karışık ortamda karmaşık tematik natürmort

• Görev 11 (devamı).  Karma teknikte karmaşık tematik natürmort

• Görev 11 (son). Karma teknikte karmaşık tematik natürmort

• Görev 12. Alçı ile karışık teknikte tematik natürmort

• Görev 12 (son). Alçı ile karışık teknikte tematik natürmort

• Görev 13. Pastel portre

• Görev 14. Alçı gövde ile sahneleme

• Görev 14 (son). Alçı gövde evrelemesi

• Görev 15. İç mekanda tematik portre

• Görev 17. İç mekanda tematik figüratif kompozisyon

• Görev 17 (devamı). İç mekanda tematik figüratif kompozisyon

• Görev 17 (son). İç mekanda tematik figüratif kompozisyon

• Görev 18. Pastel ile manzara

Julia Dorofeeva, Alexey Moiseev Pastel resim. Rus gerçekçi okulu. Üniversiteler için ders kitabı

Bilimsel danışman:

S. P. Lomov -  çocuk doktoru. Bilimler, profesör, Rusya Eğitim Akademisi'nin tam üyesi, Rusya Sanat Akademisi'nin onursal üyesi

İnceleyenler:

E. L. Suzdaltsev  - kafa. Resim Bölümü MGOU, Ph.D. ped. Bilimler, Doçent

E. V. Romashko -  Rusya Federasyonu Onurlu Sanatçısı, Rusya Sanat Akademisi'nin tam üyesi, Ph.D. ped. bilimler, profesör, baş. Akademik Resim Bölümü MGHPA onları. S. G. Stroganova

S. E. Ignatiev  - çocuk doktoru. Sci., Profesör, Güzel Sanatlar Öğretimi Teorisi ve Yöntemleri Bölümü, Moskova Devlet Pedagoji Üniversitesi

© Dorofeeva Yu.Yu., Moiseev A.A., 2014

© VLADOS Humanitarian Publishing Center LLC, 2014

yazarlardan

Kitapta pastel resim, güzel sanatlar fakültelerinde sistematik olarak incelenen akademik bir disiplin olarak ele alınmakta, pastel tekniğin metodolojik, teknolojik, tarihsel yönleri ve sanat tarihi açısından psikolojik ve öğretimin pedagojik temelleri. Bu, yayının özelliğidir.

Pastel resim sanatını öğretme deneyimi, resim derslerinde karma ortamda kullanımı, açık havada uygulama ve öğrencilerin yaratıcı çalışmalarında, bu tekniğin Rus gerçekçi okulunun geleneklerinde daha derin bir şekilde ele alınması ihtiyacına yol açar. Bu eğitim, kuru pastellerle ovalayarak çalışma tekniğine odaklanmaktadır. Pastel, herhangi bir yaratıcı görevi çözmek için çok uygundur, özellikle daha önce çok az ele alınan türler üzerinde çalışmak için: tematik natürmort, olay örgüsü ve tematik kompozisyon.

Rus pastel resim okulunun oluşumunda en büyük etkiye sahip olan sanatçıların yaratıcı deneyimlerini anlatmak için yerli güzel sanatların gelişimi bağlamında pastellere özel önem vermeye karar verdik: Alexander Orlovsky, Karl Bryullov, Alexei Venetsianov , Konstantin Makovsky, Ilya Repin, Isaac Levitan, Valentin Serov, Mikhail Vrubel, Lev Bakst, Leonid Pasternak, Alexander Golovin, Boris Kustodiev, Konstantin Somov, Sergei Malyutin, Zinaida Serebryakova, Alexei Gritsay. Kitap, sanatçıların eserlerini teknik ve teknolojik özellikleri, yazarın teknikleri ve teknikleri açıklayarak anlatıyor.

Kitap, karışık medya ile birlikte pastel resim öğretimi için bir metodoloji sunmaktadır. Metodoloji, yerli ve yabancı bilim adamlarının, öğretmenlerin ve sanatçıların en iyi uygulamalarına dayanmaktadır. Oluşumu, Moskova Devlet Bölge Üniversitesi Güzel Sanatlar ve Halk Sanatları Fakültesi'nin şövale grafikleri atölyesinin doktora rehberliğinde deneyimlerine dayanmaktadır. ped. Bilimler, Doçent A. N. Vitkovsky, Ph.D. ped. Bilimler, Doçent Doktor Chistov P. D. Kitabın açıklayıcı materyali, öğretmenlerin (P. D. Chistov, A. A. Moiseev, Yu. Yu. Dorofeeva) mezunlarının (Yu. Kushevsky, G. Losev, M. Lavrova, vb.) çalışmalarını da içerir. Güzel Sanatlar ve Halk Sanatları Fakültesi öğrencileri olarak.

giriiş

Halihazırda güzel sanatlar fakültelerinde öğrenci yetiştirme etkinliğinin, resim, resim ve diğer özel disiplinlerdeki teknik becerilerin geliştirilmesiyle mümkün olan, güzel sanatlar alanları arasındaki bağlar dikkate alınarak geliştirilmesine ihtiyaç duyulmaktadır. yaratıcı yetenekleri geliştirmek ve bireysel çalışma için motivasyonu arttırmak.

Bu amacın gerçekleştirilmesi, öğrenme sürecine pastel boyama sanatına entegre bir ders dahil edilerek mümkündür, çünkü pastel, resim ve çizimin niteliklerine ve ifade özelliklerine sahiptir, eğitici, yaratıcı sınıf ve herhangi biri üzerinde bağımsız çalışma için uygundur. güzel sanat türleri, herhangi bir zorluk seviyesindeki görevleri gerçekleştirmenize izin veren tekniklerin değişkenliğini içerir: hayvan eskizleri, çok yönlü manzaralar, gerçekçi portreler, olay örgüsü figüratif kompozisyonlar, tematik natürmortlar, vb.

Güzel sanatlar fakülteleri de dahil olmak üzere pastel öğretim sürecinin yetkin bir organizasyonuna duyulan ihtiyacı not etmek önemlidir, çünkü öğrenci anketlerine göre çizim, resim konularında pastel teknikte daha derin eğitime olan ihtiyaçlarını belirlemek mümkündür. , kompozisyon, açık hava pratiği ve bağımsız yaratıcı çalışma.

Pastel tekniğine olan ilginin artması kısmen pastelin çizim ve boyamada kullanılan, ancak tiner, fırça, palet, palet bıçağı vb. Bu malzemeyle tanışmak için, uygun bir tabana (örneğin kaba kağıt) ve çeşitli renk ve tonlarda yaklaşık on pastel boyaya sahip olmak yeterlidir.

Rönesans'ta ortaya çıkan pastel, sanatçılar tarafından rokoko, sembolizm, izlenimcilik, neo-izlenimcilik, dışavurumculuk, akademicilik, gerçekçilik, fovizm, avangard ve soyut sanat tarzlarında aktif olarak kullanıldı. Bu bölümde Fransa, İtalya, Almanya, İngiltere'deki karakteristik pastel sanat okullarının ana temsilcilerinin yanı sıra İsveç, İsviçre, Avusturya, Hollanda, Türkiye, Norveç, Litvanya, Çek Cumhuriyeti'nden sanatçıların çalışmalarını ele alacağız. ve pastel teknikleri kullanan İspanya.

Pastel, portre türü, natürmort, manzara, tematik kompozisyondaki yaratıcı sorunları çözebilen evrensel bir teknik olarak kabul edilebilir. Pastel sanatına en önemli katkıyı yapmış sanatçıların çalışmalarını ve tekniklerini inceleyeceğiz, dünya kültürünün ayrılmaz bir parçası olan en önemli pastel çalışmaları göstereceğiz. Yabancı sanatı incelerken en çok şu sanatçılara dikkat edeceğiz: Rosalba Carriera, Jean Baptiste Perroneau, Jean Etienne Lyotard, Maurice Quentin de Latour, Jean Baptiste Simeon Chardin, Jean Francois Millet, Edgar Degas, Edouard Manet, Mary Kessat, Berthe Morisot, Odilon Redon, Edvard Munch, Pablo Picasso.

"Pastel" kelimesi belirsizdir ve her şeyden önce renkli boya kalemleriyle sanatsal çizim tekniği anlamına gelir. Pastel olarak da adlandırılan bu teknikte yapılmış bir çalışma ve boya kalemlerinin kendisidir. Pastel, resim ve grafik arasında bir ara konuma sahiptir. Teknolojik açıdan (üretim süreci, depolama ve restorasyon özellikleri, malzemenin bileşimi, onunla çalışma yöntemleri ve teknikleri), pastel grafiktir. İfade olanaklarına göre pastel, resim olarak sınıflandırılabilir. "Pastel" kelimesi, oldukça uzak bir terim olan "pasto" ile aynı köke sahiptir ve kalın bir boya tabakasıyla resim yapmayı ifade eder. Her iki kelimenin de kök makarnası vardır - "hamur".

Pastel, sanatçının resmin ruh halini ve amacını en doğru şekilde iletmesini sağlayan, alışılmadık derecede güzel ve çeşitli bir tekniktir. Pastel, resmin tüm zenginliğini özümseyebilir ve aynı zamanda taslağın dolaysızlığını da koruyabilir.

Göreve bağlı olarak, Degas ve Mary Cassat'ın yaptığı gibi, dikkatli bir şekilde öğütmeden ve küçük ayrıntıları çözmeden enerjik gölgeleme kullanarak pastellerle hızlı bir şekilde çalışabilir ve ayrıca karmaşık kompozisyonlar, gölgeleme, geçişleri yumuşatarak daha fazla gerçekçilik elde edebilirsiniz.

Bu kapasitede pastel, yağlı boya ve diğer resim tekniklerinden sadece aşağı değil, aynı zamanda onları da geride bırakıyor. Pastel kullanarak çalışmanızda herhangi bir dokuya sahip malzemeyi gösterebilirsiniz: yumuşak kadife, şeffaf cam, ince danteller, zarif nakışlar, ahşap, metal, seramik, mermer vb.

Boya tabakasının hassas kadifemsiliği, rengin inanılmaz saflığı, yüzyıllar boyunca değişmeyen gölgelerin hafifliği ve asaleti pastellere özel bir çekicilik katıyor. Ünlü ustaların eserleri bunlar: Jean Etienne Lyotard, Rosalba Carriera, Maurice Quentin de Latour, Jean Baptiste Simeon Chardin, Francois Millet, Valentin Serov, Boris Kustodiev ve diğerleri.

Şu anda, pastellerde çalışan sanatçı toplulukları tüm dünyada (Rusya, Fransa, İngiltere, Almanya, İspanya, Kanada, Çin, Japonya'da) var, Uluslararası Pastel Dernekleri Birliği'nde (IAPS) birleşiyorlar. Bu malzemeye olan ilgi hem profesyonel sanatçılar hem de amatörler arasında artıyor. Pastel tekniğine olan ilginin artması kısmen, pastelin çizim ve boyamada kullanılan, ancak tiner, fırça, palet, palet bıçağı gerektirmeyen, geniş olanaklara sahip, ekonomik ve kullanışlı bir malzeme olmasından kaynaklanmaktadır. vesaire.

Ders kitabı, pastel tekniğinin birkaç yüzyıl boyunca gelişimini gösteren kapsamlı tarihsel materyal içerir, üretimin özellikleri ve en uygun malzeme ve sanatsal tekniklerin seçimi hakkında konuşur. Pastelin korunmasına, saklanmasına, sergilenmesine ve restorasyonuna özellikle dikkat edilir - hem sanatçıların hem de pastel eser sahiplerinin, örneğin koleksiyonerlerin bilmesi gereken teknolojik özellikler. Öğretici, güzel sanatın ayrılmaz bileşenleri olan kompozisyon, perspektif, renk ve ton hakkında bölümler içerir.

Bölüm 1. Pastel resmin tarihi

Avrupa'da pastel boya

Bağımsız bir sanat formu olarak pastel resmin tarihi yaklaşık 300 yıllıktır, ancak doğal pigment ilaveli tebeşir bazlı boyalar binlerce yıldır kullanılmaktadır. Fransa'nın güneyinde, İspanya'da ve Güney Afrika'da keşfedilen kaya resimleri, ilkel insanın tebeşirle çalıştığını ve gerekirse ona toprak pigmentleri, yanmış kemik ve kömür ekleyerek tanıklık ediyor. Pastello terimi ilk kez tavırcılık teorisyeni J.P. Lomazzo'nun incelemesinde bulunabilir, ancak yumuşak malzemelerle (tebeşir, karakalem, iyimser) çok renkli çizimler 15. yüzyılın ikinci yarısında kullanılmaya başlandı. İtalyan Rönesansının ustaları tarafından.

Pastel resimde kullanılan malzemelerle (karakalem - gölgelerde "siyah taş", orta tonlarda sanguine ve vurgularda beyaz tebeşir) çalışan ilk sanatçılardan biri Leonardo da Vinci idi. Sanatçı, yumuşak malzemelerle çalışma tekniğini “kuru boyalar” olarak adlandırdı ve yukarıdakilere ek olarak başka renkler de kullandı. Benzer bir teknikte J. Fouquet ve P. P. Rubens'in eserleri icra edilmiştir. Peter Paul Rubens karakalem, iyimserlik ve tebeşirle karışık bir çizim tekniği kullanmaya başladı. Bu teknik daha sonra hem sanatçının öğrencileri hem de sonraki nesiller için bir klasik haline geldi; 18. yüzyılda dessin a trois pastel boya ("üç kalemle çizim", fr.) Olarak adlandırıldı.

Akasya reçinesi (arap zamkı) ile bağlanmış kuru renkli pigmentten oluşan pastel boya kalemleri, çizimleri renklendirmek için boya kalemi kullanan Fransız sanatçı Jean Perreal (c. 1455-1530) tarafından 16. yüzyılda icat edildi. Perreal yöntemi İtalya'da yavaş yavaş yayıldı, özellikle Leonardo da Vinci'nin (1452-1519) yanı sıra Michelangelo (1475-1564) yumuşak grafik malzemelerle çalıştı.

XVI-XVII yüzyıllarda birçok sanatçı pastelleri yalnızca çizimleri vurgulamak için bir grafik malzeme olarak kullandı. Pastelin en ünlü ustaları, Fransa'da D. ve P. Dumoustier, P. Briard, N. Lagno, Ch. Lebrun, R. Nanteuil, Hollanda'da H. Goltzius, Almanya'da Hans Holbein the Younger, J. A. Boltraffio, B. Luini, L. Carracci, İtalya'da Guido Reni. Yavaş yavaş resme olan ilginin artması nedeniyle şövale resimlerinde pastel teknik kullanılmaya başlandı. Bu akımın bir örneği, Fransız ressam Joseph Vivienne'in (1657-1734) pastel şövale çalışmasıdır.

1704 Salonu, Joseph Vivienne'in gerçek boyutlu yirmi pastel portresini sergiledi. Serginin başarısı, 18. yüzyılda kendi kendine yeterliliğinin tanınmasına yol açan bu tekniğin popülaritesindeki hızlı artışı etkiledi. Sanatçının yüksek teknik becerisi, "Burgundy Dükü Louis'in Portresi" nde görülebilir. Bu, ince renk ve ton nüansları ile pastellerin ressamlık niteliklerinin açık bir örneğidir.

18. yüzyılın ilk yarısında sanatçılar çok çeşitli teknikler kullandılar: renkli kağıt üzerinde çalışma, ovalama, pigmentin optik ve mekanik karışımı vb. yağlı boya. Aynı zamanda pastel teknik, renk ve tondaki en ufak değişiklikleri aktarmada elverişliydi.

Pastelin özellikleri, portre türünde bu tekniğin popülaritesini sağlayan Rokoko tarzını oluşturan 18. yüzyıl toplumunun estetik zevklerine en yakın şekilde karşılık geldi. Rokoko tarzında insan derisinin tonlarına, nesnelerin somutluğuna ve somutluğuna - çiçek yaprakları, hafif ve şeffaf kumaşlar - büyük önem verildi. Pastellerin görsel olarak algılanma kolaylığı (boya tabakasının güçlü bir parlaklığının olmaması), renklerin parlaklığı, sanatçıların hem tören hem de oda portreleri yapmasına izin verdi. Burada 18. yüzyılın ünlü pastel sanatçılarının isimlerini hatırlayabilirsiniz: A. R. Mengs - Almanya'da, G. Lundberg - İsveç'te, T. Lawrence, W. Hamilton, F. Kots - İngiltere'de, N. Vleigels, L. Dupont , J. Ducret, F. Frey, J. Wald, J. Duplessis, C. Ouen, A. Guillard - Fransa'da. Rokoko döneminin en ünlü temsilcileri Jean Antoine Watteau (1684-1721) ve François Boucher (1703-1770) pastel teknikte çalışsalar da bu sanatçıların ünlü eserlerinin çoğu yağlı boyadır. Watteau, Rubens ile birlikte, yumuşak malzemelerle üç renkli çizimin en iyi ustalarından biri olarak kabul edilir.

Pastel çalışmanın temel ilkelerinin oluşumunu en güçlü şekilde etkileyen usta, portre ressamı Rosalba Carriera'dır (1675-1757) (bkz. Şekil 1). Venedik'te Fransız ressam Jean Stev ile birlikte yaptığı minyatürler ve enfiye kutusu resimleriyle büyük ün kazandı. İlk pastel portreleri (1703 dolaylarında) çağdaşları tarafından büyük beğeni topladı. İskoçyalı Christian Cole'un tavsiyesi üzerine sanatçı, ana sanat yönü olarak pastel portreleri seçti. Rosalba Carriera, İtalya'nın her yerinden etkili insanlardan portre siparişleri aldı, popülaritesi, aralarında Danimarka Kralı VI. Portreleri, sanatçının Dresden pastel koleksiyonunun temelini attı.

Şekil 1. R. Carriera. Antoine Watteau'nun portresi. Bailo Müzesi, Treviso

1720'de, bankacı Pierre Crozat'ın daveti üzerine Rosalba Carriere, çalışmalarının geniş çapta kabul gördüğü Paris'te çalıştı. 1730'da sanatçı, İmparator VI. Charles ve eşinin daveti üzerine Avusturya sarayında resim yaptı.

18. yüzyılda, kadın portreleri çok popülerdi, çünkü genç bir bayanın yazışma yoluyla tanıştığında damadına görünüşü hakkında bir fikir vermek için sık sık boyanıyorlardı. Portre türünde daha az popüler olmayan yağlı boyaya kıyasla kuru pastel, hızlı ve kalite kaybı olmadan çalışmanıza izin verdiği için tercih edildi. Sanatçı, Fransa'da kaldığı bir yıl boyunca yüksek sosyete temsilcilerinin çok sayıda portresini yaptı.

Rosalba Carriera, onu çağdaşlarından ayıran, renklerle resim yapmaya benzer yüksek bir renk uyumu duygusuna sahipti. Pembe ve mavi ipuçları içeren yumuşak bir renk paleti, çalışmalarının en karakteristik özelliğiydi. Şimdiye kadar, bu tür gölgeler izleyiciyle pastel ve "pastel" renklerle ilişkilendirildi. Sanatçı önce farklı renklerde geniş düz vuruşları dinamik bir şekilde uyguladı, ardından onları ovuşturarak ince ton ve renk nüansları elde etti ve sonunda kadifemsi, havadar bir doku vermek için kalem darbeleri ekledi.

Carriera'nın resimlerinde müşteriler doğrudan izleyiciye bakarken veya bir dönüşün dörtte üçü oranında tasvir edilmiştir. Sanatçının çalışmaları, Dresden Sanat Galerisi'nde Rosalba Carriera'nın 150 pastelinin saklandığı gerçeğiyle doğrulanan XV. Louis döneminde başarılı oldu. Carriera'nın üslubunun, hem yağlı boya hem de pastelle çalışan Rokoko ustaları François Boucher (1703-1770) ve Jean Baptiste Perrono (1715-1783), Jean Baptiste Greuze (1725-1805) tarafından resim yapma tarzı üzerinde gözle görülür bir etkisi oldu. Çalışmaları İsveçli pastel ressam Gustav Lundberg'e (1695-1786) ilham verdi.

18. yüzyılın en ünlü pastel sanatçısı Fransız ressam Maurice Quentin de Latour'dur (1704-1788). Pastel'i yaratıcılığın ana malzemesi olarak hemen kullanmaya başlamadı, yağlı boyayı tercih etti; Rosalba Carrera'nın eserlerinin etkisiyle genç sanatçının grafik tekniğe yöneldiği varsayımı var. 18. yüzyılda pastel kullanımı nispeten yeni bir fenomendi, bu nedenle birçok izleyici daha tanıdık yağlı boya tabloyu tercih etti.

Pirinç. 2. MK de Latour. Marquise de Pompadour'un portresi. 1755. Louvre, Paris

Pirinç. 3. MK de Latour. Louis XV'in portresi. 1748. Louvre, Paris

Maurice Quentin de La Tour, pastellerin olanaklarını göstermek için alışılmadık derecede büyük boyutlarda iki portre çizdi. Tekniğin ustalığı, "Paris Parlamentosu Başkanı Gabriel Bernard de Rieu'nun ofisindeki portresi" (1741) ile kendini gösterir. Sadece de Latour'un çalışmalarında değil, aynı zamanda pastel grafik tarihinde de en önemli eserlerden biri, Kral XV. Louis'in (175 ×) favorisi olan “Marquise de Pompadour'un Portresi” (bkz. Şekil 2) olarak adlandırılabilir. 128 santimetre). Markiz, gerçek boyutundan daha büyük bir resimde, çeşitli bilim ve sanat sembolleriyle çevrili oturmuş olarak tasvir edilmiştir. Çevredeki nesneler onun çok yönlü ilgi alanlarını gösterir: edebiyat, müzik, astronomi ve grafik. Kalan hazırlık eskizleri, işi yaratma teknolojisini ortaya koyuyor. De Latour hayattan sadece başı çekti ve işin geri kalanını ayrı ayrı yaptı.

Pirinç. 4. MK de Latour. Jean Jacques Rousseau'nun portresi. 1753. Sanat ve Tarih Müzesi, Cenevre

Pastel de Latour giderek daha fazla hayran bulmaya başladı, bu tekniğe olan tutku yavaş yavaş tüm Paris'i kasıp kavurdu. 1780'de hem profesyoneller hem de amatörler olmak üzere iki buçuk binden fazla kişi pastel teknikle çalışmayı tercih etti.

De Latour, dönemin en önemli figürlerinin portrelerini yarattı: Louis XV (bkz. Şekil 3), d'Alembert, Voltaire, Jean-Jacques Rousseau (bkz. Şekil 4), Maurice of Saxony, Maria Leshchinskaya. De Latour'un sadece kendi ruh halini değil, aynı zamanda "cesur çağın" ruhunu da kolaylıkla ve zarafetle ifade etmeyi başardığı, sanatçının otoportrelerinin oldukça büyük bir mirası biliniyor. O zamanın tanınmış bir sanat uzmanı olan Mariette'in tanımına göre, Latour "pastellerin kralı" lakaplıydı. Çalışmaları, resmin dış bileşeninin tasvir edilen kişinin içsel durumunun aktarılmasından daha önemli olduğu resmi portre türüne daha çok yöneldi.

Süslenmemiş gerçekçilik, kompozisyonun sadeliği ve kapasitesi, bir kişinin iç dünyasının aktarımı, karakteri en çok başka bir Fransız sanatçıyla ilgileniyordu - Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) - bir oda ustası pastel portre ( bkz. Şekil 5). Chardin en çok natürmort ve tür yağlı boya tablolarıyla tanınır, pastelle resim yapmaya 72 yaşında, kötüleşen görme ve sağlığı, her zamanki tekniğinde çalışmayı imkansız hale getirdiğinde başladı. Sanatçı, ölümünden üç ay önce Salon'da iki pastel otoportre sergiledi. Chardin, hiçbir cilvelik veya tavır izi olmaksızın, sıcaklıkla dolu resimler yarattı.

Pirinç. 5. J. B. S. Chardin. Otoportre. 1771. Louvre, Paris

Chardin, aydınlatılmış alanlara, karıştırılmamış renklerin ayrı vuruşlarıyla pastel uyguladı. Bu, özellikle Pince-nez ile 1771 Otoportresinde belirgindir. Başka bir Fransız pastel ressamı olan Edgar Degas'ın (1834-1917) yazı stilini tahmin etti. Chardin, zamanının ötesinde bir sanatçı çıktı. Chardin'in çalışma tarzı daha sonra bölücülük olarak adlandırılacaktı.

Olgunluk yıllarında birçok sanatçı pastel tekniği tercih etti. Sadece daha hızlı değil, aynı zamanda daha hassas çalışmayı, doğrudan parmaklarıyla tabloyu hissetmeyi mümkün kıldı. Pastelin erişilebilir bir teknik olduğu ve acemi sanatçılar için uygun olduğu gerçeğinden bahsetmişken, iyi sonuçlar elde etmek için doğruluk, tutarlılık ve beceri gerektirdiğini unutmamalıyız.

18. yüzyıl, pastel teknikle çalışan birçok yetenekli portre ressamı üretti. John Russell (1745-1806) - pastel prensi olarak adlandırılan en parlak İngiliz ressamlardan biri ("Bayan Janet Grisel Cuming'in Portresi", "Bahçeli bir kızın portresi"). Toulon deniz ressamı Pierre Jacques Volaire'in (1729-1802) manzara romantik pastelleri iyi bilinir.

Chardin'in arkadaşı Jacques-Andre Aved'in (1706-1766) ve çocuk portreleri çizen François Boucher - Hubert Drovet'in (1727-1775) öğrencisinin adından bahsetmeye değer. Daha sonraki bir neslin ressamları - pastel teknikte de çalışan ünlü Alman ressam Anton Rafael Mengs ve 1815'te saray ressamı unvanını alan İspanyol pastel ustası Vicente Lopez y Portaña, Angelika Kaufman (1741-1807), zaten dokuz yaşında pastel portreler çiziyor.

Pastel çalışmaya ustaca bir yaklaşımın bir örneği, Jean Etienne Lyotard'ın (1702-1789) eseridir. Resimdeki bu sanatçı, gerçeği olabildiğince doğru bir şekilde aktarmaya çalıştı, hayatta darbeler, vuruşlar ve konturlar görülemeyeceğinden, resimde bu ifade araçlarından kaçınılması gerektiğine inanıyordu. Bunu yapmak için, resmin her detayını inanılmaz bir incelik ve zarafetle bitirdi. Bu ilkenin bir örneği, Dresden Sanat Galerisi'nde saklanan Leonardo da Vinci'nin ünlü "Mona Lisa Gioconda" - "Çikolata Kız" (1774) kadar pastel alanında bilinen eseridir (bkz. Şekil 6). Sanatçı bu çalışmasında Anna Baldauf'u yakalamıştır. Lyotard ağırlıklı olarak İsviçre, İtalya (kardinallerin portreleri ve Papa XII. Clement dahil), Avusturya'da (İmparator I. Francis'in sarayında) portre türünde çalıştı.

Pirinç. 6. J. E. Lyotard. çikolata kız 1774. Dresden Sanat Galerisi

Lyotard, Konstantinopolis'te geçirdiği dört yıl boyunca çok sayıda ulusal giysili insan portresi çizdi. Sanatçı, konuları denemekten korkmadı: Ulusal Türk kostümlü ve yapıştırılmış sakallı otoportresi (1773) biliniyor. Louvre'un grafiklerinin başyapıtlarından biri, Danıştay Üyesi Theodore Tronchin'in eşi olan 1758 tarihli "Madam Tronchin'in Portresi" adlı eseridir. Pastelin Avrupa'daki popülaritesine rağmen, sanat ve modadaki önde gelen trendler Fransa'dan geldi. 1789 Fransız Devrimi'nin başlamasıyla birlikte toplumun görüşleri önemli ölçüde değişti. Pastel, eski rejim ve anlamsız ve yüzeysel olan "kraliyet" rokoko tarzıyla ilişkilendirildi. Pastel resim siparişi veren aristokratlar zulüm gördü ve hatta idam edildi, çoğu ülkeden kaçtı. Sanatçılar çoktan unutuldu

Otuz yıl boyunca, romantizmin seçkin Fransız temsilcisi Eugene Delacroix (1798-1863) yağlı boya tablolar için eskizler için boya kalemi kullanmaya başlayana kadar pastel pratikte kullanılmadı. Delacroix, İngiliz manzara ressamı John Constable'a (1776-1837) büyük saygı duydu ve onun gibi doğadan manzara çizimleri yaptı. Aynı zamanda, doğanın durumundaki değişiklikleri canlı ve hızlı bir şekilde iletmesine izin veren pastelleri sık sık kullandı. Delacroix, bir eylemin dinamiklerini hızla yakalayabilen bir ortam olarak pastelle çalıştı. Delacroix'in çizimdeki ışık, renk, dinamikler alanındaki deneyleri, 1850'lerdeki Empresyonist arayışının habercisiydi. Claude Monet'nin hocası olan Fransız Eugène Boudin (1824-1898) de İzlenimciler üzerinde önemli etkisi olan bir kişi olarak adlandırılabilir. Doğada yazılı olan her şeyin bir kuvveti, kudreti ve canlılığı olduğunu, atölyede transfer edilemez." Delacroix gibi, Boudin de eskizler, kadrolu manzaralar, Normandiya kıyılarının değişen doğası için sık sık pastel kullandı.

19. yüzyılın ikinci yarısına, sanatta çeşitli akımların ortaya çıkışı, ancak "canlı" bir izlenim arayışı, yeni renk kombinasyonları damgasını vurdu; katmanlı resmin "kuruluğundan" kurtulma arzusu birçok sanatçıyı birleştirdi. Pastel bu amaçlar için çok uygundu, bu nedenle Jean-Francois Millet (1814-1875), Edgar Degas (1834-1917), Edouard Manet (1832-1883), Auguste Renoir (1841-) dahil olmak üzere o zamanın bir dizi parlak ustası 1919 ) ve Odilon Redon (1840-1916), Felicien Rops (1833-1898), pastel veya karışık teknikte pastel kullanarak eserler yarattı. 19. yüzyılın ikinci yarısı abartısız pastel resmin "altın çağı" olarak adlandırılabilir.

Fransız sanatçı Jean-Francois Millet (1804-1875), pastelin gelişimine önemli katkılarda bulunan sanatçılardan biriydi, en ünlüleri "Öğlen", "Gündüz rüyası", "Buket papatyalar", "Siklamen" (bkz. Şekil 7), "Akşam", empresyonizmin görsel teknikleriyle birlikte sembolizm estetiğini taşır. Millet, bu teknikte diğer sanatçılar tarafından çok az keşfedilen türlerde pastel çalıştı: açık havada (hayattan yalnızca gelecekteki yağlı boya tabloların bazı kısımlarını tasvir etti), natürmortlar, olay örgüsü ve tematik kompozisyonlar üzerinde çalışmak için. Darı, ovuşturulan alanlarla birlikte şekli modellemek için kısa çapraz vuruş yöntemini kullandı.

Pirinç. 7. J. F. Darı Siklamenleri, 1867-1868. Güzel Sanatlar Müzesi, Boston

Edgar Degas çoğunlukla yağlarda çalıştı, ancak kötüleşen görme yeteneği, ünlü ustayı bu zaman alıcı tekniği terk etmeye zorladı. Degas, fikirlerini tercüme etmek için ifade açısından karşılaştırılabilir ve çok daha uygun bir araç aramaya başladı. Yavaş yavaş, Degas pastel boyalarla yağlı boya tabloları tamamlamaya başladı (“Prova” - yaklaşık 1874-1877) ve ardından tamamen yeni malzemeye (“Yağmurda Jokeyler” - yaklaşık 1886) geçti. Degas için çizim, yaratıcılığın yıkılmaz temeliydi, bu yüzden sanatçı tarafından pastel seçildi. Bu teknikte çalışmak, tebeşir, karakalem ve kurşun kalemle çizmeye güçlü bir benzerliğe sahipti, ancak kıyaslanamayacak kadar büyük fırsatlar sağladı (bkz. Şekil 8, 9).

Pirinç. 8. E. Degaz. Mavi dansçılar. 1887 dolaylarında, Devlet Güzel Sanatlar Müzesi. AS Puşkin, Moskova

Pirinç. 9. E. Degas. Kadın saçını tarıyor. 1886. Devlet İnziva Yeri Müzesi, St. Petersburg

Pastellerle çizim sürecine yenilikçi bir şekilde yaklaşabilen Edgar Degas idi. Verimli çalışması nihayet pastelin evrensel ve eşit resimsel ve grafiksel bir ortam olduğunu kanıtladı. Degas sürekli deneyler yapıyordu: kuru pigmentleri guaj ve tempera ile karıştırıyordu; pastel boyayı sıcak buhar altında tuttuktan sonra sert bir fırça ile uygulayarak yağlı boya etkisi elde etti. Kuruması için zamanı olmayan hızlı bir boyama ile buğulanmış pastel, tabana ve sonraki katmanlara çok daha iyi yapıştı. Tek tek vuruşları bir solventle nemlendiren ve bunları kuru alanlarla birleştiren Degas, dokuda ifade gücü, alan derinliği ve geçişlerde karmaşıklık elde etti. Degas'nın en sevdiği konular balerinlerin, çamaşırcıların, şarkıcıların ve şapkacıların hayatından portreler ve sahnelerdi. Degas, izlenimci resim yöntemini kullanmadı ve kendisini asla bir izlenimci olarak görmedi.

Degas, yalnızca 19. yüzyılın en iyi ressamlarından biri değil, aynı zamanda usta bir renkçiydi. Sıcak ve soğuk renklerin tamamlayıcı rol oynadığı bölücü tekniği kullanarak uyumlu renk kombinasyonları yaratmayı başardı. Degas, resimsel katmanların her birini dikkatle kaydederken, sanatçı için katmanlı resim, gölgelerin saydamlığını aktarmanın en iyi yoluydu. Paralel ve çapraz tarama, gölgesiz veya yumuşatılmış çizgiler, noktalar ve noktalar, Degas'ın etkileyici ve anlamlı kompozisyonlar yaratmasına yardımcı olan tekniklerdir.

Édouard Manet, Degas ve Chardin gibi geç yaşlarda pastel renklere yöneldi. Tuval veya karton üzerinde çalışmayı tercih etti. Kartonun kahverengimsi mat yüzeyi, usta için uygun bir temel oluşturdu, çünkü imprimatura gibi pastel katmanların arasından parlıyordu. Sanatçı, renk kombinasyonlarının zenginliğini iletmek için geniş yüzeylerde gölgeleme kullandı ve "hızlı" bir çizim hissi yaratarak, konturları etkileyici koyu mavi veya kahverengi bir çizgiyle vurguladı. Manet'nin paleti, nispeten zayıf bir yumuşak tonlar ve gölgeler seti içeren özlü olarak adlandırılabilir.

Yüksek sosyete temsilcilerinin 18. yüzyıla özgü iddialı portrelerinin aksine, şu ya da bu şekilde Empresyonist olarak sınıflandırılan sanatçılar, cesur ve yenilikçi bir tarzda sıradan erkek ve kadınların "canlı", doğal portrelerini çizdiler.

Pastel, Empresyonist okulun temsilcileri olan en ünlü kadınları çalıştı: Mary Cassat (farklı bir okumada - Marie Cassatt, 1845-1926). Kadınların ve çocukların hayatlarından basit sahnelerin canlandığı, narin ve duygulu resimler yaptılar. Rus sanatçı Zinaida Serebryakova, izlenimci geleneklerini çalışmalarında sürdürmeyi başardı.

Pirinç. 10. O. Redon. Uzun bir vazoda kır çiçekleri. 1912. Musées d'Orsay, Paris

Cassat ve Morisot'nun bir çağdaşı olan Odilon Redon (1840-1916), çoğunlukla natürmortlar (bkz. Şekil 10), portreler ve mitolojik konuları pastel renklerle boyadı. Tüm sembolist sanatçılar gibi o da bilinçaltının gizlediklerini sanatta ifade etmeye çalıştı, fanteziyi gerçeklikle iç içe geçirdi. Redon'a göre pastel, gizemli bir atmosfer taşımak için idealdi. 19. yüzyılın sonunda birçok sanatçı, saf renkleri ve dekoratif kompozisyonlarıyla Doğu sanatına düşkündü. Redon, açık renkleri "kasvetli" koyu kahverengi tonlarla birleştirerek uyumlu ve aynı zamanda duygusal kompozisyonlar yarattı.

Zamanının en iyi ustalarından biri olarak kabul edilen James Abbot McNeil Whistler (1834-1903) da pastel boya çalıştı. Renkli, etkileyici pastelleri, Empresyonistlerin eserlerine benziyor: “Annabelle Lee” - 1870, “Fırtına sırasında gün batımı. Venedik" - 1889, "Arap Kadını" - 1892, "Mavi ve Menekşe" - 1889 ve diğer eserler.

19. ve 20. yüzyılların başında, çeşitli sanatsal hareketlerin sanatçıları pastellere yöneldi - post-izlenimciler, sembolistler, dışavurumcular, modern sanatçılar: Çek ressam A. Mucha, Norveçli E. Munch, M. K. Čiurlionis, Litvanya'da, P. Bonnard ve J. A. Vuillard, Hollanda'da H. van de Velde, Alman sanatçı M. Lieberman, Avusturyalı E. Schiele. 20. yüzyılda Georges Rouault tarafından kasvetli dışavurumcu eserler yaratıldı. Joaquín Miro (1873-1940) pastel tekniğini yağlı boyaya yaklaştırmış, Çiçek Açan Badem Ağaçları'nda yoğun paralel gruplar halinde dizilmiş vuruşlar yağlı boya etkisini andırıyor.

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) eskizler ve eskizler için bir malzeme olarak daha çok pastel kullandı, ancak sanatçının bağımsız bitmiş pastel çalışmaları da var, bir örnek "Vincent van Gogh'un Portresi" - 1887 (bkz. Şek. .11). Bu çalışmada hacim ve dokuyu iyi ifade eden kısa çapraz çizgilerle tarama kullanılmıştır. Daha sık olarak, sanatçı, daha sonra Art Nouveau ve Dışavurumculuk tarzında sıklıkla bulunan bir tarz olan farklı renklerde uzun kavisli vuruşlar kullandı. Toulouse-Lautrec pastel boyayı mürekkep, kurşun kalem ve yağ ile birleştirdi.

Pirinç. 11. A. de Toulouse-Lautrec. Vincent van Gogh'un portresi. 1887. Rijksmuseum, Amsterdam

Edvard Munch (1863-1944), pastel ve karışık teknikte yoğun olarak çalıştı, en ünlü eseri 1893'te pastelle yapılan The Scream'di. Toplamda, resmin dokuz versiyonu biliniyor, ikisi sadece pastel renkte yapılmış. Pastel, sanatçıyı anlamlı ve duygusal olarak çalışma fırsatı ile cezbetti. Edvard Munch, kısmi sürtünme ile gölgeleme kullanarak, uzun eğri çizgilerle çalışarak, parlak renkli noktaları, derin tonları, harmanlanmamış dokulu alanları birleştirerek, eserlerinin derin figüratif ifadesini elde etti.

Yetenekli bir grafik sanatçısı olan Egon Schiele (1890-1918), portreleri ve insan figürlerini tasvir etmek için pastel kullandı, ancak esas olarak yardımcı bir malzeme olarak.

Alphonse Mucha (1860-1939), iç tasarım eskizleri için bir malzeme olarak pastel kullandı ve ayrıca şövale arsa kompozisyonları gerçekleştirdi: "Dua" - yakl. 1896, "Kutsal Gece" - yak. 1900, "Ağlayan Kız" - yak. 1900.

Pablo Picasso (1881-1973), yaratıcı fikirlerin gerçekleştirilmesi için bir malzeme olarak pastel kullanmıştır. Sanatçının 1900 yılında Pérez Hall'daki (Barselona) ilk kişisel sergilerinden birinin pastellerden oluştuğunu belirtmek önemlidir.

Sanatçının Barselona'daki Picasso Müzesi'nde saklanan bazı eserlerini listeleyebilirsiniz: “Sanatçının annesi Dona Maria Picasso Lopez'in Portresi” - 1896, “Şallı Kadın” - 1899-1900, 1900- Paris eskizlerinden oluşan bir dizi 1901 yapımı pastel, aralarında : "Sarılmak", "Soyunma odasında", "Numaranın sonu." "Sayının Sonu" çalışması, bu dönemin sanatçısının resimlerine özgü izlenimci bir tarzda yapılmış, ancak diğer eskizlerin aksine temel olarak kumaş kullanılmıştır. Pablo Picasso'nun pastel teknikteki en iyi eserlerinden biri, mavi dönemin "Annelik" - 1903 kompozisyonu olarak adlandırılabilir. Bu teknikte, Pablo Picasso daha sonraki yıllarda eserler verdi: "Merdivenlerdeki Kadın" - 1933, "Horoz" - 1938.

Pastel kullanan karışık teknik, 20. yüzyılın başka bir İspanyol sanatçısı olan Salvador Dali (1904-1989) tarafından kullanıldı. Sanatçının epeyce pastel eskizleri, resimler için kompozisyon geliştirmeleri de korunmuştur.

Böylece 19.-20. yüzyılın ikinci yarısının kültüründe birçok sanatçı pastel tekniğe yöneldi. Pastel, kural olarak, çok çeşitli olanaklara sahip, karışık ortamda çizim ve boyama için çok uygun bir malzeme olarak kullanıldı. Bu dönemin sanatçıları için yaratıcılığın önemli bir bileşeni deney, klasik okulun yerleşik geleneklerinden uzaklaşma arzusu, yeni bir resim dili arayışıydı. Her zamanki sanatsal malzemelerden yeni fırsatlar çıkararak çeşitli teknik ve çalışma yöntemlerinde ustalaştılar. Avangard sanatçılar, post-empresyonistler, sembolistler, ekspresyonistler, fovistler, soyutlamacılar, maksimum renk doygunluğu ile çalışmanıza izin veren bir teknik olarak pastelin olanaklarını kullandılar (fovizm, post-empresyonizm, dışavurumculuk, soyutlamacılık), enerjik gölgeleme (post-izlenimcilik, dışavurumculuk), aynı zamanda karmaşık gölgelerin ve dokuların (sembolizm) aktarımına izin verir. 20. yüzyıl sanatçıları arasında pastel teknikle çalışmış ustaları anmak gerekir: J. Braque, A. Matisse, M. Beckmann, P. Klee, R. Sanvicens. 20. yüzyılda, diğer tekniklerin tekniklerini kopyalama veya taklit etme arzusu olmadan, pastel tekniğin olanakları alanındaki deneylerden söz edilebilir. Böylece, pastel teknik en büyük bağımsızlığı elde eder, ancak gerçekçi geleneklerden uzaklaşma eğilimi, tüm teknik yelpazesini hesaba katmadan malzemenin bireysel teknik ve teknolojik yönlerine yönelik deneylere yol açar. Bir örnek, Paul Klee'nin "Göz" eserinin pastel soyut kompozisyonudur. 20. yüzyıl sanatçıları arasında pastel teknikle çalışmış ustaları anmak gerekir: J. Braque, A. Matisse, M. Beckmann, P. Klee, R. Sanvicens. 20. yüzyılda, diğer tekniklerin tekniklerini kopyalama veya taklit etme arzusu olmadan, pastel tekniğin olanakları alanındaki deneylerden söz edilebilir. Böylece, pastel teknik en büyük bağımsızlığı elde eder, ancak gerçekçi geleneklerden uzaklaşma eğilimi, tüm teknik yelpazesini hesaba katmadan malzemenin bireysel teknik ve teknolojik yönlerine yönelik deneylere yol açar. Bir örnek, Paul Klee'nin "Göz" eserinin pastel soyut kompozisyonudur. 20. yüzyıl sanatçıları arasında pastel teknikle çalışmış ustaları anmak gerekir: J. Braque, A. Matisse, M. Beckmann, P. Klee, R. Sanvicens. 20. yüzyılda, diğer tekniklerin tekniklerini kopyalama veya taklit etme arzusu olmadan, pastel tekniğin olanakları alanındaki deneylerden söz edilebilir. Böylece, pastel teknik en büyük bağımsızlığı elde eder, ancak gerçekçi geleneklerden uzaklaşma eğilimi, tüm teknik yelpazesini hesaba katmadan malzemenin bireysel teknik ve teknolojik yönlerine yönelik deneylere yol açar. Bir örnek, Paul Klee'nin "Göz" eserinin pastel soyut kompozisyonudur. 20. yüzyılda, diğer tekniklerin tekniklerini kopyalama veya taklit etme arzusu olmadan, pastel tekniğin olanakları alanındaki deneylerden söz edilebilir. Böylece, pastel teknik en büyük bağımsızlığı elde eder, ancak gerçekçi geleneklerden uzaklaşma eğilimi, tüm teknik yelpazesini hesaba katmadan malzemenin bireysel teknik ve teknolojik yönlerine yönelik deneylere yol açar. Bir örnek, Paul Klee'nin "Göz" eserinin pastel soyut kompozisyonudur. 20. yüzyılda, diğer tekniklerin tekniklerini kopyalama veya taklit etme arzusu olmadan, pastel tekniğin olanakları alanındaki deneylerden söz edilebilir. Böylece, pastel teknik en büyük bağımsızlığı elde eder, ancak gerçekçi geleneklerden uzaklaşma eğilimi, tüm teknik yelpazesini hesaba katmadan malzemenin bireysel teknik ve teknolojik yönlerine yönelik deneylere yol açar. Bir örnek, Paul Klee'nin "Göz" eserinin pastel soyut kompozisyonudur.

Belirli bir sanatsal ve figüratif eksiklik ve çoğu zaman birbiriyle çelişen çeşitli sanat akımları ve biçimleri, güzel sanatlarda dinamik olarak değişen koşulları ve toplumsal düşünceyi yansıtmaya çalışan bir geçiş aşaması olan 20. yüzyılın karakteristik özellikleridir.

Gerçekçi geleneklerin kaybolması nedeniyle, modern pastel sanatçılar, duygusal olarak ifade edici ve öğrenmesi daha kolay olduğu için vuruşlu izlenimci tekniği daha çok kullanırlar, yağlı pasteller genellikle bu amaçlar için kullanılır. Bununla birlikte, çeşitli türlerde çalışan kuru pastel ustaları var: portre, manzara, gerçekçi bir şekilde tematik kompozisyon. Modern eserlerdeki gerçekçi yaklaşım, canlılığını, algının dolaysızlığını yitiriyor, bir gerçeğin sabitlenmesine - hiperrealizme (fotorealizm) yaklaşıyor ve bu nedenle malzemenin olanaklarını tam olarak ortaya koymuyor. Bunun açıklaması, kopyalama yöntemine dayalı pastel öğretimi için bir teknik olabilir. En yaygın olanı, bir fotoğraftan kopyalama, çizim ve boyama hakkındaki bilgilerin uygulanmasıdır.

Yabancı yazarlar arasında çağdaş pastel ustaları sayılabilir: Barbara Groff, Elizabeth Mowry, Joe Mancuso, Maxime Boche, Patrick Martin, Peter Seltzer, Ron Monsma, Brian Cobble, Claudia Seymour, Colette Odia Smith, Alan Flattmann, Cindy House, Don Rantz , Richard McKinley, Thomas Sierek, Wende Caporel, Sam Goodsell, Daniel Green, William Hosner, Richard Pjonk, William Schneider.

Rusya'da pastel boya

Pastel, 18. yüzyılın ortalarında izleyiciye tanıdık geldi ve ilk başta Avrupalı ​​\u200b\u200bustaların eserlerinden oluşan bir koleksiyondu. Quentin de La Tour, Jean Baptiste Perrono ve diğerlerinin çalışmalarının etkisiyle Fransa'da başlayan pastel modası, birkaç yıl içinde tüm Avrupa'ya yayıldı. 18. yüzyılın ikinci yarısının başında Rusya'ya ulaştı. 1750'lerde çalışmak için buraya gelen yabancı sanatçılar küçük eskizler ve pastel eskizler yaptılar. J. de Samsois ve V. Eriksen, soyluların temsilcilerinin portreleri için siparişler verdi. 1757'de, Büyük Dük Pyotr Fedorovich'in emriyle Jean de Samsua, bekleyen kadınların 11 portresini tamamladı. Sanatçı, alegorik damarda bir miktar tekdüzelik ile E. S. Kurakina, A. N. Naryshkina, E. B. Buturlina, M. V. Saltykova ve diğerlerinin portrelerini yaptı.

J. G. Schmidt, I. Bardu ve G. F. Schmidt, 1780'lerde yüksek sosyete temsilcilerinin oldukça yetenekli çok sayıda portresini yarattı.

18. yüzyıl tarihinde, G. I. Skorodumov ve Büyük Düşes Maria Feodorovna dışında, Rus pastel sanatçılarının neredeyse hiç adı kalmadı. Bu kısmen pastel tekniğin özelliklerinden kaynaklanmaktadır. Malzemeyle çalışmanın bariz kolaylığı, eserlere yazarın imzasını atmayan profesyonel olmayan kişiler arasında pastellerin popülaritesine katkıda bulundu. Öte yandan, pastel portrelerin birçok müşterisi için görüntünün kendisi önemliyken, az tanınan bir yazarın adı önemli bir önem taşımıyordu.

Rusya'da 18. yüzyılın pastel, yalnızca bir türde - oda portresi - yaygınlaştı. Kural olarak, tasvir edilen kişi, başının dörtte üçü döndürülerek nötr bir arka plana karşı göğsüne kadar tasvir edildi. Öndekinin aksine, oda portresi, dar bir izleyici çemberinin algısı için tasarlanmış daha mütevazı bir görüntü yarattı. Kompozisyon ve performansın sadeliği, tasvir edilen kişinin yalnızca yakın insanlara tanıdık gelen iç dünyasının aktarımındaki samimiyetle tamamen telafi edildi. Karmaşık açılar içeren ve ayrıntılarla dolu geniş formatlı bir yağlı boya portre yalnızca varlıklı müşteriler tarafından karşılanabiliyorsa, o zaman küçük ve özlü bir pastel portre çok daha uygun maliyetliydi. Oda portreleri sadece aile galerilerine değil oturma odalarına da yerleştirilmiştir. Oda pastellerine ek olarak, Rusya'da tören pastellerini boyadılar, grup ve kostüm portreleri. Büyük Düşes Maria Feodorovna, natürmort türünde çalıştı (bkz. Şekil 12).

Pirinç. 12. Büyük Düşes Maria Feodorovna Çiçekler.1787. Rus Devlet Müzesi, St.Petersburg

Teknolojiye olan sınırlı ilginin nedenleri arasında pastelin tamamen pratik eksiklikleri vardır: çok dikkatli saklama ihtiyacı, restorasyonun karmaşıklığı ve geniş formatlı eserler yaratmanın zorluğu.

Romantizm (klasisizm) çağının başlamasıyla birlikte portre türündeki pastel, 19. yüzyıl boyunca tüm türlerdeki ilgisini kaybetmeden yerini kısmen sulu boya tekniğine, yağlı boyaya bıraktı. Ve yine de, XIX yüzyılın ilk yarısının sanatçıları. A. Ö.

Orlovsky, A. G. Venetsianov, K. P. Bryullov, A. Molinari, K. I. Bardu, N. E. Makukhina, P. A. Olenin, P. Barbier, P. P. Sokolov, M. E. Vailchenko, S. K. Zaryanko, I.-A. Timm, K. E. Makovsky pastelde çalıştı. A. O. Orlovsky, teknoloji için oldukça nadir türlerde çalıştı - olay örgüsü kompozisyonu ve karikatür. 1811 tarihli “Mimar Giacomo Quarenghi'nin Portresi” karikatürü, dışavurumcu, grotesk bir tarzda yapılmıştır ve sanatın gelişmesindeki eğilimlerin yarım asır ilerisindedir.

Pirinç. 13. A. G. Venetsianov. A. I. Bibikov'un portresi. 1807-1809 yılları arasında Rusya Devlet Müzesi, St. Petersburg

Pastel, Sanat Akademisi'nde çizim için bir öğretim materyali olarak kullanıldı, ancak sanat eğitimi sisteminde yaygın olarak kullanılmadı. Akademi'deki Karl Bryullov, “Model” çalışmasında pastel renklerde birkaç çalışma yaptı. The Genius of Arts ”(1817-1820) tebeşir ve odun kömürü ekledi,“ Modeller ”(1817) yapımında tebeşir, karakalem, İtalyan kalemi, sanguine kullandı. İlgili grafik materyallerin kombinasyonu, çizimin ifade gücünü artırmayı mümkün kıldı. Tebeşir ve karakalem, eserin ton aralığını artırmış, düzgün bir vuruşla uygulanan İtalyan kalemi şekli daha iyi ortaya çıkarmıştır.

Pirinç. 14. I. E. Repin. E. P. Antokolskaya'nın portresi. 1893. Rusya Devlet Müzesi, St. Petersburg

Alexei Venetsianov (bkz. Şekil 13) kariyerine, 30 Mayıs ile 6 Haziran 1802 arasında üç kez çıkan ve şu metni içeren St. Petersburg Vedomosti'de bir duyuru ile başladı: saat üçte, Taşın yakınında yaşıyor Riga kahvehanesindeki köprü. Ancak pastel siparişlerinin olmaması, sanatçıyı 1820'lerin sonlarında yağlı boya tekniğine geçmeye sevk etti. Venetsianov, Rus resim tarihinde yeni bir sayfa açtı. Sanat Akademisi'nin resmi sanatına karşı çıkarak köylülüğün yaşamı temasına ilk dönen oydu. Çok figürlü “Pancar Soyma” kompozisyonu, 1822 (?), ölçülü bir soğuk ölçekte yapılmıştır. Venetsianov, 19. yüzyılın ilk yarısında çeşitli Rus toplumunun temsilcilerinin pastel portre türünde bir kesitini yarattı.

Orest Kiprensky, bir İtalyan kurşun kalem, karakalem ve sanguine ile birlikte pastel renklerle çalıştı. Kiprensky'nin eserleri daha çok renkle "renkli" gibidir, içlerindeki grafik bileşen, pitoresk niteliklerden daha düşüktür. Sanatçı Karl Wilhelm (daha sonra Karl Ivanovich) Bardu, orta soyluların temsilcilerini tasvir eden pastel renklerle çalıştı. K. I. Bardu'nun büst, bel ve grup portreleri türlerinde ölçülü renklerde eserleri bilinmektedir.

1830-1890 yıllarında pastelin yerini yavaş yavaş diğer teknikler aldı, özellikle "kuru" ve "ıslak" çalışabilen sosun popülaritesi artıyor. Ton geçişlerinin genişliği, bir fırçayla çalışabilme ve böylece kolayca yumuşak geçişler elde etme yeteneği, I. N. Kramskoy ve Wanderers topluluğu tarafından kabul edildi.

Venetsianov'un ölümünden on altı yıl sonra, I. N. Kramskoy liderliğindeki ünlü "on dört kişilik isyan" gerçekleşti. İdeolojik nedenlerle, genç sanatçılar İmparatorluk Sanat Akademisi'ndeki çalışmalarını meydan okurcasına bıraktılar ve 1870'te kurucu üyeleri I. N. Kramskoy, N. N. Ge, G. G. Myasoedov, V. G. Perov olan Gezici Sanat Sergileri Derneği (TPKhV) kuruldu. AK Savrasov. TPHV'nin önde gelen isimleri şunlardı: I. E. Repin (bkz. Şekil 14), A. M. ve V. M. Vasnetsov, V. I. Surikov, I. I. Shishkin, V. D. Polenov, V. E ve K. E. Makovsky, N. A. Yaroshenko. “Halkın yanına gitmek” adı verilen hareketin yoğunluğu artıyordu, sanat da belirgin bir “halk” rengine büründü. Venetsianov'un fikirlerinin şaşırtıcı bir şekilde yeni zamana yakın olduğu ortaya çıktı,

Pirinç. 15. I. I. Levitan. İtalya 1890'da Bordighera yakınlarında görüntüleyin. Devlet Tretyakov Galerisi

Genel eğilimin bir istisnası olarak, N.V.'nin "Ölü Canlar" şiiri için illüstrasyonların yazarı olan ünlü grafik sanatçısı ve illüstratör Pyotr Boklevsky seçilebilir. Pastel ve karakalem ve tebeşirle karışık bir teknikle çalıştı. Sanatçının iki otoportresi biliniyor: 1830'ların sonu ve 1854.

19. yüzyılın ikinci yarısında, Rusya'da eleştirel gerçekçiliğin egemenliği ve Gezginlerin aktif faaliyeti döneminde, bariz kültürel yükselişe rağmen, pastel teknik nispeten az kullanıldı ve petrolden önemli ölçüde daha düşüktü. Pastellerde bağımsız çalışmalar I. I. Levitan, V. M. Kazak, I. E. Braz, A. P. Bogolyubov, M. V. Yakunchikova tarafından yapılmıştır.

Pirinç. 16. I. I. Levitan. Kasvetli gün. 1895. Rusya Devlet Müzesi, St. Petersburg

Isaac Levitan (bkz. Şekil 15, 16), sanatçılar ve sanat tarihçileri tarafından aslında dikkate alınmayan bir alanda pastel kullanmıştır. Çalışması, bir teknik olarak pastellerin çok yönlülüğünün açık bir kanıtıdır. Sadece 20. yüzyılın ikinci yarısının sanatında güzel sanatların tüm türlerini kapsayan pastel eserlere ilgi olacaktır.

19. yüzyılın ikinci yarısında Rusya'da kendine özgü sanatsal gelenekler gelişti ve Rus sanatçılar Batı'da iyi tanınmaya başladı. Avrupalı ​​​​ustalar, Rus meslektaşlarının çalışmalarıyla sürekli ilgileniyorlardı. Sık sık sergiler ve yurtdışı gezileri, verimli bir kültürel alışverişin anahtarı haline geldi.

Sanatsal geleneklerin sürekliliğini aşağıdaki örnekle kanıtlamak kolaydır: Evrensel olarak tanınan bir usta olan Ilya Repin, uluslararası sergileri ziyaret etti, Abbott Whistler'ın çalışmalarını iyi biliyordu ve bir kez yargıç olarak hareket ederek ödülü çalışmalarına verdi. sanatçı. Sanat Akademisi'nde Repin atölyesinde resim yapan ve onun tavsiyesinden yararlanan genç sanatçı Anna Ostroumova-Lebedeva, Avrupalı ​​\u200b\u200busta ile çalışmaya gitti. Yurtdışında okuduktan ve çalıştıktan sonra, bir grafik sanatçısı olarak (pastel teknik dahil) oluşan Ostroumova-Lebedeva, 1900 yılında World of Art derneğinin sergisinde ilk kez sahneye çıktı. Sanatçının görme yeteneğinin zayıflamasından endişe etmeye başladığı 1940 yılına ait geç pastel bir otoportre hayatta kaldı. Yaratıcı deneyim alışverişi, Rusya'daki pastel resmin de özelliğidir - V. G. Perov, A. K. Savrasov, I. E. Repin,

Pirinç. 17. M. A. Vrubel. İnci. 1904. Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova

Pirinç. 18. V. A. Serov. V. V. Kapnist'in Portresi, 1895. Rus Devlet Müzesi, St.Petersburg

19. yüzyılın sonunda, pastel sanatın yeni bir aşaması başladı: modernite estetiğinin ve sembolizmin Rusya'ya girmesi. Mikhail Vrubel (bkz. Res. 17) ve Valentin Serov (bkz. Res. 18-21) ve özellikle Leonid Pasternak, pastel tekniğinde esere hakim olmuş sanatçıların en çarpıcı örnekleridir. Farklı zamanlarda L. S. Bakst, A. N. Benois, N. K. Roerich, A. P. Ostroumova-Lebedeva, B. M. Kustodiev, A. Ya. Golovin'i içeren yaratıcı dernek "World of Art" ( bkz. Şekil 22), K. A. Somov (bkz. Şekil 23) , Z. E. Serebryakova pastel tekniğe olan ilgisini geri verdi. Sanat Dünyası estetiğine yakın sanatçılar arasında genellikle pastelle çalışan ustalar da vardır: V. E. Borisov-Musatov, L. O. Pasternak, V. A. Serov. Ayrıca pastel çalıştı N.

Goncharova ve S. Sudeikin, V. Rossiyskiy, N. Smolin, E. Smirnova-Ivanova, A. Gaush, E. Kiseleva, M. Farmakovskiy.

Pirinç. 19. V. A. Serov. Bir at ile büyükanne. 1898. Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova

Pirinç. 20. V. A. Serov. Kışın. 1898. Rusya Devlet Müzesi, St. Petersburg

Pirinç. 21. V. A. Serov. Striguny sulama yerinde. 1904. Devlet Tretyakov Galerisi,

Moskova

Pirinç. 22. A.Ya.Golovin. İkon boyama atölyesinde. Eski Rus ikon ressamı 1894, Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova

Pirinç. 23. K. A. Somov. A. A. Popov'un portresi. 1928. Rusya Devlet Müzesi. Sankt Petersburg

Rus sanatçılar arasında pastel ile çizim tarzı, bireysel kalırken, ilerici Avrupa trendlerinin etkisi altında şekillendi. Edgar Degas gibi Leonid Osipovich Pasternak, etkileyici bir vuruş tekniği kullandı ve kompozisyonların renk çözümü benzerdi. Isaac Levitan, Valentin Serov, Mikhail Vrubel, Zinaida Serebryakova, pastellerin sürtünmesini pürüzsüz ressam çizgileri ve gölgeleme ile birleştirdiler.

Valentin Serov, yağ, tempera, kurşun kalem, odun kömürü, tebeşir, yumuşak malzemeler ve karışık medya ile eşit derecede çalışabiliyordu. Sanatçının ünlü eserlerinden biri de 1898'de kuru pastelle yaptığı "Atlı Kadın" kompozisyonudur.

Leonid Pasternak, tüm grafik malzemeleriyle, özellikle de birçok pastelle verimli bir şekilde çalıştı, esas olarak bir portre ressamı olarak. Ne yazık ki, ustanın eserlerinin çoğu kayboldu, sanatçının pastel eserleri, Oxford'daki Pasternak Müzesi, Puşkin Müzesi im. A. S. Puşkin. Pastel eserler şunları içerir: "Yasnaya Polyana'ya Giden Yol" - 1903, "Karının Portresi" - 1905, "Müzik Dersleri" - 1909, "Vysotskaya-Gotz'un Portresi" 1911, guaj ve suluboya ile pastel olarak yapılmış ve ayrıca "A. B. Vysotskaya'nın Portresi" - 1912. Sanatçı şunları bildirdi: “O zamandan beri, seansların süresini kısaltmak ve iki tekniği aynı anda birleştirmek için pastelle yazdım: çizim ve boyama; daha fazla hız için

Victor Borisov-Musatov, yaratıcı yılları boyunca pastel ile çalıştı. Çizimleri biliniyor: “Rezervuarda. Eskiz”, “Romantizm” (1900), “Uyuyan Kız” (1901), “Kabarık Etekli Kadın” (1901-1903), “Duvar Halısındaki Hanımefendi” (1903), “Park Sokağı” (1904), çamların gölgesi "(1904), birkaç Rus müzesinin koleksiyonlarında saklanıyor.

Mikhail Vrubel pastelleri karışık teknikte kullandı, "Huş ağaçlarının arka planına karşı N. I. Zabela-Vrubel'in Portresi" çalışması böyle - suluboya, pastel, kurşun kalem; 1904 1905 tarihli “Konserden Sonra” eseri de pastel boya ile yapılmıştır. N. I. Zabela-Vrubel'in Portresi”, “İnci” - 1904 (pastel, guaj, karakalem), “Lagünlerin Gölgeleri” - 1905. Ulaşılabilir bir malzeme olarak pastel, sanatçı tarafından yaratıcılığın geç döneminde sıklıkla kullanılmıştır.

Boris Kustodiev ve Alexander Golovin genellikle karışık medyada çalıştılar. “Kustodiev, renkçiliğe özel bir önem vermeye başladı. Pastel (tutkal boyalarla karıştırılmış) tekniğinde ustaca ustalaştı ve zarif laik kadın portrelerinde renkli senfoni elde etti, ”diye yazıyor S. Makovsky sanatçı hakkında. Karma medyanın güçlü bir örneği, Kustodiev'in sulu boya ve renkli kalemlerle renkli kağıt üzerine pastel boyayla yaptığı "Fyodor Chaliapin'in Portresi"dir. Bu çalışma, Chaliapin'in yanında duran bir köpekle bir halk festivalleri sahnesinin zemininde tamamen büyümüş olarak tasvir edildiği 1922'den kalma bir yağlı boya tablosu için bir çalışmadır. Boris Kustodiev kuru pastellerde de çalıştı. Örnekler şu eserlerdir: “R. I. Notgaft'ın Portresi” - 1909 (bkz. Şekil 24), “Süslü Elbiseli Çocuklar” - 1909, “Bir Hanımın Portresi. Model "- 1908,

Nicholas Roerich, çalışmalarının erken bir aşamasında ağırlıklı olarak yağlarda çalıştı, daha sonraki bir dönemde, temperaya en yakın özel bir doymuş renk türünü tercih etti. N. K. Roerich'in adını taşıyan müze pastelleri saklıyor: “Kıyıda bir göl ve ağaç olan manzara”, “Bahar Ode” (guaj kullanılarak çizilmiş), vb. Alexander Golovin, üzerinde çeşitli malzemeleri birleştirdiği kötü yapıştırılmış tuvalleri tercih etti: tutkal dekorasyon için boya, guaj ve tempera. Sanatçı, ıslak renkli alt boyaya pastel boya sürdü. Bu teknik, pastelin alt katmanlarının alt boya ile iyi bir şekilde yapışmasını sağladı ve esere bütünleyici bir renk çözümü verdi.

Zinaida Serebryakova için pastel, yağ ile birlikte ana sanatsal teknikti. Sanatçının kuru pastel tekniğinde birçok portresi var: “O. K. Lansere'nin Portresi” - 1907-1910, “Noel ağacında mavi Katya” - 1922, “Alacalı kostümlü Tata'nın Portresi” - 1921, “Portre A. A. Akhmatova" - 1922, "E. N. Heidenreich'in kırmızılı portresi" - 1923, "Soyunma odasında. İspanyol kostümlü V. K. İvanova'nın portresi "-1924 (bkz. Şekil 27), "Dinlenen balerin" - 1924, A. N. Benois'nın portreleri - 1924-1927, "Prenses Irina Yusupova" - 1925, "Yaşlı balıkçı" - 1926, " Mimar A. Ya. Beloborodov'un Portresi” - 1925, “S. S. Prokofiev'in Portresi” - 1926, “Dinlenen siyah kadın. Marakeş." - 1928 (bkz. Şekil 28), "Cassis'ten Rahibe" - 1928, "Dans kostümlü Tata" - 1924, "Kiraz Pelerinli Uzanmış Çıplak" - 1934 (bkz. Şekil 29), "Genç Breton Kadın" - 1934, "Şapkalı Yaşlı Kadın" - 1934, "Bistro Hanımı. Ponl Abbe" - 1934, vb.

Sanatçının ve diğer türlerin pastelleri de var. "Petrograd'daki Bobrinsky Sarayı" çizimi - 1923, Fas eskiz "Develer", olay örgüsü kompozisyonu "Kar Taneleri (P. I. Tchaikovsky'nin" Fındıkkıran "balesi) - 1923, Gatchina'daki Köprü (Karpin Göleti) personeli ile manzara" ile tanınır "- 1923, "Tuileries'deki Heykel" taslağı - 1941.

Pirinç. 24. B. M. Kustodiev. R. I. Notgaft'ın portresi. 1909. Rusya Devlet Müzesi, St. Petersburg

Sankt Petersburg

Pirinç. 25. B. M. Kustodiev. N. K. Roerich'in portresi. 1913. Rusya Devlet Müzesi,

Pirinç. 26. B. M. Kustodiev. K. A. Somov'un portresi. 1914. Rusya Devlet Müzesi, St. Petersburg

Pirinç. 27. Z. E. Serebryakova. Soyunma odasında. İspanyol kılığına girmiş V. K. İvanova'nın portresi, 1924. Özel koleksiyon

Pirinç. 28. Z. E. Serebryakova. Siyah kadın dinleniyor. Marakeş.1928. E. B. Serebryakova Koleksiyonu

Zinaida Serebryakova, kadın portreleri ve figüratif kompozisyonları aktarmaya çok uygun olan çalışmalarında pastel katmanın hafifliğini ve ferahlığını korumayı başardı. Serebryakova'nın pastel tekniğindeki yaratıcılığı, Rus güzel sanatlar tarihinin en önemlilerinden biridir.

Pirinç. 29. Z. E. Serebryakova. Kiraz pelerinli çıplak uzanmış. 1934

Sovyet pastel çizim okulunda çok az dikkat edildi, yumuşak malzemelerle (sanguine, sos, odun kömürü, tebeşir) çalışmayı öğrenmeye öncelik verildi, ancak buna rağmen S. V. Malyutin, Kukryniksy (M. V. Kupriyanov, P. N. Krylov, N. A. Sokolov) ), E. A. Katsman, V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa, A. M. Gritsai (bkz. Şekil 30), A. N. Liberov ve diğer sanatçılar pastellerle verimli bir şekilde çalıştılar. Pastelden ayrılma, ifade araçları ile toplumun ihtiyaçları arasındaki tutarsızlık olan "burjuva" tekniğiyle açıklandı. Bu nedenle, pastelin popülaritesi politik duruma bağlıydı, ancak sanatçılar arasında bu tekniğe olan ilgi hiç bitmedi.

Bu bağlamda, S. V. Malyutin'in çalışmalarıyla ilgili birkaç alıntı yapılabilir: “S. Malyutin, portrede pastel kullanmanın yeni yöntemiyle tanınır (bkz. Şekil 31). Sanatçının kendisi pastel kalemler yaptı, eklemelerle deneyler yaptı, paletindeki birkaç kısıtlanmış rengin özel bir derinliğine ve hacmine, sesine, gücüne ve güzelliğine ulaştı: siyahın, gümüşi beyazın, turuncu-kırmızının, mavi-yeşilin ciddi asaleti. ... ". Sanatçı "yüzeyin düzensiz dokusuyla oynadı, bu sayede üzerine uygulanan pastel darbeler sayesinde yer yer kalınlaşıyor, yer yer parlıyor, adeta titreşen, hareketli bir resimsel ortam yaratıyordu." ".Yazarların, bilim adamlarının, sanatseverlerin (çoğunlukla pastel) portrelerini yaptı: Bryusov, Veresaev, Nesterov, Gilyarovsky, Kondakov, heykeltıraş Matveev."

Pirinç. 30. A. M. Gritsai. Leningrad. Yaz bahçesi. 1956. Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova

Pirinç. 31. S. V. Malyutin. V. V. Perepletchikov'un portresi. 1912. Rusya Devlet Müzesi, St. Petersburg

Figüratif kompozisyon, natürmort ve portre türlerinde çağdaş Rus sanatçılar arasında Yuri Kushevsky, Oleg Sergeev (Moskova Mimarlık Enstitüsü Resim Bölümü öğretmeni), Olga Abramova, Anatoly Korobkin; ağırlıklı olarak manzara türünde - Mikhail Dutsev (NNGASU Mimari Tasarım Bölümü Doçenti, Sanatçılar Birliği üyesi), Alexei Kravchenko (Rusya Federasyonu Onurlu Sanatçısı, Sergey Andriyaka Suluboya Okulu öğretmeni, mezun Güzel Sanatlar Fakültesi ve Moskova Devlet Eğitim Kurumu HP), Yuri Leonov (Moskova Sanatçılar Birliği yönetim kurulu üyesi), Stanislav Bankasov (Sanatçılar Birliği, Uluslararası Sanatçılar Federasyonu IFA UNESCO Üyesi), Alaverdova Irina ( Sanatçılar Birliği üyesi), Sergei Klimov. Valentin Rekunenko, sembolik natürmort ve manzara türlerinde çalışıyor.

Malzemenin özelliklerini ve hazırlanışının özelliklerini dikkate alarak gerekli olan her zaman pastel teknikte çalışın. Bu bilgi, pastellerin özelliklerinin daha eksiksiz bir şekilde açıklanması için gereklidir.

Soruları inceleyin

1. Şövale pastel grafiklerin bağımsız bir sanat formu olarak ortaya çıktığı dönemi adlandırın. Pastel sanatı hangi çağda en büyük ve en az önemi kazandı?

2. Pastelde çalışan en önemli yabancı sanatçıları adlandırın (en az beş).

3. En önde gelen Rus pastel sanatçılarını adlandırın (en az beş).

4. Pastel ile çalışan veya pastel kullanan (en az üç) çağdaş sanatçıları adlandırın.

5. 18. - 19. yüzyılın ilk yarısındaki pastel tekniği, sonraki dönem sanatçılarının, örneğin Empresyonistlerin, Post-Empresyonistlerin, Sembolistlerin kullandığı tekniklerden nasıl farklıydı?

6. Pastel sergileri hakkında bilginiz var mı? Hangi ünlü pastel eserler (en az beş) var ve bunlar hangi sergilerde?

Bölüm 2.  Malzemeler ve teknikler

Pastel üretim teknolojisi

Başlangıcından 18. yüzyılın sonlarına kadar pastel boyalar, tıpkı çoğu boya gibi, sanatçıların kendileri tarafından elle yapılmıştır. Üretim süreci nispeten basitti. Pastel, bir renk pigmenti, az miktarda bir bağlayıcı (çoğunlukla akasya reçinesi kullanıldı - arap zamkı) ve bir mineral dolgu maddesinden oluşan, suyla nemlendirilmiş hamur benzeri bir kütleden yapıldı. Mineral dolgu maddesi genellikle tebeşirdi, ancak tüm boya kalemleri için kullanılmadı. Ortaya çıkan kütle preslendi, çubuklar halinde kesildi ve kurutuldu.

Fransız sanatçı Jacques Conte (1755-1805), grafit kalemlerin icadına ek olarak, artan balmumu içeriği nedeniyle aşınmaya dayanıklı ve biraz ufalanmış, ayrıca fasetli kare kesitli boya kalemlerinin patentini aldı. şekil hem vuruşla hem de tebeşir yan düzlemiyle çalışmayı mümkün kıldı . Comte boya kalemleri Edgar Degas ve Henri de Toulouse-Lautrec tarafından kullanıldı.

Pastellerin beş yüz yıllık geçmişine rağmen üretim teknolojisi pek değişmedi. Renk aralığı önemli ölçüde üçten (kırmızı-kahverengi, kahverengi ve siyah) birkaç yüze yükseldi, setler biliniyor ve 500 farklı tona kadar numaralandırılıyor. Bu malzemenin üretimi için hemen hemen tüm işlemler manuel olarak gerçekleştirilir. Bir pastelin kalitesi, daha önce olduğu gibi, büyük ölçüde bileşiminde bulunan pigmentin öğütülmesinin inceliği ve renklendiricilerin bağlayıcılarla karıştırılmasının eksiksizliği ile belirlenir.

Pastelin bileşimi genellikle on kadar farklı bileşen içerir ve aralarında en önemlileri toz halindeki renkli pigmentler ve su bazlı yapıştırıcıdır (arap zamkı veya benzer özelliklere sahip diğer bazı). Daha fazla renk elde etmek için, bileşime ağartma maddeleri, mineral dolgu maddeleri eklenir. Tebeşir genellikle bu amaçlar için kullanılır. Daha sonra bileşenler, granit ve metal şaftlı bir boya öğütme makinesine beslenir (daha önce, pigment öğütmek için, özellikle eşit ve verimli bir şekilde öğütmek için değirmen taşları kullanılıyordu). Makinede öğütme işlemi en az beş defa tekrarlanmakta ve uzun sürmektedir. Pastel, toz halinde değil ovulur. Bağlayıcılar, öğütüldükten sonra özel deliklerden "sıkıştırılan" hamur benzeri bir kütleye dönüştürür - ölür. Boşluklar bu şekilde elde edilir, Şekil olarak, İtalya'da toplu olarak makarna olarak adlandırılan spagetti'ye benzer. Pastellerin birbirine yapışmasını önleyecek özel bir solüsyonla yağlanan "spagetti"ler demir fırın tepsisine dizilir ve istenilen boyutlarda kesilir. Pastel içeren fırın tepsileri, kurutulmak üzere özel bir demir fırına yerleştirilir. Fırınlarda sıcaklık 60° ile 80° arasında değişmektedir.

Kuruma süresi boya kalemlerinin kalınlığına bağlıdır ve genellikle birkaç saat sürer. Diğer grafik yumuşak malzemeler benzer şekilde yapılır, ancak daha kalın malzemelerin (örneğin soslar) kuruma süresi birkaç günü bulabilir. Kurutma, üretimin çok önemli bir aşamasıdır, çünkü boya kalemleri fırında tutulursa çatlayabilir ve pastel tamamen kurumazsa pakette küflenir. Üretim teknolojisi ve çalışma yöntemlerinin özellikleri, pastelin sanatçılar için bir grup grafik malzemesi olarak, çizim ve preslenmiş karakalem, sepya, sos ve sanguine ile birlikte sınıflandırılmasını mümkün kılar. İfade özellikleri açısından pastelin resme çizimden çok daha yakın olduğu belirtilmelidir.

Rusya pazarında, yerli ve yabancı üreticilerin çeşitli pastel türleri bulunmaktadır. Tam renkli çalışma için birkaç düzine renkten oluşan setler satın almak en iyisidir. 250 veya daha fazla renkten oluşan pastel setleri (bu özellikle yerli markalar için geçerlidir) vardır, ancak pratikte bu tonlar, farklı tebeşir ve bağlayıcı içeriklerine sahip birkaç düzine pigmentin varyasyonlarıdır. Pastel, bir buçuk bine varan geniş bir renk yelpazesi ile üretilmektedir. İş için bir malzeme seçme sorunu oldukça karmaşıktır, farklı sorunları çözmek için farklı pastel türleri kullanılır. Bu nedenle, farklı pastel türlerinin özelliklerini daha ayrıntılı olarak ele alacağız.

pastel türleri

Pastel genellikle kuru, yağ ve mum olarak ayrılır. Kuru pasteller arap sakızı, sakız, nişasta, tebeşir ve yağsız sütten yapılır. Yağlı pastel üretiminde pigment karışımına hayvansal yağlar, keten tohumu yağı ve üstün kaliteli mum eklenir. Balmumu pastelinde yağdan daha fazla balmumu vardır, bu malzeme eğitici olarak kabul edilir.

Balmumu pastel pratik olarak ovalamaz, genellikle çocuklar tarafından güzel sanatlar derslerinde kullanılır, çünkü kirlenmez ve kırılmaz, etkileyici keskin bir vuruş verir, oldukça pürüzsüz tabanlar üzerinde çalışmaya uygundur ve kuru pastel ile karşılaştırıldığında daha yüksek renk doygunluğu. Balmumu pastel maalesef profesyonel çalışma için pek uygun değildir, çünkü üretilen renk yelpazesi renk üzerinde çalışma olanaklarını sınırlar ve kötü ovuşturulan gölgeleme formları genelleştirmeyi zorlaştırır, bu da malzemeyi esas olarak eskizler ve eskizler için uygun hale getirir.

Kuru pasteller (bkz. Şekil 32) farklı yumuşaklıkta yapılır. Çok yumuşak pastel, çubuklar ve kalın çubuklar şeklinde, yumuşak - yuvarlak kesitli çubuklar şeklinde, sert - ince, dikdörtgen kesitli çubuklar veya kalemler şeklinde oluşturulur (bkz. Şekil 33).

Pirinç. 32. Kuru pastel boyalar

Pirinç. 33. Pastel kalemler

Pirinç. 34. Kuru yumuşak pastel

Yumuşak pastel türleri (bkz. Şekil 34), çok fazla renk pigmenti ve az sayıda bağlayıcı içerdiklerinden, renk bakımından en çeşitli olanlardır. Yumuşak pastel boya kalemleri oldukça kırılgandır ve işte doğruluk gerektirir. İlk aşamalarda çizimde böyle bir pastel kullanmak en iyisidir, çünkü ana renk ve ton ilişkilerini çözmek için onunla bir sayfada büyük düzlemleri gölgelendirmek kolaydır. Yumuşak pastel iyi karışır ve sürülür, ancak boya tabakası hasara karşı en savunmasız olanıdır. Çizim tekniği, pastellerin tamamen veya neredeyse tamamen silinmesini içeriyorsa, çizimin tüm aşamalarında yumuşak pasteller vazgeçilmezdir. Yumuşak pastel, en çok yönlü pastel türüdür ve aynı zamanda, karıştırılmamış pigmentin vuruşları ve noktaları ile boyamak için de kullanılabilir. Rusya pazarında çok çeşitli yumuşak pasteller var.

1. İyi bir pastel, hafiflik ve doygunluk açısından mükemmel olan geniş bir renk yelpazesine sahiptir. Bir yumuşak pastel üreticisinin bir seti varsa veya sunulan tüm boya kalemleri soluksa, bu tür bir pastel ya çok az renklendirici pigment veya çok fazla bağlayıcı içerir.

2. Pastel yüzeyi çizmemelidir, aksi halde bu, pastelin oldukça sert olmasının yanı sıra homojen olmayan bir kıvama sahip olduğu anlamına gelir. Kontrol etmek için, pastel bir kağıda veya yokluğunda elin derisine pastel uygulayabilirsiniz.

3. Pastel kolayca ve yumuşak bir şekilde uzanmalı, parmaklarla serbestçe ovuşturularak tekdüze bir tona kadar ovuşturulan, basma kuvvetine bağlı olarak değişen belirgin bir iz bırakmalıdır. Yumuşak pastel yumurtadan çıkarken çok ufalanmamalı ve elde kırılmamalıdır. Yüksek kaliteli pastel üreticileri, ürünlerini korumak için boya kalemlerinin ortasını kağıt veya filme sarar ve bunları köpük ekli setler halinde satarlar.

4. Pastelin sadece iyi sürülmesi değil, diğer renklerle karışması da önemlidir. Kontrol etmek için, farklı renklerde birkaç çubuğu yan yana koyabilir ve öğütmeyi deneyebilirsiniz.

Sert pasteller daha fazla bağlayıcı ve daha az renklendirici pigment içerir, bu nedenle renkler yumuşak pasteller kadar parlak değildir. Çok fazla parçalanmaz ve sac üzerinde daha iyi durur. Sert pastel, zımpara kağıdı ile dikkatlice keskinleştirilebilir ve ayrıntıları iyileştirmek için kullanılabilir. Büyük düzlemler için, sert pastel daha az uygundur, çünkü levhayı güçlü bir basınçla neredeyse hiç ovmaz ve çizemez. Pastel kalemler en sorumlu yerler için uygundur. Bu, tahta bir kutuya yerleştirilmiş aynı sert pastel.

Kuru, yağlı pastel boya kalemlerinin aksine kırılmaz veya ufalanmaz, daha sert ve parlaktırlar. Yağlı pastel preslenerek üretilir. Bu pastel, en önemli ruh halinin, izlenimin izlenim olduğu hızlı renkli eskizler için harikadır. Kullanım ve taşıma kolaylığı yağlı pastelleri açık havada vazgeçilmez kılmaktadır. Etkileyici gölgeleme, doygun renk noktalarını sessiz olanlarla değiştirerek büyük formatlı işler oluşturabilirsiniz. Pastel, değişen miktarlarda mum ve yağ içerebilir: mum içeriği ne kadar yüksekse, pastel o kadar serttir. Kuru pastel gibi yağlı pastel de çeşitli biçimlerde oluşturulur. Katı pastel türleri ince çubuklar şeklinde mevcuttur.

Bununla birlikte, avantajlarına rağmen, yağlı pastel, teknik ve olasılık zenginliği açısından kurudan daha düşüktür. Balmumu pastel gibi, yağlı pastel de çok aşamalı işler oluşturmak için çok uygun bir malzeme değildir ve daha çok eskiz için veya karışık teknikte son aşama için bir malzeme olarak uygundur. Yağlı pastellerin ovulması zordur ve bu nedenle önemliliği gerçekçi bir şekilde aktarmaları amaçlanmamıştır. "Genelden özele" ilkesini kullanarak yağlı pastellerle çalışmak zordur, ilk aşamada tek tip bir yumuşak ton oluşturmaz, bu nedenle sanatçılar genellikle resimde birleştirici bir ilke olarak renkli bir taban kullanırlar ki bu kısmen sonraki aşamalarda bırakılmıştır.

pastel malzemeler

Her sanatçı için malzeme seçimi önemli ve sorumlu bir süreçtir. Kötü seçilmiş malzemeler, işi önemli ölçüde karmaşıklaştırır veya resmi kısa ömürlü hale getirir. Yine de, iyi bir sonuç sağlayan sarsılmaz kurallar ve yüzde yüz tavsiye yoktur. Her sanatçı dünyayı kendi tarzında görür, bu nedenle çizim tarzı ve malzeme seçimi tamamen bireysel kalır. Herhangi bir cihaz işi kolaylaştırabilir, ancak asla sanatçının becerisinin yerini alamaz. Sonuçta, konunun teknik yönünden çok sanatsal yönü daha önemlidir. Görevimiz, önemsiz şeylerden rahatsız olmadan öğrenebilmeniz ve yaratabilmeniz için en iyi ve kanıtlanmış materyalleri anlatmaktır.

Çoğu sanatçı satın alınan pastelleri, kağıtları veya araçları kullanır, ancak iş için kendi malzemelerini yapan zanaatkarlar da vardır. İlk yöntem değerli zamandan tasarruf sağlar ve acemi sanatçılar için bile uygundur ve ikincisi yalnızca üretim teknolojisinin inceliklerini iyi bilen profesyoneller için önerilir.

Kuru pastellerle çalışmak için  grafit, karakalem, pastel ve diğer yumuşak malzemelerle çizimleri hafifletmek için kullanılabilen bir tırtıklı silgi yararlı olabilir .  Fabrikalar grafik eserlerin yüzeylerini temizlemek için fırça üretirler . Boya tabakasının kağıt, karton veya kanvas üzerindeki ince boşlukları için özel aletler kullanılır - gölgeleme (bkz. Şekil 35). Satışta, çoğu zaman maalesef kısa ömürlü olan farklı kalınlıklarda kağıt gölgeleme bulabilirsiniz. Aşındırıcı bir tekerlek üzerinde her iki ucu keskinleştirilmiş silindirik bir çubuk şeklinde yapılırlar. En iyi gölgeler süet veya oğlaktır.  Boya katmanını kısmen fırçalamak ve genelleştirmek için büyük bir sincap veya kolinsky fırçası kullanabilirsiniz .

Sadece yağlı boyada değil, pastel resimde de sanatçılar,  ince detayları daha doğru bir şekilde yapmalarını sağlayan topuz sekmeleri kullanırlar. Mustel, kural olarak bir ucu kumaş veya deri ile sarılmış, çizim sırasında eli destekleyen bir çubuktur. Bu basit araç bağımsız olarak yapılabilir.

Pastel ile çalışmanın en iyi temeli, renkli, pürüzlü bir yüzeydir. Pürüzsüz, parlak, sert (veya çok yumuşak) yüzeylerde pastel uygun değildir.

Pirinç. 35. Karıştırma

Şu anda, sanatçılar temel olarak çoğunlukla orta taneli renkli kağıt kullanıyor. İnce grenli kağıt, ince bir renk tabakası ve mükemmel sürtünme sağlar, ancak pastel ondan düşer ve bu, özellikle açık renklerde olur. Kaba taneli kağıt da istenmez. Böyle bir tabanda pastel, hafif bir sallama ile düşebilen kalın dokulu bir tabaka ile uzanır.

Kağıdın rengi ve tonu iki yana yaslı olmalıdır. Eserin renklendirilmesi, kompozisyon tek bir plana tabidir ve taban sadece onu vurgulamalı ve çalışmaya yardımcı olmalıdır. Resim veya eğitim ortamı genellikle açık tonda ve sıcak tonlardaysa, parlak mavi bir sayfa seçmek haklı değildir, bej kullanmak daha iyidir. Pastel çalışma, uygulanan katmanın inceliği nedeniyle şeffaflık içerir, bu nedenle yanlış renk ve ton tabanı, çalışmayı ciddi şekilde zorlaştırabilir. Kağıt seçiminde aşırıya kaçmamaya çalışmalısınız, gri asfalt renkli bir levha hemen hemen her iş için uygundur.

Pastel boyalar ayrıca kalın kaba karton, süet, parşömen, astarlanmış whatman kağıdı ve kanvas, genellikle ince taneli zımpara kağıdı (No. Pitoresk katman boyunca yarı saydam olan zımpara kağıdı, işe benzersiz bir parlaklık ve parlaklık verir. Daha kaba taneli zımpara kağıdı ayrıca pastel boya kalemlerini ve kurşun kalemleri keskinleştirebilir, gerekirse toz haline getirebilir. Pastel kağıdın hassas yüzeyinin aksine, sert, aşındırıcı yüzey uzun süreli ve tam sürtünmeye karşı dayanıklıdır. Aynı zamanda, tabanın düzensiz yapısı onu kendi içinde iyi tuttuğu için ovuşturulmuş pastelin dökülmesinden korkamazsınız. Zımpara kağıdının yüzeyi pürüzlüyse, onunla çalışırken büyük miktarda malzeme tüketimi meydana gelir, ayrıca parmakla ovuştururken dikkatli olunmalıdır. Bu nedenle, acemi sanatçıların satın alınan renkli kağıdı pastellerle çizmek için kullanmaları yine de daha iyidir.

Pastellerin korunması, sabitlenmesi, saklanması ve restorasyonu

Yağlı boya tabloların "yaşlanmasının" yavaşlatılabileceği birçok koşulu karşılaması gerekiyorsa, pastel eserler yüzyıllar boyunca renk zenginliğini kaybetmeyecektir. Daha doğrusu pastel boya değildir, çünkü sıvı bir bağlayıcı içermez, bu nedenle pigmentin altında yatan doğal minerallerin kurumaması gibi kurumaz, kararmaz veya yanmaz.

Ancak bu, pastellerin ana dezavantajıdır. Taze kalarak mekanik hasarlara kesinlikle dayanmaz. Pastel eserler titremekten, dokunmaktan muzdariptir. Düz yatak üzerine gerilmiş kağıt üzerinde çalışılarak titreşim en aza indirilebilir. Gerilmiş kanvas veya kağıt ile sedye üzerinde çalışmak, boya tabakasının dökülmesine katkıda bulunan bir davul etkisi yaratır.

Pastel, bileşiminde neredeyse hiç sıvı bulunmadığından boya tabakası üzerinde bir film oluşturmaz ve esere herhangi bir nem, gres, toz veya gaz girişi onarılamaz hasarlara neden olabilir. Pastelin bileşimindeki az miktarda sıvı, fiziksel açıdan, onu diğer sanatsal teknikler arasında en opak yapar, ancak koruyucu bir filmin olmaması, pastelin yüksek renk yoğunluğuna sahip olmasını sağlar, altındaki en küçük pastel parçacıklar. mikroskop bir elmasın yüzeyine benzer ve ışığı bir prizma gibi kırar. Pastel parçacıklarından farklı açılarda yansıyan ışık, ince bir tabaka halinde çalışırken hafiflik ve şeffaflık etkisi yaratır. Retinaya dik açıyla vurabilir (bu durumda maksimum renk yoğunluğu elde edilir) veya komşu parçacıklardan yansıyarak seslerini yükseltebilir.

Pastelin olumlu özelliklerini bilen sanatçılar, onu hasardan korumaya çalıştılar. Herhangi bir fiksatif (veya fiksatif), şu ya da bu şekilde, temelde bir sıvı olduğundan, işin renklerini ve tonlarını değiştirdi, ancak aynı zamanda boya katmanını daha güçlü hale getirdi, yıkıcı çevresel faktörlere karşı direnci artırdı. Sabitleyicilerin kötüye kullanılması, pastel özelliklerin çalışmasını ortadan kaldırdı ve bir şeftali yüzeyi veya vernikle kaplanmış "bir kızın hassas yanakları" ile karşılaştırıldı.

Çalışmayı güvence altına almanın bir yolu, 17. yüzyıl De Maine el yazmasında verilmiştir. Yazar, sulu bir balık tutkalı, çırpılmış protein veya arap sakızı çözeltisi içeren bir oluk veya leğene baş aşağı yerleştirilmiş, baskılı bir desene sahip, oldukça emici pastel kağıdın kullanılmasını tavsiye etti. Yapışkan su kağıda nüfuz ederek pastelin alt katmanlarını silmeden ıslattı. Pastel kuruduğunda tabana yapıştırıldı. Bu yöntemin başka bir çeşidi daha vardı: Çözelti geçirgen kağıt, balık (veya benzer özelliklere sahip) yapıştırıcıya batırıldı, emprenye edildikten sonra, kurutulmuş tabaka üzerinde pastel çalışma yapıldı, ardından tabaka tekrar ters tarafı temiz suya indirildi. ıslanana kadar. Çarşaf dikkatlice ve ustaca çıkarıldı ve kurutuldu.

Birçok pastel sanatçısı, çalışmalarını sabitlemek için kendi yöntemlerini icat etti. 1747'de Abbé Le Blanc'ın Resim Sergisi Üzerine Mektubu, sanatçı Maurice Quentin de Latour'un pastellerin parlaklığını bozmayan ve ömrünü olabildiğince uzatan "mucizevi bir düzeltici" kullandığını bildirdi. Bununla birlikte, bu fiksatifin bileşiminin temeli olarak jelatinin kullanılması, sonunda üzücü sonuçlara yol açtı: jelatin, küf veya mantar oluşumu olan "çürümeye yol açan" nemi emmeye başladı.

Eserlerini düzeltmek için diğer uzmanların yardımına başvuran sanatçılar vardı, özellikle Hermitage'de saklanan "Kış" (1754) alegorisindeki Rosalba Carriera, 1753'te Akademi'yi teklif eden mucit Loriot'un hizmetlerinden yararlandı. ancak 1779'da bilinen pastel sabitleme yöntemi. İşin sırrı, dik pastele sirke ve alkolle karıştırılmış bir çift doymuş balık tutkalı uygulamaktı. Resmin yüzeyine yerleşen yapıştırıcı, işin donukluğunda ve tonunda neredeyse hiçbir değişiklik olmadan pastel parçacıkları sabitledi. Benzer sabitleme yöntemleri, şeker ve alkol bazlı bir çözelti kullanılarak gerçekleştirilebilir.

1852'de S. F. Jozan, pastel üzerine bir yayında, tabanın arka tarafa sürülmesi veya boya tabakasının yüzeyine bir balık tutkalı çözeltisi "serpilmesi" yöntemine dayalı olarak pastel çalışmaları sabitlemek için birkaç farklı tarif verir. sirke, alkol veya beyaz şarap. Sabitlemenin "rengi değişmeden bir tabloyu yıkamak mümkün" olacak kadar sağlam olduğu da iddia edildi. İşin bir jelatin, "Flanders'dan beyaz tutkal", beyaz Marsilya sabunu, şap ilavesiyle beyaz şaraptan oluşan bir çözeltiye yüzüstü daldırıldığı oldukça riskli bir yöntemden de bahsedildi. Yazar, boya katmanını bir parmakla birkaç dakika "vurarak", bir resim üzerinde çalışırken hareketleri simüle ederek, yapıştırıcının pastel ile yapışma kalitesini kontrol etmeyi önerdi.

Pastel çok ufalanan bir malzemedir ancak en ince tabaka ile tabana iyi yapışabilir. Bu özellik, sanatçı Pointellin tarafından eserlerini korumak için kullanılmıştır. K. Robert'ın uzman Bay Mesnier'e yazdığı bir mektupta, pastel boyayı dönüşümlü olarak kaydırarak ve çalkalayarak, ardından yarı sert bir kalemin ince darbeleriyle hataları düzelterek, kalıntının direncini elde etmenin mümkün olduğu bildiriliyor. ulaşım, şoklar ve hatta sürtünmeye kadar. Ancak bu yöntemin aslında malzemenin olumlu özelliklerini ortaya koymadığını ve aslında sadece sanatsal bir teknik olduğunu belirtmek gerekir.

Pastel boyalar için modern sabitleyici vernikler her derde deva değildir ve boyaların tonunu ve yapısını da değiştirir. Esas olarak alkolde çözünmüş bir karbinal (sentetik) reçineden oluşurlar ve aerosol formunda bulunurlar. Uygulama yoğunluğuna bağlı olarak pastel parçacıkların tabana veya birbirine iyi bir şekilde yapışmasını sağlarlar. Fiksatifler ayrıca bir florolon veya sakız çözeltisinden yapılır. Sabitleyici, bir püskürtme tabancasından yaklaşık yarım metrelik bir mesafeden püskürtülmelidir, böylece daha düzgün bir şekilde uzanacak ve çok kalın olmayacaktır.

Bir resmin üst katına fiksatif uygularken, tonun koyulaşması ve boya tabakasının kadifemsiliğini kaybetmesi dikkate alınmalıdır. Oldukça pahalı olan yabancı yapım sabitleyiciler sizin için uygun değilse bu şekilde ucuz saç spreyi kullanabilirsiniz. Unutulmamalıdır ki, bugün pastel çalışmaları hasardan tamamen koruyabilecek hiçbir araç yoktur.

Zamanla pastelin, pastel pigmentlerin bağlayıcılarına nüfuz eden atmosferik nemin ve kağıt boyutlandırmanın etkisi altında kendini sabitlediğine ve bunları yapıştırdığına dair bir görüş var. Aslında, en kırılgan boya katmanı basitçe soyularak daha güçlü katmanlar ortaya çıkar ve bu da "kendi kendine sabitlenen" görünümü verir.

Profesyoneller için pastelleri saklamanın en iyi ve en yaygın yolu, işi camın altındaki bir çerçeveye yerleştirmektir. Pastel çalışmaları süslemek için 2 mm kalınlığında özel yansıtmayan camlar kullanmak daha iyidir ve eser ile cam arasında küçük bir mesafe bırakılmalıdır. Onsuz pastelin bir kısmı camın arkasında kalabilir ve ardından parçalanabilir. Gerekli mesafe kartondan yapılmış bir paspartu verir. Karton, bir veya daha fazla renkli kağıt katmanlarından yapılabilir, ikinci durumda, bir pencereyi 45 ° açıyla keserken, tasarlanan işin algısını iyileştiren güzel bir kenar oluşur.

Ayrıca pastelleri korumak için eserler pleksiglas altına yerleştirilmiş, esnek, hafif ve kırılmaz. Listelenen tüm avantajlara sahip pleksiglas, yine de önemli dezavantajlara sahiptir - kolayca çizilebilir, plastiğin oluşturduğu statik elektrik nedeniyle sürekli toz çeker. Pleksiglas'ın arka yüzeyinde küçük pastel parçacıkları da birikebilir. Toz ve pastellerin cama çekilmesini önlemek için plastiğe antistatik bir madde püskürtün.

Bir pastelin restorasyonu, kural olarak, kalıbın çıkarılmasının yanı sıra yukarıda açıklanan sabitleme ve koruma yöntemlerinin uygulanmasından oluşur. Restorasyon, yazarın katmanının mümkün olan en yüksek düzeyde korunmasını içerdiğinden, pastelleri geri yükleme işlemi, pratik olarak hasarlı parçaların "bitirilmesini" ortadan kaldırır.

Pastel eserlerin depolanması, taşınması ve restorasyonunun zorlukları çok sayıda pastel sergiye katkıda bulunmaz, bu nedenle maalesef izleyici bu şaşırtıcı tekniğe genellikle aşina değildir.

Yağlı pastel tekniği

Göreve bağlı olarak, sanatçılar çeşitli sanatsal teknikler kullanırlar. Dinamik ifade kompozisyonları için yağlı pastel tekniği en uygunudur. Renklerin parlaklığını kolayca elde etmenize, etkileyici gölgeleme uygulamanıza, böylece nesnelerin şeklini ve dokusunu vurgulamanıza olanak tanır. Basınç, yön ve uzunluk bakımından değişen tarama, eserde bir hareket hissi yaratır. Yağlı pastel darbeler daha kalın ve daha hacimli görünür ve boya tabakasının yüzeyi mumsu yağlı bir parlaklığa sahiptir. Yağlı pasteller, ince detayları çizmek için pek iyi değildir, ancak daha ince çizgiler oluşturmak için boya kalemleri keskinleştirilebilir. Yağlı pasteller, farklı renkteki darbeler yan yana uygulanarak veya bir seyreltici (pinenli keten tohumu yağı) ile seyreltilerek optik olarak karıştırılır.

İkinci yöntem için ise tabanın yüzeyinin gölgelenmesi, bir desen çizilerek taramalı şeklin ortaya çıkarılması ve elde edilen desenin fırça, bez veya tiner batırılmış parmak ile karıştırılması gerekmektedir.

Tabanı tinerle kapladıktan sonra "ham" tekniği - alla prima kullanarak yağlı pastellerle de boyayabilirsiniz. Sadece yağlanmış ve astarlanmış yüzeyler bu teknik için uygundur. Diğer fondöten türleri çok emici olacaktır. Yıkamayı dokulu vuruşlu alanlarla değiştirmek en iyisidir. Çok fazla karıştırma, renklerin kendiliğindenliği ve saflığı izlenimini bozabilir, bu durumda çizim pürüzsüz ve anlamsız görünür, tiner kuruduğunda böyle bir çizimi düzeltmek gerekir. Yoğun dokulu vuruşların üzerine boya uygulamak, eseri canlandıracak, pitoresk bir görünüm kazandıracaktır.

Daha önce de bahsedildiği gibi ilginç pastel çizim teknikleri Edgar Degas tarafından kullanılmıştır. Boyalara eşsiz bir ışıltı ve parlaklık vermek isteyen sanatçı, pastelleri sıcak suda eriterek bir çeşit yağlı boya elde etti. Yağlı boya ile benzerlik, böyle bir pastelin tuval üzerine sert bir fırça ile uygulanmasıyla da verildi. Degas, ıslak pastelleri kuru vücut vuruşlarıyla birleştirerek, dövülmüş pigmenti buharla işleyip sıvı bir kütleyi ince bir tabaka halinde uygulayabiliyor ve böylece sırlama tekniği elde edebiliyordu.

Yağlı pastel, yağlı boya, sulu boya, guaj veya akrilik boyalar, kuru pasteller ve ayrıca tempera ve renkli mürekkeplerle iyi gider.

Karma ortam, karmaşık renk ilişkileri oluşturmanıza, ilginç resimsel efektler iletmenize ve malzemelerin değerini en üst düzeye çıkarmanıza olanak tanır. Herhangi bir karma teknik biraz deneyseldir ve boyaların ve teknolojinin özellikleri hakkında bilgi gerektirir. Karışık ortamda çalışırken sadece boya tabakalarının birbirine yapışmasını değil, aynı zamanda malzemelerin özelliklerinde zaman içinde meydana gelen değişiklikleri de hesaba katmak gerekir. Bazı boyalar (yağlı boyalar gibi) koyulaşır, çatlar, daha şeffaf hale gelir. Suluboya ve guaj soluyor ve taban değişmeden kalmıyor. Kağıt ultraviyole ışınlarından sararır, tuval sıcaklık ve nemdeki değişikliklerle tahrip olur.

Karışık medya akıllı bir yaklaşım gerektirir. "Hepsini birden" birleştiremezsiniz, ancak teknikleri denemekten de korkmayın çünkü deney, yaratıcı sürecin gerekli bir bileşenidir. Yeni renk kombinasyonları, yeni ifade araçları ararken, belirli bir fikir için neyin uygun olduğunu daha iyi hissedebilirsiniz. Deneysel teknikte yapılan çalışmalarda meydana gelebilecek değişiklikleri önlemek, tek malzeme ile yapılan tabloları eskimekten korumaktan daha zordur.

Kuru pastel tekniği

Renk ve ton ilişkilerinde karmaşık olan çizim çalışmaları için kuru pastel ile çizim tekniği en uygunudur. Kitabın ilerleyen kısımlarında, bu özel pastel türünü ve onunla çalışmanın çeşitli yollarını ayrıntılı olarak ele alacağız.

Yağlı pastel gibi kuru pastel, darbeler şeklinde uygulanabilir, renkleri görsel olarak karıştırabilir, iyi bir yol, gölgeler ve yarı tonlarda pastel sürtünmeyi birleştirerek aydınlatılmış yüzeylerde tarama ve karıştırılmamış pigment izleri bırakmaktır.

Bu teknik, görüntüde aşırı eskizlikten kaçınmayı sağlar, eserlere sanatçıların her zaman takdir ettiği düzensiz bir doku verir ve çeşitli malzemelerin aktarılmasına izin verir. Rosalba Carriera ve Jean-Baptiste Simeon Chardin pasteli çok iyi ovuşturdular, ancak eserlerde ifade için kasıtlı olarak silinmemiş alanlar bıraktılar.

Pastellerle çeşitli yönlerde, düz (E. Degas “Saçını Tarayan Kadın”, “Mavi Dansçılar”) ve kemerli vuruşlarla gölgeleyebilirsiniz. Vuruşlar farklı açılarda çaprazlanabilir (Henri de Toulouse-Lautrec'in "Vincent van Gogh'un Portresi") veya birbirine paralel olarak bindirilebilir. Vuruşlar pitoresk olmalıdır. Onları birbirine çok yakın koymayın. Çalışmadaki tüm vuruşların ortak bir desene (hareket) sahip olması ve daha düzgün bir katman (renkli sac, ovuşturulmuş yüzey) üzerinde durması en iyisidir. Bu yöntem, derin boşluk ve hacim içeren resmi zenginleştirecektir.

Uygun olmayan tarama, işi özensiz hale getirebilir. Darbe formu ortaya çıkarmıyorsa, tasvir edilen yüzeye çeşitlilik katmıyorsa eserde bulunması haksız sayılabilir. Darbe, Mikhail Vrubel'in işlerinde olduğu gibi "geometrik" bir şekilde formu ortaya çıkaracak şekilde maksimuma getirilebilir veya eserdeki dinamikleri belirleyen uzun ve plastik bir çizgiye dönüştürülebilir. Bu teknik Valentin Serov, Boris Kustodiev ve Leonid Pasternak tarafından kullanıldı. Noktacılık, pastel renkler için de geçerli olan, renklerin optik olarak karıştırılması ilkesine dayanan, açık renkli noktalardan bir resim yaratmanın bir yoludur.

Bununla birlikte, gölgeleme, saf pigment lekelerinin kullanımı vb.

Pastelleri ovma tekniğinde ustaca ustalaşarak, Jean Etienne Lyotard'ın "Çikolata Kız" çalışmasında olduğu gibi fotogerçekçi görüntü doğruluğu elde edebilirsiniz. Aydınlatılmış alanları ovmak karmaşık ve sorumlu bir süreçtir. Aydınlık alanlarda kağıt aşınması daha belirgindir ve renkli pigmentlerin parçalanma olasılığı daha yüksektir. Sürtünme pastelleri hem gölgeleme (ovma) hem de parmaklarla yapılır. Bu amaçlar için kağıt peçeteler ve yumuşak fırçalar da kullanabilirsiniz. Her sürtünme yöntemi karakteristik bir etki verir. Fırça ince bir resimsel katman bırakır, ancak aşırı basınçla pastelleri temizler.

Geçiş yumuşatma kullanımı ayrıca ince bir tabaka halinde çalışmanıza ve hem en küçük hem de büyük yüzeyleri ovalamanıza olanak tanır. Geniş alanlar için kağıt peçete kullanılır. En hassas ve çok yönlü aletler parmaklardır. Sürtünme pastelleri, güçlü bir baskı olmaksızın parmakların temiz ve kuru bir yüzeyi ile yapılmalıdır. Bazen sanatçılar daha fazla gölge elde etmek için parmaklarında bir boya tabakası bırakmaya çalışırlar. Bu durumda eller, her parmağın belirli renklere uygulandığı bir paletin işlevlerini yerine getirir. Hatalar meydana gelirse, gereksiz bir kuru pastel tabakasını çıkarmanın bir yolu vardır - bir sincap veya kolinsky fırçasıyla fırçalamak.

Ayrıntıları ve konturları iyileştirmek için sanatçılar bazen suyla nemlendirilmiş ince fırçalar kullanır. Su, küçük, ovulmamış pastel parçalarını bulanıklaştırarak renkleri daha koyu hale getirir. Nemlendirilmiş bir fırça ile işe bir tamamlanmışlık hissi vermek kolaydır. Bu yöntem resmi daha kuru ve grafik yapar, bu nedenle işin yalnızca belirli alanlarında kullanılmalıdır. Daha doğru bir yol, keskin bir şekilde keskinleştirilmiş pastel boya kalemleri ve pastel kalemler kullanmaktır.

Yağlı pastel gibi kuru pastel, diğer malzemelerle iyi gider. Kanıtlanmış ve sıklıkla kullanılan bir yöntem, kuru pastellerin suluboya ve guaj boyalarla birlikte kullanılmasıdır. Bu karma teknik çeşitli varyasyonlarda kullanılmaktadır. Boyalarla alt boyama yapabilir ve işi pastellerle bitirebilir veya tersine boyalarla pastellerin üzerini perdahlayabilirsiniz. Bu durumda karanlık çalışma yerleri sulu boya ile koyulaştırılır, açık olanlar ise guaj beyazı ilavesiyle tamamlanır. Bu teknik için pastel bir levha kullanmak daha iyidir: sulu boya kadar yığmaz. Suluboyanın şeffaflık özelliklerini gölgelerde ve karışımsız pastel alanların kadifemsi dokusunu aydınlatılmış alanlarda kullandığınızda daha fazla ifade elde edebilirsiniz.

Kurutulmuş beyaza pigment uygulayarak pastel renklerin doygunluğunu artırabilirsiniz, bunun için polivinil asetat (PVA) tempera kullanmak daha iyidir. Beyaz, hem vurguları hem de yansımaları doyurmak için uygulanabilir. Bu teknikle taşlama kalitesini artırmak için gerekirse beyazın yüzeyini ince taneli zımpara kağıdı ile "zımparalamak" mümkündür. Badana uygulamanın en iyi yolu, suyla ıslatılmış pastel bir tabakaya "kaynaştırmak" olarak kabul edilebilir, bu durumda tempera parmaklarla iyi uygulanır.

Önceden hazırlanmış dokulu bir yüzey üzerine yeni araç ve teknikleri birleştirerek pastelle de çizim yapabilirsiniz. Dekstrin veya kazein tutkalı ile homojen bir kütleye karıştırılmış eski alçı yongaları ile astarlama yöntemi vardır. Toprağa kuvars tozu da ekleyebilirsiniz, en kolay yol nehir kumu kullanmaktır.

Pastel tekniklerin seçimi sınırlı değildir, ancak pastelleri tanınmaz hale getirirlerse, benzersiz renklerinden, hafifliğinden ve saflığından mahrum bırakırlarsa hepsi önemini kaybeder.

Soruları inceleyin

1. Ana pastel türlerini adlandırın. Türlerin her birinin karakteristik özellikleri ve özellikleri nelerdir?

2. Sizce pastel hangi kriterlere göre resme atfedilebilir?

3. Sizce pastel hangi kriterlere göre grafiklere atfedilebilir?

4. Pastel boya kalemi nedir, pastel eserlerin saklanma, korunma, tasarım ve restorasyon özellikleri nelerdir?

5. Pastel kullanarak olası karışık ortamları (en az üç) listeleyin. Her birinin avantajlarını ve dezavantajlarını açıklayın.

6. Bize pastel üretim teknolojisinden ve çeşitli pastel tekniklerinde çalışmak için malzeme seçiminden bahsedin.

Bölüm 3. Pastel resimde sanatsal görüntü

Yaratıcı sürecin özü, sanatsal bir imaj yaratma arzusudur. Bu, sanatçının dünyasının öznel bir resmidir ve çeşitli yollarla ifade edilir - kompozisyon, perspektif, renk, ton vb. sanat. Bu durumda "sanat eseri" kavramını "resim" kavramına göre daha geniş, "eser" kavramına göre daha dar ele alacağız. Bir sanatçının her eseri (çalışma, eskiz, eskiz, eskiz, hayattan sahneleme) bir sanat eseri olarak adlandırılamaz, çünkü bu eserlerdeki kompozisyon, renk ve diğer araçlar kural olarak yaratıcı konsepte uymaz ve yerel sorunları çözebilir (örneğin, teknik alım üzerinde çalışmak).

Kompozisyon ve perspektif

"Kompozisyon" terimi (Latince compositio'dan), çeşitli parçaların bir fikre uygun olarak tek bir bütün halinde birleştirilmesi, birleştirilmesi, birleştirilmesi anlamına gelir. Diğer bir deyişle kompozisyon, sanatsal görüntüyü ortaya çıkarmak için gereklidir.

Kompozisyondan bahsetmişken, genellikle işi bir bütün olarak, belirgin bir anlamsal birlik ve bunun için seçilmiş araçlarla kastederler. Kompozisyon araçları şunları içerir: format, boşluk, kompozisyon merkezi, denge, ritim, kontrast, ışık-gölge, renk. Kompozisyonda dinamik ve statik, simetri ve asimetri, açıklık ve izolasyon kavramları da vardır. Eserdeki fikre uygun olarak sanatçılar uygun geometrik veya plastik çözümü seçerler. Resimdeki görüntünün ifşası için nesnelerin konturları, ortak gölge noktaları, büyük ve küçük kütlelerin etkileşimi küçük bir öneme sahip değildir.

Bu nedenle, kompozisyon araçları, teknikleri ve kuralları da dahil olmak üzere, onu yaratmak için gereken her şeydir. Her durumda kompozisyon, mekanın organizasyonunu ima eder. Sanatçı, kural olarak, sanatsal görüntüyü ortaya çıkarmak için bir levha, duvar veya tuvalin iki boyutlu alanını düzenler, heykeltıraş fikirlerini üç boyutlu alanda gerçekleştirir.

Resimdeki ana fikir, en önemlisi, sanatçılar çeşitli formlar, aydınlatma, renk, kontrastlarla vurgular ve vurgular. Eserde izleyicinin ilk dikkatini vermesi gereken yere kompozisyon merkezi denir. Mekânın inşasını cepheden bir perspektifte kullanan Rönesans ustaları, kompozisyon merkezinin yerini genellikle eserin neredeyse geometrik merkezinde kullanmışlardır. Gerçek şu ki, önden perspektif, tüm çizgilerin tek kaçış noktasından uzakta güçlü bozulmalar veriyordu, bu nedenle sanatçılar, kaçış noktası gibi kompozisyon merkezini neredeyse resmin ortasına yerleştirdiler; bu teknik kompozisyonlara statik, simetri ve heybet kazandırdı. Ayrıca Rönesans döneminde sanatçılar, Öklid'in fark ettiği doğadaki oranları kullandılar, daha sonra kompozisyonun temeli olarak atılır ve "altın bölüm" veya "ilahi oran" olarak adlandırılır. Bu oranlar - 3, 5, 8, 13, 21 vb. sayıların birbirine oranları, basitlik için genellikle 1'e 3 oranına eşittir. Yıllar önce olduğu gibi, resimdeki en önemli yerler genellikle altın bölümün çizilmiş ızgarası boyunca, yani bütünün yaklaşık üçte biri boyunca bulunur. Altın oran ızgarası yalnızca büyük şekilleri çözerken değil, aynı zamanda nesneleri ve detayları çizerken de kullanılabilir, çünkü bu kural aslında güzellik ve uyum için evrensel bir formüldür. Altın bölümün oranları, Boris Kustodiev'in L.P. Albrecht'in portresinde (bkz. Şekil 36) ve Isaac Levitan'ın manzaralarında (bkz. Şekil 3739) izlenebilir. Aksine, kompozisyondaki asimetriyi, uyumsuzluğu vurgulamak gerektiğinde görevler vardır,

Pirinç. 36. B. M. Kustodiev. L. B. Albrecht'in portresi. 1905. Rusya Devlet Müzesi. Sankt Petersburg

Pirinç. 37. I. I. Levitan. Dökülmek. 1895. Devlet Tretyakov Galerisi, Moskova

Metnin soldan sağa ve yukarıdan aşağıya okunduğu ülkelerde benzer şekilde asimetrik bir kompozisyon algılanır, çünkü herhangi bir nesnenin serbest incelenmesi sırasında bakışın hareketi bilinçsizce benzer yörüngeler boyunca gerçekleşir. Resmin "yüksüz" sol tarafını ve "yüklü" sağ tarafını algılamamız tersinden daha kolaydır. Kompozisyondaki dikey biçim, Doğu'nun (Çin, Japonya vb.) Daha karakteristik özelliğidir ve metnin dikey yazım gelenekleriyle açıklanır.

Pirinç. 38. I. I. Levitan. Sonbahar - nehir vadisi. 1896. Rusya Devlet Müzesi, St. Petersburg

Pirinç. 39. I. I. Levitan. Bir kilise ile sonbahar manzarası. 1890'lar Rus Devlet Müzesi, St.Petersburg

Kompozisyon her zaman öğelerinin birbirleriyle aktif veya pasif etkileşimini içerir. Kompozisyon ortak okunabilir bir anlamla birleştirilmemişse, yetkin bir geometrik yapı ve kullanılan herhangi bir ifade aracı (ton, renk) bile esere bir bütünlük duygusu vermeyebilir. Bütünlük, resmin ana unsurlarının ikincil olanlara tabi kılınması anlamına gelir. Nesnelerin üst üste bindirilmesi de kompozisyon bütünlüğünü vurgulamanızı sağlar, aynı teknik, eserde perspektifi belirlemenin en basit yoludur. Kompozisyon ve perspektifi çözerken, nesnenin sadece levha düzlemindeki kütlesini değil, aynı zamanda üç boyutlu uzayda kapladığı yeri de hesaba katmak gerekir.

Perspektif, ifade edici kompozisyon araçlarından biri olarak da düşünülebilir. Ufuk çizgisinin farklı yükseklikleri ve perspektif bozulmalarının gücü, resim izlenimini tamamlar. Hayattan çizim yaparken özneye ne kadar yakınsanız, perspektif bozulması o kadar büyük olur. Yakın mesafeden büyük nesneler güçlü bir şekilde büzülürse, o zaman küçük nesneler iki gözle bakıldığında "dönüşmeye" başlar. Bu, genişliği gözler arasındaki mesafeyi aşmayan ve sırayla nesneyi her iki taraftan aynı anda gören herhangi bir nesne üzerinde kontrol edilebilir. Bu sayede ikon boyamada sıklıkla kullanılan ters perspektif efekti elde edilmiş olur. Bu efekt, nesneyi iki boyutlu bir düzlemde maksimum kenar sayısından göstermenizi sağlar. Benzer bir mekan çarpıklığını başka işlerde de görebiliriz,

Çoğu zaman, kompozisyonları çözmek için sanatçılar, ikisi ufuk çizgisinde birleşen üç kaçış noktası olan açısal bir perspektif kullanır. Aslında uzay, gözlemcimizin bakış açısından yukarı ve aşağı da dahil olmak üzere her yöne doğru daralır. Gözlemcinin havada yüksekte olduğunu ve örneğin çok katlı bir binanın orta katlarına kadar uçtuğunu, bakış açısından sağa, sola, aşağı ve yukarıya doğru alçaldığını tasavvur edersek, o zaman hiçbir şey olmayacaktır. kaçış noktalarının sayısının nesnenin karmaşıklığına ve belirli özelliklerine bağlı olduğundan şüphe duymaz. Hayattan ve temsilden çizim yaparken, perspektifin özelliklerini hesaba katmak zorunludur. Bu durumda, çalışma ufuk çizgisini - göz seviyesinde bir düzlemi - belirleyerek başlamalıdır, ardından uzaydaki tüm uçakların bu eksene göre konuşlandırılmasını belirlemeniz gerekir.

Işık-hava perspektifi, doğrusal perspektiften farklı olarak, nesneleri uzayda boyut ve şekil değiştiren konumundan değil, izleyiciden uzaklaştıkça renk ve ton değiştiren bakış açısıyla ele alır. Sadece nesnelere olan mesafe değil, aynı zamanda atmosferin durumu da nesnelerin kendi (yerel) rengi üzerinde önemli bir etkiye sahiptir. İzleyiciden güçlü bir mesafe ile nesnelerin hacmi, kabartması, detayları ve malzemesi ayırt edilemez hale gelir. Uzaktaki nesneler için kontrast azalır, şekil farklılıkları bulanıklaşır. Ufukta, tüm düzensizlikler ortak bir açık mavimsi leylak çizgisine hizalanır. Perspektifin bu tür özellikleri, çok yönlü kompozisyonların, özellikle manzaraların en karakteristik özelliğidir.

Yapay ve doğal aydınlatma altındaki hareketsiz yaşamlarda, ışık-hava perspektifi fenomeni artık havanın nesnelere olan kütlesine ve durumuna bağlı değildir, çünkü bu kütle nispeten küçüktür, ancak ışık kaynağından olan mesafeye bağlıdır. Bununla birlikte, resimde netlik için, planlamadaki farklılık da dahil olmak üzere netlik için herhangi bir ilişkiyi güçlendirmek gelenekseldir. Bir natürmort veya iç mekandaki plan farkını en açık şekilde göstermek için orta plana özellikle dikkat etmeniz gerekir. Orta plan, maksimum parlaklık ve kontrasta sahip nesneler içermelidir. Arka plan, gölgelerde çözünmüş en az kontrast oluşturan öğeleri içerir. İşin belirli sayıda plana bölünmesi, herhangi bir kompozisyonun ana unsurlarından biridir.

Benzer hareket biçimlerinin veya yönlerinin değişmesiyle belirlenen ritim, kompozisyonda önemli bir rol oynar. Çalışmada monoton, monoton bir ritim istenmeyen bir durumdur. Kompozisyonu ilginç kılmak için, herhangi bir uzatılmış düz nesne daha küçük olanlarla kaplanmalıdır. Bu, pitoreskliği doğuran karmaşık bir ritim yaratır. Ritim, bir bestede zamanın geçişine dair bir his yaratabilir, bir huzur veya gerilim atmosferi yaratabilir. Ritim güzel sanatların her türünde mevcuttur.

Dinamikler, ritimler doğrudan formatla ilgilidir. Yükselme arzusu, azamet ve hafiflik yukarıya doğru uzatılan format kullanılarak aktarılabilir. Büyük ölçüde yatay olarak gerilmiş format, bir sakinlik ve heybet duygusu taşır ve panoramik manzaralar ile friz kompozisyonlu anlatı tabloları için çok uygundur. Friz bileşimi natürmortta da kullanılabilir (renkli ek 1'e bakın). Bir biçim seçmek, başlangıçta belirli bir düzeni zorlar. Kare biçim, statik ve dengeyi geometrik bir biçimde ifade etmek için çok uygundur, yuvarlak biçimler ise eşmerkezli hareketi ve kompozisyona plastik bir çözümü teşvik eder. Yaratıcı sorunları çözmek için çeşitli konfigürasyon formatlarını (kemerli, piramidal, ok şeklinde) ve boyutları seçebilirsiniz. Dekoratif minyatürden şövale ve anıtsal resme kadar eserin boyutu, izlenimini önemli ölçüde değiştirebilir. Çizimin önemini gerçek boyuttan daha büyük bir görüntüyle vurgulamak daha iyidir, ancak pastellerde işin minimum ve maksimum boyutları sınırlıdır ("Kuru pastellerle çalışma yöntemi" bölümüne bakın).

Pastel ile natürmort kompozisyonu

Şekil 40, 41 ve 42, oval şeklinde bir grafik şema içeren pastel bir natürmort göstermektedir. İzleyicinin asıl dikkatinin yoğunlaştığı yerler beyaz noktalarla işaretlenmiştir. Ovalin içinde, nesneleri tek bir kompozisyona bağlayan bir paralelkenar ayırt edilebilir. Zambak, tavus kuşu tüyü, kumaş üzerindeki süsleme, elma şekli ve kedi figürü kompozisyondaki dairesel hareketi vurgular. Böyle bir şema dengelidir, işin sağ tarafında daha aktif noktalar vardır ancak aynalama ile denge bozulur. Sağ alt köşede (büyük beyaz bir daire ile işaretlenmiş) kesinlikle bir sıcak nokta, yani dikkatimizi çeken bir şey eksik.

Pirinç. 40. Natürmort

Pirinç. 41

Pirinç. 42

Pastel dahil herhangi bir natürmort statiktir. Statik olmadan, nesneler kararsız görünecektir. Bir natürmort kompozisyonunda her şey dengelenmelidir. Natürmort (Fransız Natur morte'den - “ölü doğa”) dinamikleri dışlamaz, ancak aynı zamanda en “hareketsiz” türdür, çünkü cansız nesneleri tek bir kompozisyon grubunda birleştirmek gelenekseldir. Bağımsız bir tür olarak natürmort, 16. ve 17. yüzyılların başında Flanders ve Hollanda'da ortaya çıktı ve maddi dünyadaki nesnelerin çeşitliliğini aktarmada hızla olağanüstü mükemmelliğe ulaştı. Felemenkçe'de bu türün adı stilleven, yani "sessiz yaşam" gibi geliyor. Pek çok sanatçı ve sanat tarihçisinin görüşüne göre bu, türün özünü en doğru şekilde ifade ediyor. Hollanda natürmortunda, özellikle sıklıkla bir geometrik şema kullanıldı, dik üçgene benzer. Böyle bir kompozisyonda genellikle sağ kısım en yüklü kısımdı ve izleyicinin dikkatini yoğunlaştıran ana merkezler bu üçgenin yanlarında ve içinde yer alıyordu. "Dik üçgen içinde bir kompozisyonla natürmort" çalışması (renkli ek 1'e bakın), bir "Hollandalı" kompozisyon örneği verir. Beyaz çizgiler geometrik şemayı ve "altın bölüm" ızgarasını gösterir.

Durağan bir natürmort kompozisyonunda bile işi daha ilgi çekici kılan dinamikler olmalıdır. Dinamik, çapraz yönlerin bolluğunda, bir yönün diğeriyle kesişmesinde ifade edilir. Etkileyici vuruşlar, bulanık bir arka plan ve arka plandaki nesnelerin belirsiz, belirsiz konturları kullanılarak bir hareket hissi elde edilebilir. Çok sayıda dikey veya yatay arka plan çizgisi hareketi "yavaşlatabilir". Hareket yönünü değiştirmek onu "hızlandırabilir" veya "yavaşlatabilir". Ayrıca, dinamik algısı, okuma ve düşünmenin özellikleriyle ilişkilidir - soldan sağa hareketin algılanması daha kolaydır, daha hızlı görünür.

"Trapez kompozisyonlu natürmort" (bkz. renkli ek 1), pastel ile natürmorttaki dinamiklerin bir örneğini gösterir, ana grafik şemasının simetrisine rağmen kompozisyonda dinamizm vardır. Kırık bir tabak, fırlatılan cam parçaları ve biraz dikkatsiz ve keskin kuru çiçekler sadece kompozisyonun temasını oluşturmakla kalmaz, aynı zamanda olay örgüsünü ve genel statikte algılanan hareketi de iletir. İzlenim, devrilmiş boş bir kapak, önceden kurutulmuş ve kıvrılmış yaprakları olan bir elma ile tamamlanır. Bir cam kavanoz ve kırık bir alçı rozet, hala canlı ve cansız dünyalar arasındaki sınırın kırılganlığı hissini tamamlıyor. Bu kompozisyondaki form, sola ve yukarıya doğru düz çizgiler boyunca gelişir, ancak kompozisyon merkezi neredeyse kesin olarak merkezde bulunur ve alçı, kavanozlar ve su şişelerinin kontrastı ile belirlenir. Yeşil ile işaretlenmiş yamuk ve üçgen,

Kompozisyonu hissetmek, eserdeki hem büyük hem de küçük ilişkilerin birbirine bağlı olduğunu hissetmek demektir. Deneyimli bir sanatçı genellikle uyumu "altın bölüme" göre hesaplamaz, başlangıçta yalnızca öznel duyguları tarafından yönlendirilir. Kompozisyon yasaları hakkında çok sık düşünmemelisiniz, bu yaratıcı aramayı engelleyebilir. Bu bağlamda, başarısız kompozisyon resmi “Karadeniz Özgür Adamları” üzerine bir yorum olan İlya Repin'in şu sözlerinden alıntı yapabiliriz: “Daha önce ifade türlerini belirledim ve resmin kendisi çıktı - tamam; ve uyum yoksa, artık resmimden bunu talep etmeye cesaret edemiyordum ... Bu Karadeniz özgür adamında en çok kompozisyon ve uyum üzerinde çalıştım. Kompozisyon hakkında cesurca düşünmeye değer, sanki bir nefeste bu, gelecekteki çalışmaya ustaların resimlerinin doğasında var olan canlılığı verecekmiş gibi.

Bu bölümde sunulan natürmortlar, çalışmaları tamamlandıktan sonra kompozisyon açısından incelenmektedir. Bir kompozisyon üzerinde çalışırken, ana ifade noktalarını, dinamikleri ve statikleri içeren eskizler yapmak gerekir. Kompozisyonun bütünlüğünü daha iyi hissetmek için eskizler küçük boyutlarda çizilmelidir. Eskizde, ana ton ilişkileri çözülmelidir. En başarılı kompozisyon çözümlerini seçtikten sonra, renk ilişkilerini belirlemeye yardımcı olacak, kompozisyonun avantaj ve dezavantajlarını daha iyi ortaya koyacak pastel eskizler yapılmalıdır.

Aşağıdaki şekil (bkz. Şekil 43, 44) oldukça basit bir dikdörtgen geometrik şema içermektedir. Jan Vermeer'in tuvallerinden alınmış gibi yukarıdan sarkıtılan perdelerin "sahne arkası" işe özel bir alan derinliği veriyor. Böyle bir kompozisyon tekniği, üretimin bağımsız bir gözlemi hissi yaratır. Aşağıdan ve sağdan perdeler ve mısır başakları çapraz bir ritim oluşturur ve nesneleri ve çevreyi birbirine iyi bağlar. Bu kompozisyon, çeşitli kompozisyon tekniklerinin o kadar başarılı bir kombinasyonunun bir örneğidir ki, nesne ve çevrenin genel tematik seçimini belirlemedeki zorluğa rağmen, çalışma kesinlikle bütünsel olarak algılanır.

Beklenmedik kompozisyon tekniklerinin başarılı bir kombinasyonu öğrenci çalışmasında görülebilir (bkz. Şekil 45, 46). Burada izleyici, "natürmort içinde natürmort"u sadece dışarıdan bir gözlemcinin değil, aynı zamanda sanatçının gözünden görmek için eşsiz bir fırsata sahiptir. Alt yüzey ahşap bir şövale üzerine asılmıştır ve sağda asılı olan yoğun bir kumaş yan taraftaki üretimi ayırır. Bu natürmort sadece tematik değil, aynı zamanda olay örgüsü olarak da adlandırılabilir.

çünkü sorular soruyor ve bunlara bağımsız olarak cevapları düşünmenizi sağlıyor.

Pirinç. 43. Natürmort

Pirinç. 44. Bir natürmortun geometrik şeması

Pirinç. 45. Natürmort

Pirinç. 46. ​​​​Natürmortun geometrik şeması

Kompozisyon yasaları, teknikleri ve türleri insan algısının özelliklerine dayanmaktadır, bunu araştırma yaparak kanıtlamak kolaydır. Örneğin, en açıklayıcı olanlardan biri, belirli bir süre için serbest görüntüleme sırasında göz hareketinin kaydıdır. Bu araştırma yöntemi, kompozisyona bir bilim olarak aşina olmayan izleyicinin kompozisyon türlerini, ana teknikleri (ışık-gölge kontrastı, çizgi, bir veya daha fazla kompozisyon merkezinin seçimi vb.) Sabitlediğini canlı bir şekilde kanıtlamaktadır. İzleyicinin dikkati öncelikle resimde kompozisyon olarak vurgulanan yerlere verilerek, oluşturdukları şema (dik açılı üçgen, daire, piramit vb.) ortaya çıkar.

Kompozisyon kuralları, teknikleri ve araçları, birçok kuşaktan sanatçıların yaratıcı becerilerinin zengin deneyimine dayanmaktadır, ancak kompozisyon tekniği yerinde durmamakta, sürekli gelişmekte ve yeni sanatçıların yaratıcı uygulamalarıyla zenginleştirilmektedir. Bazı kompozisyon yöntemleri klasik hale gelir ve hayat sanat için yeni görevler ortaya koydukça bunların yerini yenileri alır. Bu bölümlerde verilen bilgilerin yalnızca kendi deneyiminizi değil, aynı zamanda dünyanın sanatsal deneyimini de zenginleştirmenize yardımcı olacağını umuyoruz.

Renk ve ton

Ton, hem tek renkli hem de renkli çalışmalarda mevcuttur. Tek renkli çalışmaların özel bir ifade gücü vardır ve kompozisyonu sınırlı araçlarla çözme becerisi gerektirir. Tek renkli bir çözüm, birbirine yakın birkaç rengin veya beyaz ve siyahın eklenmesiyle tek bir rengin kullanılmasını içerir. Yine de, izleyicinin her zaman en büyük ilgisini çeken, sanatçının tüm bilgi ve becerileri uygulamasını gerektiren renk kompozisyonlarıdır.

Pastellerde renk ve ton hakkında konuşurken, bazen sanatsal malzemenin kendisinden çok daha fazla bilinen kavramı - "pastel renkler" - hatırlamamak elde değil. Pastel renkleri karıştırırken, birkaç bin ton elde edebilmenize ve doğa ile neredeyse mutlak ton uyumu elde edebilmenize rağmen, parlak ama aynı zamanda yumuşak, narin renk kombinasyonları ve hafif kadifemsi bir ton, bu teknik kullanılarak yapılan çalışmalarda en değerli olanlardır. ( Maurice Quentin de Latour, "Louis Sylvester'ın Portresi") (bkz. Şekil 47). Pastel çalışmalarda, tüm ton ve renk yelpazesini kullanmak her zaman haklı değildir, bazen kompozisyonu bilinçli olarak yakın kombinasyonlarda tutmak daha iyidir. Bu teknik, eserlere özlülük ve renk asaleti verir.

Pirinç. 47. M. C. de Latour. Louis Sylvester'ın portresi. 1753. Antoine Lecuille Müzesi, Fransa

Pastel renklerde renkle çalışmanın bir özelliği, birkaç gölgenin doğrudan temelde karıştırılmasıdır (örneğin, renkli bir levha). Görsel karıştırma, pastel şeffaflık ve opaklık özelliklerinin kullanımı, karışık teknikler de dahil olmak üzere çeşitli tekniklerin kullanımı, çok çeşitli renk ve gölgeler sağlar. Pastel tekniğinde renk elde etmenin herhangi bir yöntemi, renk bilimi teorisinin algı ve bilgisinin özelliklerini dikkate almayı gerektirir.

Pirinç. 48. I. I. Levitan. Sonbaharda ormanda. 1894. Kursk Devlet Sanat Galerisi. A. A. Deineki

Renk oldukça göreceli bir kavramdır. Nesneler bize farklı renklerde görünür, çünkü hepsi üzerlerine düşen ışığı farklı şekillerde yansıtır ve görebildiğimiz aralığın tüm dalga boylarını içerir. Bir elma yeşil görünür çünkü yüzeyi, spektrumun yeşil kısmına karşılık gelen dalga boylarına sahip ışık ışınlarını yansıtır - dalga boylarının geri kalanı bu yüzey tarafından emilir. Ayrıca tüm canlılar (hayvanlar dahil) renkleri bireysel olarak algılar. Bu alanda yapılan araştırmalar, algılanan renk dalgalarının aralığının hiç kimse için aynı olmadığını kanıtlamaktadır.

Pirinç. 49. I. I. Levitan. Kenardaki çayır. 1898. Rusya Devlet Müzesi, St. Petersburg

Ruh haline bağlı olarak, aynı renk parlak veya donuk görünebilir, tahriş edebilir veya yatıştırabilir. Öte yandan, bilinçaltı düzeydeki renkler ruh halimizi ve refahımızı şekillendirir. Algı psikofizyolojisi alanında yapılan araştırmalar, renklerin duygusal durumu nasıl etkilediğini anlamaya yardımcı olur, renklerin bu özelliklerini yaratıcılıkta kullanmakta fayda vardır.

Gri, kahverengi ve siyah genel olarak kasvetli bir hava yaratır. Sıcak renkler, özellikle sarı ve turuncu, mutluluk, keyif ve coşku duygularını çağrıştırır. Kırmızı, saldırganlık ve düşmanlık duyguları uyandırabilir. Soğuk renkler - mavi, mavi, yeşil - güvenlik ve dinginlikle ilişkilendirilir. Bu renklerin algısı, her zaman öznel olduğu için elbette şematik olmaktan uzaktır. Farklı halkların kültürlerinde, aynı renkler çeşitli fenomenlerle bağlantılı olarak istikrarlı çağrışımları çağrıştırır (örneğin, Hindistan'dan farklı olarak Rusya'da siyah yasın rengidir), bu nedenle toplum, algıyı şekillendiren önemli unsurlardan biridir. Ancak kitle kültürü içinde aynı anda ve bireysel olarak algılanan renk, resimdeki renk kavramından oldukça uzaktır.

Resimde renk, renkleri ayrı ayrı değil, birbirleriyle etkileşim halinde ele aldığı için çok daha karmaşık bir kavramdır. Bu, renklerle çalışma konusunda ustalaşmanıza ve uyumlu bir palet oluşturmayı öğrenmenize izin verecek düşünceli bir yaklaşım ve dikkatli bir analizdir (bkz. Şekil 48, 49). Üç ana renk: diğer renklerin karıştırılmasıyla elde edilemeyen kırmızı, sarı ve mavi, renk çarkının temelini oluşturur ve çok çeşitli tonlar elde etmenizi sağlar. Anlaşılır olması için, Johannes Itten tarafından temel renk tekerleğinin bir diyagramını sunuyoruz (renk eki 2'ye bakın), ancak, diyagramda ortaya çıkan renk sayısı önemli ölçüde genişletilebilir. Renk tekerleği resimde başlangıç ​​noktasıdır, renkler arasındaki ilişkiyi belirlemeye yardımcı olur, tüm sanatçıların kullandığı açık ve anlaşılır bir sistem oluşturur. Temel renk çarkı ayrıca üç tamamlayıcı renk içerir. ana renklerin ve ana ve ara renklerden oluşan altı yardımcı rengin ikili karışımından oluşur. Ressamlar genellikle tamamlayıcı renklerin özelliklerini kullanırlar. Tamamlayıcı renkler, renk çarkında birbirinin karşısındadır. Örneğin sarı ve mor renkleri yan yana uyguladığınızda her birinin parlaklığı ve doygunluğu artar. Karıştırıldıklarında ise tam tersine karmaşık bir gri renge kadar renk değişimi meydana gelir.

Renkler geleneksel olarak sıcak ve soğuğa ayrılır. Mavi, camgöbeği ve yeşilin tonlarını içeren soğuk renkler de pasif, içe dönük, parçalayıcı olarak adlandırılır, kompozisyonun derinliklerine çekilir, görsel gerilimi azaltır. Sıcak renkler - kırmızı, turuncu, sarı - aktif, dışa dönük, uyarıcı olarak adlandırılır çünkü kendilerine odaklanırlar ve kelimenin tam anlamıyla izleyicinin dikkatini çekerler. İşteki görünümleri, en önemli şeye odaklanmanızı sağlar. Sıcak renkler her zaman soğuk renklere hakimdir ve tüm renk paletinde parlak kırmızı en "iddialı" renk olarak kabul edilir. Kırmızı o kadar güçlü bir renktir ki, genel olarak nötr bir resimdeki küçük bir kırmızı nokta bile anında dikkat çeker ve işin ana odağı haline gelir. Açık ve parlak sarı noktalar, bu tür bir baskıyla dikkatimizi çekmez, ancak oldukça güçlüdür. Pasif doğasına rağmen mavi, çevreleyen arka plan daha da hafif bir tona sahipse fark edilir vurgular yerleştirmenize olanak tanır.

Aynı rengin açıklığı ve doygunluğu değişebilir. Yukarıdaki şema, bir rengin siyah ve beyazın eklenmesine bağlı olarak değiştiği Oswald üçgeninin genişletilmiş bir diyagramını göstermektedir. Böylece, çok çeşitli tonlar veren bir renk esnemesi elde edilir.

Renk algısı büyük ölçüde çevresine bağlıdır. Tek bir parlak renk bile çok etkileyicidir, ancak birkaç rengin ustaca seçilmiş bir kombinasyonu (boyalarla boyamada "yoğurma") daha da ciddi bir etkiye sahiptir. Resimde, sanatçılar her zaman resim üzerinde bir bütün olarak çalışırlar ve işi alt boyama aşamasında (pastel söz konusu olduğunda, enjeksiyon aşamasında) ortak bir dinamik renk noktası olarak ortaya çıkarırlar, yani rengi oluştururlar. Uyumlu renklendirme, renklerin kasıtlı olarak sınırlandırılmasını ve belirli bir ilişki içinde değerlendirilmesini içerir.

Çakışan renk kombinasyonlarını uyumlu hale getirmek için öneriler var. En çelişkili kombinasyon, yan yana bulunan parlak sarı ve parlak mor renkler olarak adlandırılabilir, bunlar en iyi 1 ila 8'lik alan oranlarıyla uyumlu hale getirilir. Oldukça çelişkili kombinasyonlar, parlak sarı ve parlak mavi renklerin yakınlardaki konumudur. 1'e 5'lik alan oranlarıyla uyumlaştırılmıştır. Parlak kırmızı ve parlak yeşil kombinasyonları, 1'e 3'lük alan oranlarıyla uyumlaştırılmıştır. Renk şemasını, ayırma tekniğini kullanarak, yani çelişen renkleri nötr olanlardan (gri) ayırarak uyumlu hale getirmek de mümkündür. , siyah beyaz). Sadece dar bir renk ve ton aralığı kullanarak değil, aynı zamanda bağlayıcı koyu veya açık tonlar ekleyerek renklendirmeyi uyumlu hale getirmek mümkündür.

Renk açısından doğru bir şekilde organize edilmiş çalışma, kolayca karakterize edilen bir renk şemasına sahiptir. Bu bağlamda, başlıklarında renkli bir görevi ifade eden Whistler'ın çalışmaları ilginçtir: “Mavi ve gümüş. Mavi dalga, Biaritz”, “Mor ve pembe. Altı Porselen Parça”, “Leylak ve Altın Capriccio. Altın Ekran. Sanatçının bu çalışmaları pastel teknikte yapılmamış, ancak pastel, uyumlu renk ilişkileri üzerinde çalışırken benzer bir yaklaşımı dışlamamaktadır. Parlak tonları karmaşık, sessiz renklerle birleştirmek en iyisidir, o zaman iş "kurumuş" veya benekli olmayacaktır. Sıcak renkli işlerde bile soğuk renklerin özelliklerini kullanmakta fayda var ya da tam tersi. Renkte uyumsuz olan bir eser, mutlaka renkli veya parlak değildir, çünkü renk ustaları yerel (açık, açık, neredeyse hiçbir şeyle karışmaz orijinal renkler) boyalar, bu nedenle göreve, aydınlatmaya, doğanın özelliklerine ve diğer faktörlere bağlı olarak, hem zıt hem de yakın renk kombinasyonlarının uyumları ayırt edilir. Renk uyumsuz bir çalışma, kaotik bir ritim yaratan renklerin beceriksizce kullanılmasını, kompozisyonun okunamayan ayrı parçalara “yırtılmasını”, farklı aydınlatma koşullarından renklerin kullanılmasını vb. 90 ° içinde renk çarkında. Çoğu zaman, kompozisyonlar üç veya dört rengin etkileşimine göre belirlenir ve çalışmadaki tüm tonların, parlak kombinasyonlara bile eklenen ortak, oldukça nötr bir renkle birleştirilmesi arzu edilir. Nötr gölgeler (birkaç karmaşık renkten oluşur), doymuş yerel renk gruplarının parlaklığını vurgular ve işe özel bir asalet verir. Soğuk renkler başlangıçta göz için daha pasif ve nötr olduğundan, uyumlu renk kombinasyonlarına kolayca "bağlanır".

Natürmortta renk ve ton

Bir natürmorttaki renk ve ton büyük ölçüde ışığa bağlıdır (renkli ek 2'ye bakın). Resimde nadir görülen bir aydınlatma türü "karşı-gün"dür (Fransızca'dan "ışığa karşı" olarak çevrilmiştir) - ışık kaynağı nesnelerin arkasında olduğunda aydınlatma. Bu tür bir aydınlatma, çoğu gölgede olduğu için nesnelerin hacmini tam olarak ortaya çıkarmaya izin vermez, ancak yarı saydam malzemelerin şeffaflığını ve kompozisyonun genel çizgisini iyi ortaya çıkarır. Eğitim amacıyla veya olağandışı renk ve ışık efektleri elde etmek için sanatçılar bu tür yapımları çizmeyi önerir.

Her türlü aydınlatma, ışık kaynaklarının sayısına, yönüne, güçlerine ve kökenlerine göre bölünebilir. Birkaç ışık kaynağı olabilir, ancak resimde daha çok tek bir kaynak kullanılır. Yönler tamamen farklı olabilir: üst, alt, ön, arka, sol, sağ ve birleşik. Aydınlatmanın gücü de farklıdır, zıt veya yumuşak ton ilişkileri yaratır. Güneş, ay aydınlatması kendi kendine yeterlidir, ancak çizim yaparken genellikle yapay aydınlatma da kullanılır. Işık kaynakları, resimdeki renk ilişkilerini önemli ölçüde değiştiren herhangi bir gölgede aydınlatma oluşturabilir. Eserin rengini belirlerken öncelikle yukarıda sıralanan göstergelere göre aydınlatmanın niteliğini belirlemelisiniz.

Kuru pastel ile natürmort

Natürmort, gerekli tüm becerileri geliştirdiği için güzel sanatlar öğretiminde ana türdür. Bu, yalnızca doğadan çizim yaparken mümkündür (bkz. şekil 5053). Hareketsiz yaşamda, grafik ve resim becerilerini geliştirmek için uzayın derinliğini, nesnelerin hacmini ve önemliliğini nasıl aktaracağınızı öğrenmek en kolay yoldur.

Natürmort çizmek için perspektif, kompozisyon, renk ve ton özellikleri, ışık desenleri bilgisi gerekir, bu alanlarda gerekli bilgiler ilerleyen bölümlerde verilecektir.

Pirinç. 50. Sürahi ile natürmort

Pirinç. 51. Deniz kabuğu ile natürmort

Portre veya manzaradan farklı olarak, natürmort daha durağan bir türdür. Doğada sürekli değişiklikler oluyor - aydınlatmada, bulutların siluetinde vb. Portre türünde de benzer zorluklar var. Poz veren kişi ne kadar hareketsiz kalmaya çalışırsa çalışsın, açıyı yavaş yavaş değiştirir ve bu da acemi bir sanatçının çalışmasında sorunlar yaratır. Hareketsiz yaşamda, formun özelliklerini daha iyi anlamanıza izin veren herhangi bir değişiklik kademeli olarak gerçekleşir. Kuru pastel, boya tabakasının yüzeyinde koruyucu bir film olmaması nedeniyle görsel "hafifliği" korurken gerçekçi bir şekilde çalışmanıza izin veren, natürmort boyama için uygun bir araçtır (bkz. Şekil 54-57). .

Pirinç. 52. Rustik natürmort

Pirinç. 53. Kuru çiçeklerle natürmort

Pirinç. 54. J. F. Darı. papatya buketi Louvre, Paris

Pirinç. 55. O. Redon. Lavabo. 1912. Orsay Müzesi, Paris

Pirinç. 56. I. I. Levitan. Coleus. 1894. Başkurt Devlet Sanat Müzesi. MV Nesterova, Ufa

Pirinç. 57. I. I. Levitan. Beyaz leylak. 1895. Omsk Bölge Güzel Sanatlar Müzesi. MA Vrubel

4. Bölüm

Bu bölüm, kuru pastel ile çalışmak için genel bir teknik sağlar, sadece natürmortları değil, aynı zamanda olası tüm türlerdeki çalışmaları da icra etmek için kullanılabilir. Aşağıdaki bölümlerde pastel çizimde daha spesifik durumları ele alacağız.

En iyi sonuçları elde etmek için işe sistematik olarak yaklaşmanız, teknolojiyi gözlemlemeniz ve görevleri kademeli olarak tamamlamanız gerekir. Doğru teknik, pastel resmin doğasında var olan kolaylığı korurken etkili bir şekilde zaman ayırmanıza ve çalışmanıza olanak tanır. Bir resim (veya eğitim üretimi) üzerindeki çalışma şartlı olarak beş aşamaya ayrılabilir. Burada, işin en karmaşık ve ne yazık ki artık çok az öğretilen kuru pastel öğütme tekniğinde doğru ve tutarlı performansı için genel tavsiyeler veriyoruz. Bu teknik, konstrüksiyonun “karton üzerine” ön gösterimi ile klasik akademik sisteme dayanmaktadır.

İşe hazırlık

İlk olarak, olay örgüsü belirlenir ve gelecekteki kompozisyonun eskizleri geliştirilir. Kompozisyona her zaman formatta karar verilir. Format ya kompozisyonun başlangıç ​​noktasıdır (daire içindeki kompozisyon) ya da en başarılı kompozisyon çözümü seçildikten sonra belirlenir. Pastelde çalışma yüzeyi boyutları aralığı, yağlı boyadan daha küçüktür. Çalışma renkli pastel levha üzerine yapılıyorsa fabrikaların ürettiği levhaların boyutları 70×110 veya 80×100 cm olmakla birlikte tablet üzerinde ve işin kenarlarında gerekli esneme payları dikkate alınarak, daha sonra bir hasır ile kapatılan levhanın aktif çalışma yüzeyi, her bir taraftan yaklaşık 4 cm azalır. Üstelik renkli pigment ne kadar ince öğütülürse öğütülsün, en azından kısmen öğütülmesi gereken tanelerde tabana düşer.

Seçilen renkli pastel tabaka tabletin üzerine gerilir. Bir tablet gereklidir, işi kolaylaştırır, pastelleri daha verimli öğütmenizi sağlar.

İlk aşama

İlk aşamada (renkli ek 3'e bakın), gelecekteki resmin gerçek boyutlu bir çizimi, çok kalın olmayan ayrı bir kağıt üzerine (örneğin, whatman kağıdı) oluşturulur. Bu, yapı sayfasının, pastel kağıdın ve tabletin aynı boyutta olması gerektiği anlamına gelir. Çizim yaparken formun tasarım özelliklerini dikkate almak önemlidir. İnşaat en iyi şekilde, konturları sürekli olarak iyileştiren yumuşak bir kalemle yapılır.

İkinci aşama

Gerekli açıklamalardan sonra çizim, bunun için cam ve lamba kullanılarak kalın bir parça soft pastel ile kağıdın arka yüzüne daire içine alınmalıdır. Tablet üzerine gerildikten sonra kurumuş olan temiz bir pastel kağıda uygulanan ayna görüntüsü ortaya çıkıyor. Daha sonra, sayfayı düzeltmeli, ardından renkli bir kurşun kalem veya tükenmez kalem alıp aşağıdaki pastel kağıda zarar vermemek için orta derecede kuvvetle bastırarak binayı dikkatlice daire içine almalısınız. Ortaya çıkan baskı, keskinleştirilmiş boya kalemleri veya pastel kalemlerle tamamlanabilir (grafit kalemler kullanılamaz, üzerlerine pastel düşmez). Görüntünün daha doğru bir şekilde aktarılması için yardımcı bir ızgara çizebilirsiniz, bu, yapının basılmamış kısımlarını geri yüklemeye yardımcı olacaktır.

Üçüncü sahne

Üçüncü aşamada, çarşaf tamamen bir pastel tabakası ile kaplanır. Boya kalemlerinin yan taraflarıyla geniş yüzeylerde çalışmak daha iyidir.

Üçüncü aşamanın ana görevleri:

• çalışmada, aydınlatılmış yüzeylerin ve gölgelerin toplam kütlesini ayarlayın;

• kompozisyona tek renkli (coloristik) bir çözelti vermek;

• her görüntü nesnesinin (kişi, nesne, çevre) renk özelliklerini tanımlayın. Yaprağın yüzeyi pastel ile ovulduktan sonra ovalamaya başlanmalıdır. Ton ilişkilerinin çözümünü tercih ederek, kapsamlı taşlamadan kaçınmaya çalışmak gerekir. Beyaz ve siyah pastel boya kalemlerini sık kullanmamalısınız, çünkü sonraki katmanlarla karıştırıldıklarında çalışmayı renk zenginliğinden mahrum bırakırlar. Üçüncü aşamada, ortak ilişkilerle çalışmaya çalışmalısınız. Dikkat dağıtan gölgeler ve tekdüze aydınlatma olmadan önce nesnelerin yerel renklerini belirlemeye çalışın. Bu ve sonraki aşamalarda konstrüksiyonun doğruluğunu kaybetmemek gerekir. Vuruş ve sürtme sadece boşluğu doldurmamalı, görevleri formun özelliklerini ortaya çıkarmaktır.

dördüncü aşama

Dördüncü aşamada (renk eki 4'e bakın), renk ilişkileri belirlenir, en önemli alanların incelenmesi başlar. Aydınlatma özellikleri daha net gösterilmelidir. Aydınlatmanın net bir modeli vardır - ışık ve gölge karşılıklı olarak zıttır. Aydınlatma bir akkor lamba tarafından oluşturulmuşsa ve ışık sarı (sıcak) ise, gölge mavidir (soğuk) ve bunun tersi de geçerlidir. Kırmızı bir lamba ile aydınlatıldığında, gölgeler yeşil olacaktır. Görüntünün kontrastı, aydınlatmanın yoğunluğuna bağlıdır - aydınlatma ne kadar güçlüyse, ışık ve gölge kontrastı da o kadar güçlüdür.

Dördüncü aşamanın ana görevleri:

• işi ton ve renk açısından çeşitlendirir. En karanlık ve en parlak yerleri ortaya çıkarın, doygun tonları vurgulayın;

• yüzeylere gerekli yansımaları ekleyin;

• nesnelerin önemlilik özelliklerini (parlak, ayna, mat, pürüzlü yüzeyler) tanımlayın, gerekirse vurgularda gölgeleme ekleyin ve gölgeleri yumuşatın;

• yavaş yavaş küçük ayrıntılar üzerinde çalışarak ön planı vurgulayın.

• formların ve yüzeylerin kenarlarında yumuşaklık (yazma) elde etmek için.

Beşinci aşama (son)

Beşinci aşamada çalışmaya devam ederken, gereksiz ayrıntılardan uzaklaşmak, geri adım atmak ve yapılanlara bir bütün olarak bakmak gerekir. Kusurları, düzeltilmesi gereken hataları fark etmek için acele etmeyin. (Tüm aşamalarda, en iyi sonuçlar için analiz için işinizden uzaklaşmanız önerilir.)

Son aşamada, yazarın eserin anlamını izleyiciye aktarması özellikle önemlidir. Sanatçılara, eylemler artık niyeti ortaya koymadığında işi bitirmeleri tavsiye edilir. Pastel boyamada bu özellikle önemlidir çünkü küçük kusurlara kapılarak zaten iyi yapılmış olanı bozabilir, levhanın yüzeyine zarar verebilirsiniz. İkinci durumda, pastel artık hasarlı alanda bulunmayacaktır. Kural olarak, bu tür hatalar karma bir teknik kullanılarak düzeltilebilir (örneğin, hasarlı bölgeye badanalı suluboya uygulanarak).

Son aşamanın ana görevleri:

• eserdeki malzeme, doku ve doku farklılıklarını aktarmak;

• gerektiğinde tek tek yerleri vurgulayın veya yumuşatın;

• resmin tüm bileşenlerinin birliğini ve uyumunu sağlamak için: renkler, tonlar, ruh halleri vb.

İşin son aşaması, ilk aşamaya benzer - cesaret ve vizyon bütünlüğü gerektirir. Çok sayıda ayrıntılı ayrıntıyı kötüye kullanmamalısınız, resme bir bütün olarak odaklanmanız gerekir, hiçbir kompozisyon eşit öneme sahip kurucu öğelere "parçalanmamalıdır". Resmin unsurları birbirine bağlı olmalı ve izleyicinin dikkatini eserin kompozisyon ve anlamsal merkezine çekmelidir. Çalışmada haksız bir şey olmamalı, sıkışıklık her zaman eksik ifadeden daha kötü algılanmalı, ancak gerçekçi bir yaklaşımla detaylı çalışmanın doğruluğunu da ihmal etmemelidir. Aynı zamanda şunu hatırlamanız gerekir: Aktarma becerisi gibi küçük ayrıntılar, malzemenin dokusunu aktarsalar da planlama duygusunu geliştirseler de kendi başlarına bir amaç değildir.

Soruları inceleyin

1. "Sanatsal imaj" kavramını genişletin ve görsel sanatlarda sanatsal bir imaj yaratmanın yollarını sıralayın.

2. Pastellerde renk üzerinde çalışmanın özellikleri nelerdir, rengi uyumlu hale getirme tekniklerini adlandırın. Cevabınızı sanatçının çalışmalarından örneklerle açıklayınız.

3. Sanatsal imgeyi ortaya çıkarmada ton ilişkilerinin önemi nedir? Cevabınızı sanatçının çalışmalarından örneklerle açıklayınız.

4. İşin kompozisyonel çözümü hangi yasa ve kurallara dayanmaktadır? Çeşitli türlerde bir beste üzerinde çalışmanın herhangi bir özelliği var mı? Cevabı açıklayın.

5. Kompozisyonda mekanın derinliği kararı ne kadar önemlidir? Planlama, doğrusal ve hafif hava perspektifi problemlerini çözmek için seçenekleri tanımlayın.

6. Pastel resmin ana aşamaları nelerdir? Kısa bir açıklama yapın.

Bölüm 5

Bu tematik plan programı, Rus gerçekçi okulunun geleneklerine dayalı olarak pastel teknikle nasıl çalışılacağını öğretmedeki boşluğu doldurmayı amaçlamaktadır. Görevler, genel kuru pastel çalışma tekniği kullanılarak kopyalanabilir, ancak hayattan çizim yapmak elbette öğrenmenin daha etkili bir yoludur. Bu nedenle, görevler açısından benzer eğitim bildirimleri ayarlamanızı öneririz.

Görev 1. Pastel tekniğine hakim olmak

Aşağıda önerilen daha karmaşık görevleri gerçekleştirmek için, malzemenin temel özelliklerini tanımanız gerekir. Hem yeni başlayanlar hem de deneyimli sanatçılar için en çok yönlü pastel, ilk görev için kullanmanızı önerdiğimiz kuru yumuşak pasteldir (renk eki 5'e bakın).

Başlamak için eşit derecede nemlendirilmiş bir kağıdı tabletin üzerine gerin ve kurumasını bekleyin. Ardından renkli kağıda farklı renkteki boya kalemlerinin keskin uçlarıyla tarama uygulayın. Vuruşlar, paralel ve çapraz olmak üzere çeşitli uzunluklarda ve şekillerde uygulanabilir. Pastel renklerde tarama, grafit kalem veya diğer grafik malzemelerle yapılan bir çizimde taramadan çok az farklıdır.

Mavi ve sarı vuruşları yan yana katmanlayarak bir yeşil hissi elde etmeye çalışın. Bu tür bir harmanlama, işinizden biraz uzaktaysanız oldukça görünürdür. Herhangi bir rengi optik (bölücü olarak) karıştırabilir, çok sayıda gölge elde edebilirsiniz.

Bundan sonra dairesel hareketlerle gölgeyi parmaklarınızla ovalamaya başlayın. Sürtünme sırasında eller kuru olmalıdır, aksi takdirde parmaklardaki nem pigmentleri tabandan "çıkarır", renkleri değiştirir. Levhanın yüzeyi, güçlü basınçla tekrarlanan sürtünmeye dayanmaz. Zımpara kağıdı üzerinde taşlama yapılırsa, çalışma yüzeyini bozmaktan korkamazsınız, ancak böyle bir tekniğin ellere zararı ve yüksek malzeme tüketimi nedeniyle acemi sanatçılar için aşındırıcı yüzeylerde çizim yapılması önerilmez. Sürtünmek için gölgeleme, yumuşak fırçalar veya kağıt peçeteler kullanabilirsiniz. Ezilmiş pastel katman farklı yoğunlukta olabilir: yarı saydam temel renk veya değil. İnce bir katmanın şeffaflık özelliği kullanılarak pastellerde çeşitli tonlar elde edilebilir.

Diğer malzemelerden daha iyi olan pastel, ressamlar tarafından çok beğenilen yumuşak renk ve ton geçişleri oluşturmanıza olanak tanır. Bir egzersiz olarak, gökkuşağının renklerinin tek tip bir esnemesi veya art arda beyaz ve siyah tonları veya bir rengin hafif bir esnemesi gerçekleştirebilirsiniz.

Kağıdın düzlemini, örneğin turkuazdan mora "soğuk" gölgeler gibi aynı aralıkta bulunan farklı renkteki darbelerle de kaplayabilirsiniz. Sürtünerek, elde edilen renge istediğiniz gibi başka bir renk ekleyerek, birçok uyumlu renk kombinasyonu elde edebilirsiniz.

Görev 2. Alçı gövdeyi doğal ışıkta çizmek (top, yumurta)

Bir sonraki görev, hacmi aktarma, ton ve renk ilişkilerini belirleme kurallarını incelemeyi amaçlamaktadır (bkz. renk eki 6). Işığa bağlı olarak renk kombinasyonlarını daha iyi göstermek, kontrastı vurgulamak için mavi perde üzerine beyaz alçı top koyduk. Topu sanatçı mağazalarından satın almak kolaydır, ancak benzer egzersizleri mevcut basit şekilli nesnelerle yapabilirsiniz - portakal, yumurta vb. Üretimimizde, aydınlatma bir pencereden doğaldır. Işıklar soğuk ve gölgeler sıcak. Bu görev için bir kağıt mavi-gri veya yeşil-gri olarak sunulur. Yaklaşık 10 parçalık bir dizi yumuşak pastel boyaya ihtiyacınız olacak. Bu görevde kurşun kalem, fırça, gölgeleme ve diğer araçları kullanmamak daha iyidir.

1. aşama - inşaat. Keskin bir şekilde keskinleştirilmiş pastel, ışık ve gölge sınırlarını, yatay ve dikey düzlemleri renkli bir pastel kağıda işaretlemek için kullanılmalıdır.

2. aşama - şeklin modellenmesi ve tabakanın düzleminin bir vuruşla kapatılması. İkinci aşamada gölgeler ve ışıklar gölgelendirilmeli, ana renk ilişkileri çözülmelidir. Aynı zamanda siyah ve beyaz pastel boyalar çok sık kullanılmamalı, işi renkli olarak kirletebilirler. Renk paletinin ilk daralması, sanatçıyı ton ilişkilerine iyi bir şekilde odaklar, formu çözmeye daha iyi odaklanmanıza izin verir, ancak çalışmadaki gölge sayısı kademeli olarak artmalıdır, aksi takdirde pastel ile çalışma prensibi prensiplerden farklı olmayacaktır. bir dizi renk tonunun olmaması nedeniyle ifade olanakları önemli ölçüde daha dar olan diğer yumuşak malzemelerle çalışma.

Tarama, nesnelerin şeklini vurgulamalıdır. Birkaç darbeyi üst üste uygulayarak tek tip bir boya tabakası elde edebilirsiniz. İkinci aşamada, mekanın derinliğini ve prodüksiyonun doğasında var olan kontrastı göstermeye başlamanız gerekiyor. Topun aydınlık kısmı ile arka plan arasında güçlü bir ton farkı verilir, topun gölgeli kısmı ile arka planın bitişik alanı arasında hemen hemen aynı kontrast gösterilmelidir. Atılan gölgelerin genellikle nesne gölgelerinden daha koyu olduğunu unutmayın. İkinci aşamada, nesneler ve ortam üzerindeki yansıyan yüzeyleri - refleksleri göstermek, aydınlatmanın özelliklerini ortaya çıkarmak mümkündür.

3. sahne - pastelleri ovalamak ve gölgeler eklemek. Üçüncü aşamada pastellerin nazikçe öğütülmesi başlar. Topun şekline göre çalışma yapılır. El hareketleri nesnenin yuvarlak yüzeyini vurgulamalıdır. Ardından, tarama ile daha fazla gölge eklemelisiniz (yaklaşık beş), bu sonuçta işe daha pitoresk ve gerçekçilik verecektir. Bundan sonra ton geçişlerine dikkat edin. Tonların yumuşaklığı üzerinde çalışmak formun bir bütün olarak çözülmesine yardımcı olacaktır. Arka planla yazılacak topun kenarlarını alın, bu topa daha fazla hacim ve iş - alan derinliği ve gerekli havadarlık hissi verecektir.

4. aşama - ayrıntıların netleştirilmesi, nesnelerin önemliliği üzerinde çalışma.Son aşamada, görüntüyü yalnızca bir önemlilik duygusuna getirmekle kalmayıp, aynı zamanda çalışmada her iki ayrı unsurun (top, çevreleyen alan) bütünlüğünü göstermeye ve birbirleriyle etkileşimlerini hissetmeye çalışılmalıdır. Bunu yapmak için yansımalar eklenir, aydınlatılmış ve gölgeli yüzeyler arasındaki kontrast artırılır. Pasteli, gölgelerde ve orta tonlarda olabildiğince dikkatli bir şekilde öğütmeye çalışmanız ve katmanda hafif bir şeffaflık bırakmanız gerekir. Aydınlatılmış yüzeylerin de sürtünmeye ihtiyacı vardır. Topun aydınlatılmış kısmında, parmaklarınızla pigmente zar zor dokunarak pastelle ovalamanız gerekir ve gölgeleme, fırçalar veya peçeteler boya tabakasını çok fazla çıkardıkları için işi mahvedebilir. Çalışmadaki son durum bir vurgudur. Bunu yapmak için, beyaz yumuşak bir tebeşir alabilir ve kelimenin tam anlamıyla iki sarsıntılı vuruşu doğru yere bastırabilirsiniz.

Görev 3. Yönlü kontrast aydınlatma ile birkaç basit nesnenin (meyveler, sebzeler, ev eşyaları) natürmort

Üçüncü görev, malzemeye daha fazla hakim olmayı ve tekniği geliştirmeyi amaçlamaktadır (renkli ekler 7, 8'e bakın). Sıcak sarı ışıklar ve koyu mavi gölgeler gibi zıt ton ilişkileri veren bir akkor lambayla aydınlatarak benzer bir natürmort oluşturabilirsiniz. Bu natürmortta, örneğin kahverengi, gri-bej vb. Topraklı kağıt kullanmak daha iyidir. Küçük detayları daha iyi incelemek için pastel kalem ve fırça kullanabilirsiniz. Bu durumda, formların ve kompozisyonun basitliği göz önüne alındığında ayrı bir sayfa üzerine inşa etmek gerekli değildir, ancak sonraki görevlerde "Kuru Pastel Metodolojisi" bölümünde açıklanan teknolojiyi kullanmak daha iyidir. Örnek olarak, "genelden özele" ilkesi üzerinde çalışma becerilerini geliştirmenin önemli olduğu üç elmadan oluşan bir natürmort sunuyoruz.

Sanatsal genelleme unsurlarını korurken, nesnelerin şeklinin doğasına ve nüanslarına karar vermek inşaat aşamasında önemlidir. Düzlemi pastelle kapatma aşamasında çalışırken, konstrüksiyonda belirtilen nesnelerin şeklinin bozulmasını en aza indirmek önemlidir. Pigment öğütme kalitesi, detaylandırma, geçişlerin yumuşaklığı, ton aralığı, önemlilik ve kompozisyon merkezinin ciddiyeti, işin bütünlük hissini etkiler. Bu görevde, nüansları çözmeden eskiz bir çözüm üzerinde durmaktansa, belirli bir doğaüstü imaja girmek daha iyidir. Sanatsal genelleme becerileri büyük ölçüde, sanatçıların "ellerine almak" dediği malzemeyle sık sık çalışarak, görsel ve pratik deneyim birikimiyle geliştirilir. Detaylandırma becerileri, profesyonel görsel algının oluşmasıyla birlikte gelişir (dikkat,

Görev 4. Kumaş ve nesnelerin kısa süreli eskizlerini yapmak

Kumaşların eskizlerinde kıvrımların plastik temelinin aktarımı önemlidir. (renkli ek 9'a bakın) Her kıvrımın hareketinin gelişimini dikkatlice izlemek gerekir, onları bir başlangıç ​​​​ve bitiş olmadan tasvir etmek yanlıştır. Çizimde kıvrımlardaki incelmeyi, ortadaki kalınlaşmayı aktarmak önemlidir. Kumaşın bulunduğu düzlemleri ve yüzeyleri nasıl kapladığını hissetmek önemlidir. Malzemenin özellikleri, kalınlık, plastisite, "kırılganlık", ayrıca yüzey dokusu, ton derinliği, refleksler vb.

Nesnelerin eskizlerinde, formun ve yüzeylerin doğasını aktarmak gerekir. Karmaşık şekilli nesneleri standart olmayan açılarda yerleştirmek daha iyidir. Görev, forma sürtme, detaylandırma, vurgulama ve genelleme becerilerini geliştirmeyi içerebilir.

Görevin tamamlanması ayrıca dekorasyon unsurları da içerebilir (biçimin ve alanın düzleştirilmesi, koşullu renk düzeni vb.). Çözümün kabataslaklığı, kağıdın renginin rengin referans rengi olarak kullanılmasını, katmanların yarı saydamlığını, gölgesiz alanları, dokulu darbeleri içerir.

Görev 5. Çeşitli malzemelerden nesnelerle natürmort

Bu görev için natürmortların açıkça tanımlanmış aydınlatma (doğal veya yapay) ile ayarlanması önerilir (renkli ek 10'a bakın). Bir natürmort kompozisyonu üç ana plan içermelidir - ön, orta ve uzak (bkz. Şekil 58, 59). Ön planda ve arka planda çok sayıda nesneye sahip olmanıza gerek yoktur. İzleyicinin dikkatini orta planın yatay düzlemine odaklayın. Görev uygulanabilir olmalı, bu nedenle metal, cam, ahşap, çeşitli kumaş türleri gibi çeşitli malzemelerden yapılmış nesnelerden oluşan bir natürmortu aynı anda tamamlamaya çalışmamalısınız. Görüntü için öğe sayısını (elma, sürahi, perdelik, kavanoz, kuru dal) kasıtlı olarak altı parça ile sınırlayarak birkaç benzer natürmort gerçekleştirmek daha iyidir. Natürmortlar kompozisyonel, anlamsal, ton ve renk bütünlüğü. Kompozisyon bütünlüğü, hiçbir nesnenin diğerlerinden görsel olarak ayrılmaması gerektiği anlamına gelir. Ton birliği, natürmortun aydınlık ve karanlık alanlara net bir şekilde analiz edilmesini gerektirir. Bu, natürmortun parçalarını sürekli olarak birbiriyle karşılaştırmayı, eserdeki en karanlık ve en parlak yeri belirlemeyi gerektirir. Renk birliği, ayrılmaz bir aydınlatma kaynağıdır, çalışmadaki genel renk durumunu oluşturan baskın renk kombinasyonlarının tanımlanması, renklendirme. Bir natürmorttaki renk, daha sonra izleyiciye aktarılan ruh halini belirler. Anlamsal (tematik) birlik, herhangi bir fikre uygun olarak nesnelerin, rengin ve diğer ifade araçlarının seçimini gerektirir. Diyelim ki kristal bir bardak ve bir somun ekmek veya tuval üzerine mücevher en iyi kombinasyonlar değil. hiçbir nesne görsel olarak diğerlerinden ayrılmamalıdır. Ton birliği, natürmortun aydınlık ve karanlık alanlara net bir şekilde analiz edilmesini gerektirir. Bu, natürmortun parçalarını sürekli olarak birbiriyle karşılaştırmayı, eserdeki en karanlık ve en parlak yeri belirlemeyi gerektirir. Renk birliği, ayrılmaz bir aydınlatma kaynağıdır, çalışmadaki genel renk durumunu oluşturan baskın renk kombinasyonlarının tanımlanması, renklendirme. Bir natürmorttaki renk, daha sonra izleyiciye aktarılan ruh halini belirler. Anlamsal (tematik) birlik, herhangi bir fikre uygun olarak nesnelerin, rengin ve diğer ifade araçlarının seçimini gerektirir. Diyelim ki kristal bir bardak ve bir somun ekmek veya tuval üzerine mücevher en iyi kombinasyonlar değil. hiçbir nesne görsel olarak diğerlerinden ayrılmamalıdır. Ton birliği, natürmortun aydınlık ve karanlık alanlara net bir şekilde analiz edilmesini gerektirir. Bu, natürmortun parçalarını sürekli olarak birbiriyle karşılaştırmayı, eserdeki en karanlık ve en parlak yeri belirlemeyi gerektirir. Renk birliği, ayrılmaz bir aydınlatma kaynağıdır, çalışmadaki genel renk durumunu oluşturan baskın renk kombinasyonlarının tanımlanması, renklendirme. Bir natürmorttaki renk, daha sonra izleyiciye aktarılan ruh halini belirler. Anlamsal (tematik) birlik, herhangi bir fikre uygun olarak nesnelerin, rengin ve diğer ifade araçlarının seçimini gerektirir. Diyelim ki kristal bir bardak ve bir somun ekmek veya tuval üzerine mücevher en iyi kombinasyonlar değil. Ton birliği, natürmortun aydınlık ve karanlık alanlara net bir şekilde analiz edilmesini gerektirir. Bu, natürmortun parçalarını sürekli olarak birbiriyle karşılaştırmayı, eserdeki en karanlık ve en parlak yeri belirlemeyi gerektirir. Renk birliği, ayrılmaz bir aydınlatma kaynağıdır, çalışmadaki genel renk durumunu oluşturan baskın renk kombinasyonlarının tanımlanması, renklendirme. Bir natürmorttaki renk, daha sonra izleyiciye aktarılan ruh halini belirler. Anlamsal (tematik) birlik, herhangi bir fikre uygun olarak nesnelerin, rengin ve diğer ifade araçlarının seçimini gerektirir. Diyelim ki kristal bir bardak ve bir somun ekmek veya tuval üzerine mücevher en iyi kombinasyonlar değil. Ton birliği, natürmortun aydınlık ve karanlık alanlara net bir şekilde analiz edilmesini gerektirir. Bu, natürmortun parçalarını sürekli olarak birbiriyle karşılaştırmayı, eserdeki en karanlık ve en parlak yeri belirlemeyi gerektirir. Renk birliği, ayrılmaz bir aydınlatma kaynağıdır, çalışmadaki genel renk durumunu oluşturan baskın renk kombinasyonlarının tanımlanması, renklendirme. Bir natürmorttaki renk, daha sonra izleyiciye aktarılan ruh halini belirler. Anlamsal (tematik) birlik, herhangi bir fikre uygun olarak nesnelerin, rengin ve diğer ifade araçlarının seçimini gerektirir. Diyelim ki kristal bir bardak ve bir somun ekmek veya tuval üzerine mücevher en iyi kombinasyonlar değil. genel renk durumunu oluşturan baskın renk kombinasyonlarının eserde tanımlanması, renk. Bir natürmorttaki renk, daha sonra izleyiciye aktarılan ruh halini belirler. Anlamsal (tematik) birlik, herhangi bir fikre uygun olarak nesnelerin, rengin ve diğer ifade araçlarının seçimini gerektirir. Diyelim ki kristal bir bardak ve bir somun ekmek veya tuval üzerine mücevher en iyi kombinasyonlar değil. genel renk durumunu oluşturan baskın renk kombinasyonlarının eserde tanımlanması, renk. Bir natürmorttaki renk, daha sonra izleyiciye aktarılan ruh halini belirler. Anlamsal (tematik) birlik, herhangi bir fikre uygun olarak nesnelerin, rengin ve diğer ifade araçlarının seçimini gerektirir. Diyelim ki kristal bir bardak ve bir somun ekmek veya tuval üzerine mücevher en iyi kombinasyonlar değil.

Pirinç. 58. Bir natürmort inşa etmek

Farklı malzemelerden yapılmış nesnelerden natürmort çizerken, pürüzsüzlük veya doku, şeffaflık veya opaklık, matlık veya parlaklık sağlayan yansımaların ve vurguların bolluğu veya yokluğu gibi özelliklere dikkat edin. Bu özellikler ortaya çıktığında, her bir malzemenin izlenimini biraz keskinleştirmek, karakteristik farklılıkları arttırmak mümkündür. Kumaşlar üzerinde çalışırken farklı kalınlıkları ve yumuşaklıkları hissedilmelidir. Maddiliğin etkisini yaratmak, bütün bir egzersiz döngüsünü gerektiren karmaşık bir görevdir.

Pirinç. 59. Son çalışma

Şeffaf cam, formun kenarları boyunca parlak, iyi tanımlanmış yansımalarla en iyi şekilde tasvir edilir. Hatırlamak önemlidir: tek bir refleks, oluşturulduğu nesneden daha net ve daha zengin olamaz. Küresel ve silindirik şekilli cam nesnelerin merkeze biraz daha yakın olması en karanlık alanlardır - bunun nedeni camın ışığı ileten ve kıran şeffaflık özelliklerinden kaynaklanmaktadır. Camdaki parlamanın yanında, kontrastı artırmaya değer ve cam nesnenin merkezinde göze dik açıyla maksimum şeffaflık etkisi yaratın. Camın şeffaflığı ve pürüzsüzlüğü (birbiriyle ilişkilidir, çünkü pürüzsüzlük azaldıkça şeffaflık azalır) akılda tutularak, camın donuk bir gölge oluşturamayacağı gerçeğini de hesaba katmak gerekir. Camın üzerindeki gölge, nesnenin kendisi ile yukarıda açıklanan aynı ton modellerine sahip olacaktır.

Cam gibi metal nesneler oldukça fazla yansıma içerir, ton farkı oldukça güçlüdür. Çeşitli malzemelerden yapılmış nesnelerin görsel hissi genellikle dokunma duyumlarıyla ilişkilendirilir, bu nedenle nesnelerin kendi renginden bağımsız olarak camı, metali, bazı yerlerde yüzeye soğuk gölgeler ekleyerek ve kilden yapılmış nesneleri tasvir etmek daha iyidir. ve ahşap - resimlerde sıcak.

Ahşap ve taş, yüzeylerinin yapısı görünür durumdaysa iyi iletilir; onun özel ilgiye ihtiyacı var. Şeffaf taşlar, cam nesnelerle benzetilerek tasvir edilmiştir. Taştan gelen dokunma duyumları farklı olabilir, özellikle kehribar, jasper, kaplan gözü, mercan, lal taşı sıcak, elmas, turkuaz, malakit, safir soğuktur. Onlara sanatsal yaklaşım farklı olmalıdır.

Maksimum ton ve renk ölçeğine sahip olan ve bu nedenle çevredeki nesnelerin birçok tonunu yüzeylerinde yansıtan beyaz nesnelere özel dikkat gösterilmelidir . Beyaz renk, tonda bile küçük farklılıklar gösterir, renk aralığı ve konu üzerindeki tonlar, pus derecesine bağlıdır. Bir nesne ne kadar matsa, yüzeyinde o kadar az renk ve ton barındırır. Alçı nesneler , sertleştirme teknolojisi ile kolayca kanıtlanan sıcak bir beyaz tonuna sahiptir. Kürlenmemiş alçı pembemsi sarımsı bir renk tonuna sahiptir ve kurudukça beyaza döner. Siyah öğelergörüntülenmesi zordur, çünkü en az miktarda gölge ve ton içerirler. Siyah kadifenin iletilmesi zordur, neredeyse tamamen ışığı emer, ancak pastelün küçük parçacıklar biçimindeki yapısı bu tür sorunları çözmek için mükemmeldir.

Her malzemenin, her nesnenin ve olgunun doğasına ilişkin bilgi, önemliliği iletme görevini büyük ölçüde kolaylaştırır. Kumaşlar üzerinde çalışırken kumaşın hafifliğini, yoğunluğunu, şeffaflığını ve kalınlığını hesaba katmak önemlidir. Halının dokusu, ovuşturulan bölgelere ovuşturulmamış pigment darbeleri uygulanarak iletilebilir. Önceden çizilmiş bir arka plan üzerinde bir mum boya veya pastel kalemin keskin ucuyla danteli yukarıdan tasvir etmek daha iyidir. İpek, saten çizerken, pastelü dikkatlice öğütmek, parlak yansımalar eklemek gerekir, kıvrımları dikkatlice çalışmak, kıvrımlarda kalınlaşmalarını, incelmelerini izlemek önemlidir. Yarı saydam yumuşak dokular, düzlemlerin kıvrımlarını ve geçişlerini vurgulayan, sürtünme, arka planın üstünde tasvir edilebilir.

Görev 6. Üst noktadan yakın renk kombinasyonları ile natürmort

Bu görev, üst noktadan çizim yapmayı içerir, çünkü standart bir açıda, ufuk çizgisi yaklaşık olarak sayfanın ortasındayken, kompozisyon açıkça nesnelerle aşırı yüklenmiştir (bkz. renkli ek 11). Ufuk çizgisinin yüksek konumu, çarşafta küçük bir kütle kaplayan nesnelerin daha büyük olanlarla örtüştüğü karmaşık bir ritimle ilginç bir "katmanlı" kompozisyon oluşturmanıza olanak tanır. Daha da yüksek bir bakış noktası seçilerek, işin resimsel çözümü için en uygun olan serbest bir düzen elde edilir. Lütfen altın bölüm kuralına uygun olarak, yazarın nesneleri sağ alt köşeye en ayrıntılı şekilde çizdiğini unutmayın (görev 6 için renkli eke bakın). Pitoresklik için, gölgelerde, içinden gri-kahverengi bir kağıdın parladığı minimum bir pastel tabakası kaldı. Bu çalışmada, parlak, neredeyse yerel olarak kırmızı bir perde ile “canlandırılmış”, oldukça nötr, yakın renk kombinasyonlarının bir uyumu vardır. Kırmızı perde örneğinde, alanın derinliğini göstermenizi sağlayan bir desen izlemek kolaydır: renklerin yoğunluğu ve genel ton kontrastı, masanın kumaşlarla kaplı ön bordüründe maksimuma ulaşır ve kademeli olarak zayıflar. derinlik. Arka planda eserde hacim mevcuttur ancak gölgeler içinde erimiş gibidir. Çalışma aynı zamanda nesnelerin farklı maddeselliğini de gösteriyor. Önemliliği iletmek için aydınlatılmış yüzeylere özellikle dikkat edildi. Ağırlıklarda, kenarları ovuşturulmuş vurgular yardımıyla "eski", hafif mat metal hissi yaratılır, camda vurgular parlak ve daha belirgindir ve kumaşlar ve ahşap, ışığı belirgin yansımalar olmadan nazikçe yansıtır.

Natürmortların en üst noktadan kompozisyonu, izleyicinin gözünün ön plandan uzağa kayarak orada durduğu görsel algı özelliğini dikkate almalıdır. Bu bağlamda, arka planda detay eksikliğine izin vermek istenmez.

Ek olarak, bu görevin bir parçası olarak, bir düzlemde bulunan bir natürmortu göz hizasının üzerine koyabilirsiniz. Böyle bir kompozisyonun özel bir özelliği vardır ve nesneleri perspektifte oluştururken dikkat gerektirir.

Görev 7. Farklı malzemelerden ev eşyaları ile sıcak renklerde natürmort

Daha önce de belirtildiği gibi, tematik natürmort, bir fikre göre nesnelerin seçimini içerir. Bu natürmortun nesneleri (renkli ek 12'ye bakın) bize Rus ulusal mutfağını hatırlatıyor ve bir köy evinde hostesin masasında olabilir. Ve aynı zamanda, klasik bir "Hollanda" üçgeni biçiminde düşünceli ve özlü bir kompozisyona sahip sahnelenmiş bir natürmort. Masadaki her öğenin anlamsal bir anlatımı vardır ve ahşap masa ve duvar ahenkli birleştirici bir ortam oluşturur. Zıt aydınlatma aynı zamanda işe ifade ve bütünlük kazandırır. En açık nokta, tabaktaki sarımsağın beyaz başıdır, ancak en büyük kontrast altın oran ızgarasıyla çakışır ve kağıt, demir, elek ve balkabağının bulunduğu sağ alt köşede bulunur. Burası bir kompozisyon merkezi olarak adlandırılabilir, ancak bu şu anlama gelmez: tablodaki geri kalan öğelerin detaylandırma gerektirmediği. Çarşafın alt kenarına paralel uzanan masa, orta büyüklükteki her bir nesne için dikkat gerektiren bir tür friz kompozisyonu oluşturur. Natürmort, sınırlı bir renk paleti kullanır, nesneler renge göre gruplandırılır. Sıcak vurguların ve nispeten daha soğuk gölgelerin sürekliliği vardır. Ufuk çizgisi sırasıyla sayfanın ortasının üzerinde seçildi, işin çoğu ufkun altındaydı. Çalışmak için kahverengi bir çarşaf ve bir dizi kuru pastel boya kullanıldı. Sıcak vurguların ve nispeten daha soğuk gölgelerin sürekliliği vardır. Ufuk çizgisi sırasıyla sayfanın ortasının üzerinde seçildi, işin çoğu ufkun altındaydı. Çalışmak için kahverengi bir çarşaf ve bir dizi kuru pastel boya kullanıldı. Sıcak vurguların ve nispeten daha soğuk gölgelerin sürekliliği vardır. Ufuk çizgisi sırasıyla sayfanın ortasının üzerinde seçildi, işin çoğu ufkun altındaydı. Çalışmak için kahverengi bir çarşaf ve bir dizi kuru pastel boya kullanıldı.

Aşağıdaki örnekler daha karmaşıktır (bkz. şekil 60, 61, 62). Üretim ayrıca farklı malzemelerden yapılmış nesneler içerir: seramik, cam, ahşap, çeşitli dokularda kumaşlar vb. pastel. Üretimde genel bir renk birliği ile objelerin sadece malzemeleri değil, yerel (uygun) renkleri de farklılık göstermektedir. Çalışmayı başarıyla tamamlamak için nesneler üzerindeki gölgeleri, ışıkları, yarı tonları birbirleriyle karşılaştırmak, yalnızca en açık alanları değil, aynı zamanda en karanlık alanları da belirlemek gerekir.

Pirinç. 60. Çörek ile natürmort

Pirinç. 61. Yerli bir tema üzerine friz natürmort

Pirinç. 62. Çıkrık ve dikiş ile natürmort

Kontrast oluşturan sıcak öğelerin eklenmesiyle benzer bir natürmort içeren nesneleri soğuk bir aralığa koyabilirsiniz. Hayattan çizim yaparken, aydınlatmanın bütünlüğünü korumak gerekecektir. “Kuru pastellerle çalışma yöntemleri” bölümünde verilen adımlara göre çalışmak, tüm üretimle ilgili olarak ana ve ton ilişkilerini anında ortaya çıkarmanıza olanak tanır. Detaylandırma aşamasında, doğanın ilk izlenimini hatırlamanız, form ve renk sunumunda canlılığı korumaya çalışmanız gerekir. Ayrıntılı çizim, yalnızca halihazırda çizilmiş olan forma (“genelden özele” ilkesi) göre değil, aynı zamanda çevre ile bağlantılı olarak da yapılmalıdır. Dikkatli bir çalışma gerekli olsa bile, her bir öğeyi ayrı ayrı çizmek istenmez. Çalışmanın doğruluğu belirli bir mesafeden kontrol edilebilir.

Eseri ele alırken insan algısının özellikleri şu şekildedir: İzleyici önce natürmortu bir bütün olarak görür, ardından eserle ilgilenirse küçük ayrıntılara yaklaşmaya ve düşünmeye başlar. Çalışmanın eksiksizliği ve sayfa formatının boyutu farklı olabilir. Format ne kadar büyük olursa, izleyici görüntülemek için o kadar uzağa hareket eder. Bu nedenle, çizim yaparken sanatçının da çalışmasından izleyicinin tahmini mesafesine gitmesi, ayarlamalar yapması ve bu konumdan görünen hataları düzeltmesi gerekir.

Görev 8. Açık renklerde karışık ortamda natürmort

Çeşitli malzemelerden nesnelerle açık renklerde natürmort, guaj beyazı ile karışık ortamda yapılabilir (renkli ek 13'e bakın). Karanlık alanlarda ton aralığını artırmak için sulu boya ekleyebilirsiniz. Suluboya alt boyama üzerinde de çalışabilirsiniz, bu kısmen natürmort gerçekleştirme sürecini hızlandırır ve pastel çalışmayı bazı dokusal ve stilistik tekdüzelikten ve koyu renklere geçişlerde "yünlülükten" mahrum eder. Alt boyama, ince bir guaj veya tempera tabakası ile de yapılabilir. Aşırı darbe dokusu ile yüzey ince taneli zımpara kağıdı ile hafifçe zımparalanabilir.

Natürmortta iyi bir ton dengesi bulundu, nesneler en iyi şekilde detaylandırıldı, elmas şeklindeki dengeli bir kompozisyon doğru bir şekilde oluşturuldu. Genel bir hafiflikle, natürmort kontrast gölgelere sahip olduğu için “beyazlaşmış” görünmüyor. Çalışma, büyük ölçüde nesnelerin önemliliğine, vurgular ve yansımalarla yüzeylerin oyununa odaklanıyor. Sağ üst köşedeki alt gölge ile güzel bir nokta ve ritim yaratılır. Formların çevreye temas ettiği yerlerde renk sürtmeleri nedeniyle nesneler oldukça pitoresk bir şekilde çözülmüştür, bazı yerlerde form arka planla neredeyse bütünleşir, bazılarında ise yumuşak ama zıtlık oluşturan bir kontur alt çizgisi ile öne çıkar. Sıcak beyaz-krem nesnelerin kütlelerinin ve soğuk beyaz nesnelerin uyumunu not etmek de önemlidir, bu durumda bu, doğal bir gerçeğin ifadesi değil, bir kompozisyon aracıydı.

Görev 9. Doğal ışıkta karmaşık tematik bir natürmort

Böyle bir natürmort hem yaratıcı hem de eğitici üretimlerin doğasında olabilir (bkz. Şekil 63-65). Pencere camından geçen güneş ışınları, işte iletilmesi gereken soğuk bir gölge kazanır. Aydınlatma seviyesi değişebilir, bu görev için yumuşak dağınık ışık öneriyoruz. Ödevde, detayları geliştirmek, nesnelerin önemliliğini iletmek için çeşitli karma tekniklerin kullanılmasına izin verilir. Bu görevi çeşitli tarzlardaki örneklerle gösteriyoruz (renkli ekler 14-17'ye bakın). Bu görevi arka ışıkta bir natürmort şeklinde tamamlayabilirsiniz. Böyle bir çözüm için en basit seçenek, pencere kenarında bir natürmort olacaktır.

Pirinç. 63. Natürmort fotoğrafçılığı

Pirinç. 64. Bir natürmort inşa etmek

Pirinç. 65. Son çalışma

Görev 10. Yönlü aydınlatma ile karmaşık tematik natürmort

Bu görevi tamamlamak için, yüksek kontrastlı sıcak yönlü aydınlatma ile bir natürmort ayarlamak gerekir. Açık alanlara göre "ağır" alanlar olarak algılanan gölgelerin görsel kütlesini hesaba katmak önemlidir. Algı psikofizyolojisine göre en uyumlu aydınlatma, gölge alanının nesnenin görsel kütlesinin yaklaşık üçte birine eşit olduğu sol üstten aydınlatmadır. Görevi tamamlamanın bir örneği olarak (renkli ekler 18, 19'a bakın), klasik olarak dengeli bir kompozisyona sahip bir dizi deniz temalı çalışma seçildi. Tasvir edilen alanın büyük bir derinliği de dahil olmak üzere çok katmanlı bir çözüm seçerek bir natürmort kompozisyonunu deneyebilirsiniz.

Görev 11. Karışık ortamda karmaşık tematik natürmort

Bu görevde, önemli olan karma tekniklerin sayısı değil, gerekçeleridir (bkz. renkli ekler 20-22). Aydınlatılmış alanların parlak alanlarını ve yansımaları vurgulamak için açık renkli bir alt tabaka kullanabilirsiniz. Çeşitli seçenekler uygundur: guaj, tempera, beyaz ile sulu boya. En büyük etki, alt tabaka olarak sıcak tonlar veya saf beyaz kullanıldığında elde edilebilir. Alt tabakanın mürekkep tabakasının yüzeyi çok gözenekli veya parlak olmamalıdır. Gerçekçi çizimde, boya tabakasındaki dokunuşların pastel ile yüksek kalitede yazılması önemlidir. Karma medya tekniklerini çok sık kullanmaya gerek yoktur, çünkü sanatsal teknikler yaratılmakta olan sanatsal görüntünün yalnızca bir parçasıdır ve kendi başına bir amaç değildir. İş, aşırı vuruşlarla ve formların çok sayıda katmanla boya ile altını çizerek bozulabilir. Gölgelerin hafifliği ve şeffaflığı, ilk katlarda suluboya ile çalışma, ardından pastellerle inceltme tekniği ile verilebilir. Yağlı pastel kullanılarak renk, ton ve doku zenginliği elde edilebilir.

Görev 12. Alçı başlı karışık teknikte tematik natürmort (omuz kuşaklı bir kafa, bir maske veya ünlü bir ustanın gerçekçi bir portresinin reprodüksiyonu)

Bu görev, edinilen bilgi, beceri ve becerilerin kompozisyon, çizim ve boyamada uygulanmasının gerekli olduğu natürmort türünün son görevidir (renkli ekler 23, 24'e bakın). Görevin amacı, formun doğru modelleme becerilerinde, statik formların görüntüsünden canlı doğa görüntüsüne geçişte ustalaşmaktır. Alçı başlıklar, etkileyici aydınlatmalı büstler kullanılması daha çok tercih edilir. İkincil unsurları üretimin kompozisyonel, anlamsal merkezine tabi kılma sorununu çözmek için orantılı ilişkileri olabildiğince doğru bir şekilde göstermek önemlidir. Alçı boyamada, önemliliği iletmek için ton ilişkilerini gözlemlemek önemlidir. Rengin aşırı doygunluğundan, pastelleri ovuştururken formların bozulmasından kaçınılmalıdır.

Pastel portre (bkz. renkli ek 25) birkaç şekilde yapılabilir. Daha uzun bir versiyon, çizimin ayrıntılı bir şekilde oluşturulmasını ve ardından pastel bir kağıda aktarılmasını içerir. Daha hızlı ama aynı zamanda daha riskli bir yol, doğrudan pastel kağıt üzerinde çalışmaktır. Bu durumda, chiaroscuro'nun ana kütlelerinin modellenmesi ile daha az ayrıntılı olarak inşaat yapılabilir. Bir portre üzerinde çalışma becerilerini geliştirmek için, bütünsel ve ayrıntılı bir vizyon, ayrıntıları büyük bir forma tabi kılma yeteneği geliştirmek önemlidir. Portrede önce kitlelerin genel dinamikleri bulunur - baş, boyun ve omuz kuşağının dönüşü ve eğimi. Daha sonra, ön kısmın kafa ile geniş ilişkisini, süpersilier kemerlerin çizgilerinin, gözlerin, burnun alt platformunun, ağız çizgisinin, şeklin kırılma noktalarının perspektife eğimini ve ayrılmasını belirlerim. temporal, zigomatik kemikler ve mandibular açı aranır. Kafada (profilde döndürme hariç), orta çizgiyi ayarlamak önemlidir. Şekillendirmenin doğasını dikkate almak önemlidir: alnın silindir benzeri ve küresel yüzeyi, özelliklerin yuvarlaklığı veya keskinliği, yüz özelliklerinin özellikleri. İnsan kafasının anatomik özelliklerinin bilinmesi, bireysel, kişisel özelliklerin araştırılmasını kolaylaştırır. Aşağıdakileri dikkate almak önemlidir:

1. alın yüksekliği, burun uzunluğu, burun alt noktasından çene alt noktasına olan mesafenin yaklaşık eşitliği;

2. gözler arasındaki mesafe ile göz bölümünün genişliğinin yaklaşık eşitliği;

3. kulak yüksekliği ile burun uzunluğunun yaklaşık eşitliği ve aynı yükseklikteki konumları;

4. göz çizgisinin yüksekliği başın ortasının biraz üzerindedir.

Bir insan kafası çizerken, odaklanmamız gerektiğini düşündüğümüz bir dizi tipik hata vardır. Portrede düz çizgiler boyunca pratik olarak hiçbir plastik ilişki olmadığını, esas olarak eğimli eksenler ve yaylar boyunca formların oluşturulduğunu hatırlamak önemlidir. Formun Yunan heykel portrelerine benzetilerek yorumlanmasıyla ilgili hatalar, basit olması için tipik bir portre görüntüsünden sonra "Venüs'ün hataları" diyeceğiz:

1. çoğu zaman bir portre öğretme sürecinde, burun köprüsünün rulo benzeri, girintili şekli yanlış çözülür, çizimlerde burun köprüsü genellikle yanlışlıkla alın düzleminden çıkıyormuş gibi tasvir edilir;

2. nazal septum anatomik olarak burun kanatlarının tabanının altında bulunur, ancak çizimlerde burnun alt platformu genellikle yanlışlıkla tek bir düzlem olarak gösterilir;

3. temporal ve zigomatik kemiklerin yanı sıra mandibular açı şeklindeki kırıklar yanlış iletilir;

4. alın, katı bir silindirik şekil olarak yorumlanır, ancak alnın şekli oldukça küreseldir, şakak kemiklerinin "üçgenlerine" yazılmıştır;

5. boyun aynı zamanda silindirik bir şekil olarak yorumlanır, ancak boynun şekli arkadan yassı kas şeritleriyle, yandan simetrik sternokleidomastoid kasların köşegenleriyle, bir ucu kulakların arkasına, diğer ucuna tutturulmuş olmasına rağmen - juguler fossa, S-şekilli köprücük kemiklerine neden olur.

6. köprücük kemiğinin omuzlara ve boynun omuzlara geçişi de sıklıkla yanlış anlaşılır. Omuz kuşağı düz çizgiler yerine geniş kavisli olarak bağlanmalıdır, bunun için iskeletin yapısını, yukarıdan görünüşünü hatırlamak önemlidir. Boyundan omuzlara geçiş, trapezius kaslarının tüberkülleri tarafından oluşturulur.

Yanlış renk tonu modellemesiyle ilişkili hatalar, basit olması için "boyalı manken hataları" olarak adlandıracağız:

1. kafadaki saçlar, kaşlar, kirpikler çok keskin gösteriliyor, forma "çiziliyor", takma saç etkisi elde ediliyor, plastik, renksel olarak genel formla ilgili değil;

2. gözler çok keskin çizilmiş, göz yuvalarının şekli, dış ve iç açıların eksenlerinin eğimi, üst ve alt göz kapaklarının kalınlığı ve hareketliliği, göz küresinin şekli, aslında göz küresinin şekli dikkate alınmadan modellenmiştir. , gözün kornea ile sadece yaklaşık bir bölümü gösterilir, göz nişinin gölgesine ekilmez. Bu hata yaygındır ve boyalı gözlerin cilt yüzeyindeki etkisini verir. Bunu düzeltmek için çizgilerin sertliğini biraz yumuşatmak ve proteinlerin aşırı beyazlığından kurtulmak çoğu zaman yeterlidir;

3. dudakların rengi ve şekli cildin tonu ve renginden çok keskin bir şekilde öne çıkıyor, şekli yumuşatmak ve bazen kaybolan bir çizgiyle vurgulamak önemlidir;

4. ten rengi, renge aşırı doymuş ve I. E. Repin'in yazdığı gibi "küçük renk tonlarından" oluşuyor. Renk parçalanması dekoratif bir etki yaratır, görüntünün algılanmasında bütünlük eksikliğine yol açar, yüzün bölümleri adeta ayrı ayrı var olur.

Karakteristik bireyi, kişilik özelliklerini netleştirdikten sonra, pastel boya ve pastel kalemlerin uygun olduğu bir vuruşla portrenin bütünsel bir modellemesini yapmak gerekir. Bu aşamadan sonra, vuruşun seçici olarak sürtünmesine devam edebilirsiniz, bu büyük ölçüde gölgeler için geçerlidir. Detayların bütüne tabi kılınması ile ilgili çalışmak, arka plan ve çevre ile ilgili olarak gölge ve ışık alanlarını çözmek önemlidir. Arka plan, ışık kısmında maksimum kontrastın ve gölge kısmında maksimum genellemenin oluşturulduğu portreyi olumlu bir şekilde vurgulamalıdır. Kademeli olarak, zaman zaman neyin gerekli olduğunu genelleştirerek çizimi giderek daha fazla geliştirmek gerekir. Form ve detayların düzeltilmesi tüm çalışma süresi boyunca yapılabilir. Ton çözümünden sonra, rengi ve rengi iyileştirmeye, vurguları koymaya ve son genellemeye devam edebilirsiniz.

Görev 14. Alçı gövde ile sahneleme (iç kısımda natürmort unsurlarla)

Bu görevi Laocoon'un gövdesi örneğini kullanarak göstereceğiz (bkz. renkli ekler 26, 27). Öncelikle sayfadaki toplam kütleyi bulmanız gerekir. Yerleşim ve yapım aşamasında, bozulmaların kabul edilebilir olduğu dinamik bir eskiz yapmak önemlidir. Başın yüksekliğinin gövdeye, genişliğin yüksekliğe oranı bu durumda, nişan alma yöntemini dikkatlice ölçmek önemlidir. Başın eğim açısını, vücudun orta çizgisini bulmak, ışık gölgesinin sınırında dörtte üçünün dönüşünde yer alacak olan "ifade noktalarını" koymak gerekir. Yapı modülü olarak başın yüksekliği alınır (tüm orantılı ilişkilerin kontrol edildiği boyut). Modül, sakalın alt noktasından solar pleksusa bir kez, solar pleksustan tabanın başlangıcına - ikinci kez döşenir. Bu görüşte başın en uç noktalardaki genişliğinin başın yüksekliğine eşit olduğuna dikkat etmek önemlidir, yani koşullu bir kare şeklinde düzenlenmiştir ve eğimi sırasıyla 45 ° 'dir ve bu karenin köşegenidir. Başın en sağ noktası dikey olarak pelvisin en sağ noktasına karşılık gelir.

İşleme ve iyileştirme, inşaatın son aşamasıdır, maksimum konsantrasyonla yapılmalıdır. İnşaat sırasında bakış açısını değiştirmeden sırtınız düz oturmak önemlidir. Büyük çizgiler en iyi kol uzunluğunda, küçük ayrıntılar - daha küçük bir mesafeden çizilir. Çizim sırasında periferik görüş bozulmalarını önlemek için, işi yarıda kesmeli ve optimum algı bölgesine doğru uzaklaşmalısınız, orta formatlar için bu yaklaşık 3 m'dir.Ayrıntılar sayfanın çevresindeyse, döndürebilir ve bozulmayı azaltacak şekilde sayfayı hareket ettirin. İşi ters çevirmek, aynadan bakmak hata sayısını en aza indirmeye yardımcı olur. Bir çizimdeki dikeyleri kontrol etmek için iyi bir araç, bir iplik üzerinde küçük bir ağırlık olan bir çeküldür.

Çizimde büyük kütleler ve orantılar bulunduğunda, daha küçük hacimleri büyük hacimlere yazarak "bir parçadan" çizim detaylarına geçebilirsiniz. Büyük gölge kütlelerinin tonlanması, yüzeyin daha objektif bir resmini elde etmenizi sağlayacaktır, çünkü nokta-vektör, doğrusal inşaat yöntemlerinin "noktadan" bir desenle kombinasyonu, doğruluk ve pitoreskliğin bir kombinasyonunu verir. İşin tüm aşamalarının yürütülmesi sırasında hata kontrolü, açıklamalar yapılmalıdır. Formların arka planla dikey, yatay, köşegenler, mekanlararası mesafeler, temas konturları boyunca iyileştirme yapılabilir. Form elemanlarının kendi aralarındaki plastik bağlantılarını hissetmek ve modellemek önemlidir, insan vücudunda kütlelerin bağlantısı kural olarak düz çizgiler halinde değil kavisli bir şekilde gerçekleşir.

Hacmi modellerken, iki ana tonu belirlemek en iyisidir - gereksiz ton geçişleri olmadan ışık ve gölge, ardından düzlemlerin ve yüzeylerin birbirine, ışık kaynağına ve yansıtıcı yüzeylere göre dağılımını analiz ederek tonaliteleri derinleştirmeye devam edin. Unutulmamalıdır ki, chiaroscuro sadece formun hacmine dair bir his yaratmakla kalmaz, aynı zamanda onu kısmen deforme eder, bu nedenle bazen şekillendirmeyi anlamak için doğaya yaklaşmaya ve onu farklı bir açıdan, farklı bir şekilde görmeye değer. ışık. Bazen geçişleri anlamak için karmaşık bir şeklin yüzeyini dokunsal olarak inceleyebilirsiniz.

Çizim, formun kıvrımlarında, ışık ve gölge sınırında vurgulanır. Dörtte üçe yayılmış bir portrede, yukarıdakilere ek olarak, süpersilier kemerler, gözler, burun ucu, iç dudak çizgisi, şakak ve elmacık kemikleri, mandibular açı ve çene vurgulanır.

Görev 15. İç mekanda tematik portre

Bu ve sonraki görevler, sanatsal eğitim ve pastel becerilere sahip kişiler için tasarlanmış oldukça zordur. Pastel portre çizmek, ayrı bir kitaba layık karmaşık bir süreçtir. Bunun üzerinde ayrıntılı olarak durmayacağız ve sadece birkaç yararlı ipucu vereceğiz.

Bir portre çizerken, bir kişinin bireysel oranlarını kesinlikle gözlemlemek gerekir. Bir portre çizmenin ilk aşamalarında, kompozisyona ve hacim olarak genel çözüme dikkat edilmelidir. Yüz, görerek ölçülebilir veya "gözle" çizilebilir, her durumda "genelden özele" ilkesine uyulmalıdır. Tematik bir portrede bir portre benzerliği olmalıdır, ancak her durumda eser, nesnel gerçekliğe kendi değişikliklerini getiren genel bir fikir ve ruh haline tabidir.

Tematik bir kompozisyon üzerinde çalışmak, malzeme seçimi ve hazırlık eskizleriyle başlar. Fikir tamamlandığında, kompozisyonu ayni şekilde sahnelemeye başlamanız gerekir. Büyük düzeltmeler ve eklemeler zaten yerinde yapılıyor. Elbette olanı çizmeye imkan veren koşullarda bir üretim organize etmek her zaman mümkün olmuyor. Çoğu ve bazen neredeyse her şeyi, sanatçı fikre göre tasvir ediyor, fotoğrafları işliyor, fanteziyi, yaratıcılığı ve görsel hafızayı birbirine bağlıyor. Ana fikri ortaya çıkaran şeyleri, aksesuarları (aslında bir natürmort olan) almaya çalışmalısınız. Bu durumda bunlar tiyatroyla ilgili şeyler. Kompozisyon, sanki kadın kahramanın iki durumunu aynı anda yansıtıyormuş gibi bir ayna yardımıyla inşa edilmiştir. Bu çalışma, ortamdaki görüntüye odaklanır, ancak kesin cevaplar vermez,

Çalışma doğadan ve fotoğraf kullanılarak gerçekleştirilmiştir (renkli sekme 28). Bu durumda kuru yumuşak pasteller ve pastel kalemler kullanıldı. Bazı bölgelerde hafif alanlarda sürtünmeye dayanamayan kolayca zarar gören taban (gri pastel kağıt) nedeniyle beyazla karıştırılmış sulu boya kullanıldı (pastel yine böyle bir tabakanın üzerine yatmaya başladı). Böylece sır kullanımı ile karışık bir teknik kullanılmıştır. Ne yazık ki bazen kağıdın olumsuz özellikleri sadece işte ortaya çıkıyor ama her halükarda çok küçük ve çok büyük taneciklere sahip koyu renkli kağıt insan derisi için uygun değil. Daha doğru bir yapı için, levha üzerine bir ızgara çizildi, çizim sadece inşaat aşamasında değil, çalışma sırasında da düzeltildi. Çalışmadaki en büyük dikkat, bir kız figürü olan yansımaya verildi.

Görev 16. Bir insan figürü çizmek

İnsan figüründe, destekleyici, ağırlık taşıyan unsurlara odaklanmak önemlidir: leğen kemiği, omuz kuşağı, dizler, ayaklar (bkz. Şekil 66-70). Destekleyici unsurlara, orta çizgiye vurgu yapan büyük bir eskiz olarak, kütlelerin dinamiklerini dikkate alarak tam uzunlukta bir figür oluşturmaya başlamanız önerilir. Gövde için olduğu kadar figür için de test modülü baş ve onun diğer tüm kütlelerle ilişkisidir. Kurmaya baştan başlarsak şeklin kütlesini doğru çözemeyebiliriz ve görsel olarak ayrı algılanır. Unutulmamalıdır ki, vücudun sadece bir kısmını hareket ettirdiğimizde, diğer kısımlar da istemsiz bir hareket yaparak rahat bir pozisyona gelirler, bu nedenle canlı doğadan mekanik olarak önce bir kol, sonra bir bacak çekmek bir hatadır. sonra bir kafa vb. Gözlem, bütünlük ve algı sürekliliği geliştirmek gerekir,

Pirinç. 66. Profilde erkek portresi

Pirinç. 67. Profilden bir kadının portresi

Pirinç. 68. Çıplak bir kadın figürüyle sahnelendi

Pirinç. 69. Karmaşık bir kısaltmada yatan figür

Pirinç. 70. Figürlü tematik kompozisyon

Birçok orantılı kalıp vardır. Erkek figüründe, kural olarak, daha yuvarlak sayısal göstergeler oluşur ve kalıplara uymayan, bireysellik olarak kabul edilebilir. İnsan oranlarının çeşitli özelliklerine odaklanacağız:

1. baş yüksekliği ve ayak uzunluğu yaklaşık olarak aynıdır;

2. fırçanın uzunluğu, sırasıyla baş yüksekliğinin ve ayak uzunluğunun dörtte üçüne eşittir;

3. çenenin altından solar pleksusa kadar başın yüksekliği uyuyor;

4. solar pleksustan üst pelvik kemiklere kadar başın yüksekliği de uyuyor;

5. bacağa yaklaşık dört baş yüksekliği sığar: üst noktadan patellaya iki yükseklik ve patelladan ayağın altına iki yükseklik;

6. dirsek kıvrımı yaklaşık olarak göbek hizasındadır. Parmağın falankslarından her biri komşusuyla dörtte üçlük, orta parmağın uzunluğu elin arkasıyla dörtte üçü;

7. omuz genişliği yaklaşık olarak başın genişliğine eşittir, pelvisin genişliği iki başın genişliğine eşittir;

8. yarıçap ve humerusun uzunluğu yaklaşık olarak başın yüksekliğine eşittir.

Görev 17. İç mekanda tematik figüratif kompozisyon

İç mekanda tematik bir kompozisyonun geliştirilmesine, iç mekan parçalarının eskizleri ve eskizleriyle başlamak daha iyidir (bkz. Şekil 71, 72). Bu aşamada büyük ve küçük kütlelerin düzenine ve uyumlaştırılmasına özel dikkat gösterilmelidir. Sayfada en başarılı şekilde bulunan kompozisyonun ayrıntılı olarak oluşturulması aşamasını atlamamalısınız. Çizimi kontrol ettikten ve yanlışlıkları ortadan kaldırdıktan sonra, konstrüksiyonun pastel çalışma temeline dikkatlice aktarılması önemlidir.

Örnek olarak belirtilen görevler, daha sonra sanatsal bir görüntü arayışıyla eğitici açık hava performanslarının doğasındadır (bkz. renkli ekler 29, 30). Bu ödevler, çıplaklığın yaratıcı bir çözümünü içerir, yaratıcı çalışma kasıtlı yanlışlıklar, fikrin gerçekleştirilmesi için gerekli çarpıtmalar içerebilir, ancak sanatsal teknikleri kendi başına bir amaç olarak belirlememelidir.

Pirinç. 71. İç mekanda natürmort

Pirinç. 72. Pastel iç

Önerilen görevlerin en zoru, iç mekanda ortamın çözümüne özel önem verilen iki figürlü bir kompozisyondur (bkz. renkli ek 31). Yerdeki parke, sağ köşede asılı duran perde ve açık kapı mekanın derinliğini belirliyor. Tek renkli çözüm, bu kompozisyon için çok uyumludur ve özel bir sakin ruh hali oluşturur. Işık kaynağı solda ve eserde ışığın rengi eksik olmasa da yumuşak ve doğal - pencereden - olduğunu varsayabiliriz. Bu, eserin sol tarafında yer alan duvardaki gölgelerle kısmen kanıtlanmıştır. Eserin formatı kare olup, oturan ve ayakta duran kadın figürleri klasik dengeli bir üçgen kompozisyon oluşturmaktadır. Antika tuniklere benzeyen hafif elbiseler, kızların elleri arasında kaçış noktası olan cepheden bir perspektif ile de “Klasik” vurgulanıyor. Bir anlam merkezi olarak algılanan bu kaçış noktası, iki kadın kahramanın diyaloğunu vurgular. Yapının iç mekânı, döşemesi ve giyimine göre 19. yüzyılın ilk yarısındaki Avrupa kültürünü yansıttığı varsayılabilir. Mekanın derinliklerine yerleştirilen figürler, sanki izleyici bu odada belli bir uzaklıktaymış ve gizlice olup biteni izliyormuş gibi belli bir gizem duygusu yaratıyor. Bu işi kendiniz yapmak için, mümkün olduğunca çok sayıda küçük kompozisyon taslağı yapmanız gerekir. Daha sonra en başarılı seçenek, önceden planlanmış bir alanda gerçek boyutlu resimlerde geliştirilebilir. Bu ödev için malzemeler: kuru yumuşak pasteller ve kahverengi kağıt. eserin 19. yüzyılın ilk yarısındaki Avrupa kültürünü yansıttığını söyledi. Mekanın derinliklerine yerleştirilen figürler, sanki izleyici bu odada belli bir uzaklıktaymış ve gizlice olup biteni izliyormuş gibi belli bir gizem duygusu yaratıyor. Bu işi kendiniz yapmak için, mümkün olduğunca çok sayıda küçük kompozisyon taslağı yapmanız gerekir. Daha sonra en başarılı seçenek, önceden planlanmış bir alanda gerçek boyutlu resimlerde geliştirilebilir. Bu ödev için malzemeler: kuru yumuşak pasteller ve kahverengi kağıt. eserin 19. yüzyılın ilk yarısındaki Avrupa kültürünü yansıttığını söyledi. Mekanın derinliklerine yerleştirilen figürler, sanki izleyici bu odada belli bir uzaklıktaymış ve gizlice olup biteni izliyormuş gibi belli bir gizem duygusu yaratıyor. Bu işi kendiniz yapmak için, mümkün olduğunca çok sayıda küçük kompozisyon taslağı yapmanız gerekir. Daha sonra en başarılı seçenek, önceden planlanmış bir alanda gerçek boyutlu resimlerde geliştirilebilir. Bu ödev için malzemeler: kuru yumuşak pasteller ve kahverengi kağıt. kompozisyonun mümkün olduğunca çok sayıda küçük eskizini yapmak gerekir. Daha sonra en başarılı seçenek, önceden planlanmış bir alanda gerçek boyutlu resimlerde geliştirilebilir. Bu ödev için malzemeler: kuru yumuşak pasteller ve kahverengi kağıt. kompozisyonun mümkün olduğunca çok sayıda küçük eskizini yapmak gerekir. Daha sonra en başarılı seçenek, önceden planlanmış bir alanda gerçek boyutlu resimlerde geliştirilebilir. Bu ödev için malzemeler: kuru yumuşak pasteller ve kahverengi kağıt.

Görev 18. Pastel ile manzara

Bir peyzajda en önemli şey planlılığı doğrusal ve hafif hava perspektifi aracılığıyla iletmektir (bkz. renkli ek 32). Sac düzlemini arka plandan derzlemeye başlamak, yavaş yavaş ortaya ve yakına doğru hareket etmek daha uygundur. Vuruşlar ve şiddetli yönlü sürtünme, rüzgarın etkisini yaratabilir. Peyzajda önemli bir görev tabiatın durumunu, lirizmi, şiiri aktarmaktır; pastellerin kadifemsiliği ve hafifliği bu sorunları çözmek için çok uygundur.

Peyzaj, hem sahte hem de orta ve üst katmanlarda doku kullanımı dahil olmak üzere karışık ortamda da boyanabilir. Diş fırçasının kıllarıyla boya sıçratmak, tekstüre etmenin en kolay yollarından biridir. Islak bir boya yüzeyine orta sertlikte buruşuk bir plastik torba ile presleme tekniğini de kullanabilirsiniz. Bu teknik için alt tabakayı sulu boya yapmak daha iyidir, paket yaklaşık 5-10 dakika basınç altında tutulur, ardından çıkarılır. Macunsu bir alt tabaka (kalın boya tabakası) kullanmak için guaj veya tempera en uygunudur, üzerine herhangi bir resimsel doku basılabilir.

Açık hava koşullarında, bazen boya tabakasını sabitlemek ve mekanik ve diğer hasarlardan (nem, toz vb.) Korumak gerekir, bunun için önceden çalışma için gerekli bir dizi öğeyi hazırlamak önemlidir.

Edebiyat

Burrill F.  Pastel / per ile çiziyoruz. İngilizceden. N. V. Mikelishvili. M., 2007.

Betta F.-J.  Pastel: Yeni başlayanlar için 7 günlük program. Rostov n / D., 2007. (Ustalık sınıfı).

Bogdanov A.  “A. P. Ostroumov-Lebedev. L., 1976.

Brion J.  Eski gravürlerin, çizimlerin, çizimlerin yenilenmesi ve yapıştırılması. M., 1908.

Buimistru T. A.  Boyama: renk, güzellik ve uyumun anahtarıdır. M., 2008.

Vizer V. V.  Pitoresk yazı. Görsel sanatlarda renk sistemi. - St.Petersburg, 2006.

Wieber J.  Resim ve araçları. M., 2000.

Vitkovsky A. N.  Pedagoji Üniversitesi Güzel Sanatlar ve Halk Sanatları Fakültesi'nin özellikleri bağlamında akademik çizim öğretiminin metodolojik temelleri: pedagojik bilimler adayının tezi: 13.00.02. 61 99-13/1309-2. M., 1998.

Viffen V.  Natürmort çizmeyi öğrenmek. Çizim kılavuzu. M., 2001. ("Çizmeyi öğrenmek" dizisi).

Gavrilyachenko S. A.  Eğitim çizimi. Proc. ödenek. M, 2003.

Garrison H.  Çizim ve boyama: kurşun kalem, sulu boya, yağlı ve akrilik boyalar, pastel: dolu. ders: malzemeler, teknik, yöntemler. M., 2007.

Goncharova N. N.  19. yüzyılın ilk yarısının grafiklerinde Rus soylu portresi: Koleksiyondan. Durum. Doğu Müze: Albüm / Comp. N. Goncharova. M., 2001.

Getashvili N. V.  Dünya resminin atlası. M., 2004.

Efremova L. A.  Dahiler Galerisi: Vrubel. M., 2005.

Efremova L. A.  Rus resminde portre: Dünya resim galerisi. M., 2004.

Elizarova E. M.  Resim ve çizim öğretiminin sorunları // Sat. ilmi tr. Ros. akad. Sanat, St.Petersburg. durum akad. Resim, Heykel ve Mimarlık Enstitüsü. I. E. Repina. SPb., 1994

Ershova I.  Pastel // Sanat Okulu. 1 numara, 2003.

Zhabinsky V. I., Vintova A. V.  Çizim: Proc. ödenek. M., 2008.

Ignatiev S. E.  Çocukların görsel aktivite kalıpları: Üniversiteler için ders kitabı. M., 2007'ler.

Ignatiev S. E., Kovalenko P. Yu., Kuzin V. S., Lomov S. P., Shorokhov E. V.  Görsel sanatlar. Eğitim kurumları için program. 5-9 sınıflar. M., 2010.

Kamenskaya T. D.  16-19. Yüzyılların Batı Avrupa okullarının sanatçıları tarafından pastel renkler. L., 1960.

Kantor-Gukovskaya A.S.  Hermitage Koleksiyonundaki Batı Avrupalı ​​Sanatçıların Pastelleri, 18. - 20. Yüzyılın Başları: Kat. vyst. / Durum. Ermitaj Müzesi; Yetki. - komp. A. S. Kantor-Gukovskaya. SPb., 2001.

Kiplik D.I.  Boyama tekniği. - M., 2002.

Kruglov V. F.  Zinaida Evgenievna Serebryakova. - St.Petersburg, 2004.

Kuzin V.S. Görsel sanatlar ve öğretim yöntemleri. M., 1998.

Kuzin VS  Eskizler ve eskizler. M., 2002.

Coombs, Peter.  Pastel Resim: Güzel bir resim nasıl oluşturulur. M., 2002.

Lebedeva V. E.  Boris Kustodiev. Sanatçı ve eseri. M., 1981.

Lee N. G.  Çizim. Eğitsel akademik çizimin temelleri. M., 2007.

Lomov S.P.  Çizime göre metodolojik gelişmeler. M., 1996.

Lomov S.P.  Resim. Proc. üniversiteler için. 3. baskı gözden geçirilmiş M., 2008.

Lomov S.P.  Sanat eğitimi didaktiği. Monografi. M., 2010.

Lomov S.P., Ignatiev S.E., Karmazina M.V.  Görsel sanatlar. ders kitabı M.,

2009.

Manin V. S.  Rus manzarası. M., 2001.

Medvedev L. G.  “Resim. Duygu, düşünce, renk uyumu. Monografi. SPb., 2009.

Mogilentsev V. A.  Eskizler ve eğitici çizim. Öğretici. SPb., 2009.

Moleva N. M.  Üstün Rus sanatçı-öğretmenleri. Kitap. öğretmen için 2. baskı, ekleyin. M., 1991.

Perova E. G.  Rusya'da 18. yüzyılın Pastel portresi (Tarih, atıf, koruma, restorasyon): Dep. RSL OD 24.00.03, No. 61:04-17/212'de.

Robert K.  Yağlı boya, suluboya ve pastel ile resim yapma rehberi. SPb., 1897.

Rostovtsev N. N.  Akademik çizim. M., 1995.

Rostovtsev N. N.  Bir insan kafası çizmek. Proc. ödenek. M., 1989.

Rostovtsev N. N., Ignatiev S. E., Shorokhov E. V.  Çizim, resim, kompozisyon. M., 1989.

Rus Müzesi koleksiyonundan pastel // Almanak. Sorun. 261. St.Petersburg, 2009.

Sunucu, Francisco Asensio.  Yeni başlayanlar için pastel. M., 2004.

Sergievskaya N. I.  Levitan. M., 2010.

Sokolnikova N.M.  Güzel Sanatlar: Proc. hesap için. 5-8 hücre: 4 saatte Bölüm 3. Kompozisyonun temelleri. Obninsk, 1998.

Stasov V. V.  Favoriler. 2 ciltte. T.1.M., 1950.

Shorokhov E. V.  Kompozisyon. Pedagojik üniversitelerin öğrencileri için ders kitabı. M., 1986.

Academy of Arts'ta eğitici çizim: Albüm / Ed. B. S. Ugarova; Yetki. - komp. D. A. Safaralieva. M., 1990 (IV).

Chistov P. D.  Fakülte özellikleri açısından ton çizimi öğretim yöntemlerinin özellikleri. incir. sanat ve halk pedagojik bir üniversitenin el sanatları listesi: yazarın özeti. dis. samimi ped. Bilimler 13.00.02. M., 2004.

Chistov P.D., Moiseev A.A., Dorofeeva Yu.Yu.Pastel  Art. Uzmanlık 030800 "Güzel Sanatlar". Proc. - yöntem. karmaşık. M., 2008.

Chistov P. D., Moiseev A. A., Dorofeeva Yu Yu Yu  Eşsiz grafikler. Pastel. Uzmanlık 030800 "Güzel Sanatlar". Eğitim ve metodoloji kompleksi. - M .: MGOU Yayınevi, 2008 “Alexey Kravchenko. Pastel, sulu boya, çizim. Albüm. - M., 2007.

James Whistler.  Başına. İngilizceden. L Eveleva / Ed. Tumakova I., Sevalkina M. - M., 2005.

Dali: Grafik şaheserleri. - M., 2004.

İlya Repin. Yetki. metin: Allenova E. - M., 2001.

Gorbacheva S. M.  18. yüzyıldan 20. yüzyıla Rus pastel portresi // Sanat ve eğitim ... No. 14 (254). M., 2002.

Moiseev A. A.  Sanat ve grafik fakültelerinde pastel grafik sanatının öğretilmesi // Sanat ve Eğitim. 5 (67). M., 2010

Moiseev A. A.  Güzel sanatlar fakültelerinde öğrenci yetiştirmede verimliliği artırmada bir etken olarak pastel grafik sanatının öğretilmesi. Güzel Sanatlar ve Halk Sanatları Fakültesi öğretmenlerinin bilimsel ve metodolojik çalışmalarının koleksiyonu. Sayı No. 1. Konu eğitimi teorisi ve metodolojisinin sorunları. Sanat. Dekoratif ve uygulamalı sanat. Tasarım. M., 2010.

Nicholas Roerich. Yetki. metin: Volodarsky VM, 2003.

Picasso: Grafik şaheserleri. - M., 2002.

Felicien Rops: Grafik şaheserleri. - M., 2007.

A'dan Z'ye Rus grafikleri. - M., 2002.

Pastel / Ed ile çiziyoruz. Y. Baklakova. M., 2005.

Pastel: detay. pratik kurs / Ed. Y. Nebukina. M.; Yaroslavl, 2006.

Pastel: adım adım. M., 2005.

Yumuşak pasteller: adım adım. M., 2006.

16.-18. Yüzyıl Batı Avrupa Gravürlerinde Sanatçı Portreleri: Sergi Kataloğu / Comp. N. K. Masyulionite: Durum. Ermitaj Müzesi. SPb., 2009.

Hardy Paul. Manzaraları pastellerle çiziyoruz: güzel çizmeyi öğreniyoruz. M., 2007.

Arkhangelsk Güzel Sanatlar Müzesi. Rus Sanatının Hazineleri / Comp. E. Ruzhnikova. M., 2005.

Yekaterinburg Güzel Sanatlar Müzesi. Rus Sanatının Hazineleri / Comp. O. Pichugin, I. Zagorodskikh, O. Yakovlev, Z. Tayurov. M., 2003.

A. A. Deineka'nın adını taşıyan Kursk Devlet Sanat Galerisi. Rus sanatının hazineleri / Comp. N. Pogretskaya, I. Pripachkin, M. Tarasova. M., 2004.

M. A. Vrubel'in adını taşıyan Omsk Güzel Sanatlar Müzesi. Rus sanatının hazineleri / Comp. A. Gumenyuk, N. Toropova, L. Chuiko. M., 2002.

A. S. Puşkin Devlet Müzesi. M., 2004.

A. S. Puşkin Devlet Müzesi, Moskova: XVIII-XIX yüzyılların Rus resimli ve grafik portresi: albüm / Comp. L. Karnaukhov'un metni. M., 2005.

Devlet Tretyakov Galerisi. Tarih ve koleksiyonlar. M., 1995.

A'dan Y. M.'ye Rus grafikleri, 2002.

Academy of Arts'ta eğitici çizim: Albüm / Ed. B. S. Ugarova; ed. - komp. D. A. Safaralieva. M., 1990 (IV).

Sanat Galerisi: Dünyaca ünlü sanatçıların eserlerinden oluşan eksiksiz bir koleksiyon. Degaz. 2004. 4 numara.

Sanat Galerisi: Dünyaca ünlü sanatçıların eserlerinden oluşan eksiksiz bir koleksiyon. Millais. 2004. 10 numara.

Sanat Galerisi: Dünyaca ünlü sanatçıların eserlerinden oluşan eksiksiz bir koleksiyon. Toulouse-Lautrec. 22, 2005.

Sanat Galerisi: Dünyaca ünlü sanatçıların eserlerinden oluşan eksiksiz bir koleksiyon. ıslıkçı. 67, 2006.

Sanat Galerisi. Dünyaca ünlü sanatçıların eserlerinden oluşan eksiksiz bir koleksiyon. Cassatt. 86, 2006.

Sanat Galerisi: Dünyaca ünlü sanatçıların eserlerinden oluşan eksiksiz bir koleksiyon. Chardin. 90, 2006.

Sanat Galerisi: Dünyaca ünlü sanatçıların eserlerinden oluşan eksiksiz bir koleksiyon. Yeniden. - 103, 2006.

Picasso. Barselona'daki Picasso Müzesi. Barselona, ​​2009.

Sierek T., Bazwick J.  Pastel: bir erkekle hikayeler. Sanat Konseyi. 4 numara. 2002.

Morvan  F.300 şaheser. LOUVRE, Paris, 2006.

URL: http://art.1september.ru/2002/14/no14_1.htm

URL: http://www.brainart.ru/risovanie/pastel/history

URL: http://cultinfo.rU/fulltext/1/001/008/087/331.htm

URL: http://jenny-jenn.narod.ru/text_rest/pastel.htm

Renkli çizimler

Pastel ile natürmort kompozisyonu

Friz kompozisyonlu natürmort

Yamuk kompozisyonlu natürmort. A. Moiseev'in çalışması

Dikdörtgen bir üçgen içinde kompozisyon ile natürmort. A. Moiseev'in çalışması

Öğrenci işi

I. Itten tarafından temel renk çarkının şeması

renk seti

Natürmort örnekleri

1. Aşama. Ton detaylandırma ile bina

2. aşama. Pastel kağıda aktarma

Sahne 3. Sayfa düzlemini pastel ile kapatma

Aşama 4. Kompozisyonun ton ve renk şeması

Aşama 5 Bitmiş iş

Görev 1. Pastel tekniğine hakim olmak

Tebeşir köşesi ile tarama

Pastel boya düzlemi ile çalışın

Çizgi çizme

Geçiş yumuşatma uygulama

Optik renk karıştırma

Sürtünme tekniğinin olanakları

Görev 2. Alçı gövdenin doğal ışıkta çizilmesi

Üretim fotoğrafçılığı

1. Kontur ile şeklin modellenmesi

2. Ton ekleme

3. "Şekle" sürtme

4. Ayrıntıların iyileştirilmesi

5. Son çalışma

Görev 3. Yönlü kontrast aydınlatmalı birkaç basit nesnenin hareketsiz yaşamı (başlarken)

natürmort fotoğrafçılığı

1. Gölgelerle inşa etmek

2. Renklere Başlarken

3. Gölgeler ekleme

4. "Şekle" sürtme

Görev 3. Yönlü kontrast aydınlatmalı birkaç basit nesnenin hareketsiz yaşamı (tamamlama)

5. Genelleme

6. Pastel kalemle incelik

7. Tebeşirle çalışın

8. Bir fırça ile hassaslaştırın

9. Son çalışma

Görev 4. Kumaş ve nesnelerin kısa süreli eskizlerini yapmak

1. Üretimin fotoğrafı

2. Sürtme tekniği

3. Çizgi tekniği

4. Perdeyi çizmek

5. Tepeden natürmort

6. "Üç boya kalemi" ile eskiz yapmak

Görev 5. Çeşitli malzemelerden nesnelerle natürmort

1. Önemliliğin detaylandırılması

2. Yu Dorofeeva'nın son çalışması

Örnek hazırlama seçenekleri

Görev 6. Üst noktadan yakın renk kombinasyonları ile natürmort

natürmort fotoğrafçılığı

1. İnşaat

2. Harç düzlemi

3. Son çalışma

Görev 7. Çeşitli malzemelerden ev eşyaları ile sıcak renklerde natürmort

natürmort fotoğrafçılığı

1. İnşaat

2. Detaylandırma

3. Yüzey sıcaklığı

4. Son çalışma

Görev 8. Açık renklerde karışık ortamda natürmort

Natürmort. Pastel, sulu boya, beyaz

Natürmort. Pastel, sulu boya

Görev 9. Doğal ışıkta karmaşık tematik bir natürmort

Suluboya arka plan, pastel, fırça bitirme

kuru pastel

Kuru pastel, pastel kalemler

Natürmort inşa etmek

detay çalışması

Son iş. Pastel, sulu boya, beyaz

Görev 9 (son). Doğal ışıkta karmaşık tematik natürmort

Bina

Enjeksiyon ve detaylandırma

Son iş. Pastel, sulu boya, pastel kalemler

Görev 10. Yönlü aydınlatma ile karmaşık tematik natürmort

Kuru yumuşak pastel

Bina

Sac düzlem harcı

Son iş. Kuru yumuşak pastel

Görev 11. Karışık ortamda karmaşık tematik natürmort

Pastel, pastel kalemler

Yağlı kuru pastel

Pastel, badanalı sulu boya

Görev 11 (devamı). Karma teknikte karmaşık tematik natürmort

1. Pastel harcı

2. Işıklara tempera uygulaması

3. Kuru boya üzerine harç

4. İş parçası

5. Tempera ile pastel

Görev 11 (son). Karma teknikte karmaşık tematik natürmort

Suluboya alt boyama üzerine pastel

Görev 12. Alçı ile karışık teknikte tematik natürmort

Aslan maskeli natürmort. Pastel, sulu boya

Kısma ile natürmort. Pastel, pastel kalemler

Görev 12 (son). Alçı ile karışık teknikte tematik natürmort

Antinous'un başıyla natürmort. pastel, karton

Venüs de Milo'nun başıyla natürmort. pastel, zımpara kağıdı

Görev 13. Pastel portre

1. İnşaat

2. Şekil modelleme

3. Sürtünme ve iyileştirme

4. A. Moiseev'in son çalışması

Fotoğraf

Şekil Modelleme

Sürtünme ve detaylandırma

kalem işi

tebeşir açısı çalışması

Vurgu ve genelleme

A. Moiseev. Laocoon'un gövdesi. Son iş

Bir kağıda çizim

Chiaroscuro kütle dağılımı ve detayı

A. Moiseev. Ayna karşısında. Son iş

Chiaroscuro ile şekil modelleme

Sac düzlem harcı

detaylandırma

Son iş

Görev 17 (son). İç mekanda tematik figüratif kompozisyon

Görev tamamlama örnekleri

Görev 18. Pastel ile manzara

Y. Dorofeeva. sonbahar sisi

A. Moiseev. yaz çayırı

Y. Dorofeeva. Kış manzarası

A. Moiseev. Kayalık plaj. ispanya

A. Moiseev. Denize giden yol. ispanya